C de Cinema

341. Os Descendentes

2012-02-12T07:56:00.000-08:00

(Mediano)

"Os Descendentes", mais novo trabalho de Alexander Payne (do excelente "Sideways" e do regular "As Confissões de Schmidt"), é um longa tão insípido, tão mediano e tão esquecível, que mal tenho inspiração para redigir alguns parágrafos dissertando-o. Portanto, perdoem-me se este texto não for tão elucidativo quanto o costumeiro.

Para início de conversa, a história se passa no Havaí, onde um milionário (George Clooney) deve aprender a lidar com suas filhas, enquanto sua esposa, vítima de um acidente, permanece em um coma irreversível. O que se segue, então, é um festival de desventuras que assolam o protagonista. E é justamente neste ponto que reside o principal problema do filme: a excessiva leveza que anula qualquer sensação que o roteiro tente manifestar no espectador. Assim, somos incapazes de tomar as dores do personagem central, bem como nos interessarmos pela trama. Payne, com sua fraca e covarde direção, parece amenizar a dor das personagens, como se dissesse: "A mulher dele vai morrer, suas filhas são problemáticas e, ainda por cima, foi enganado por um bom tempo, mas, tubo bem! Ele está no Havaí!". Não, não está tudo bem e nada é tão florido quanto parece!

As personagens, por sua vez, fazem jus à direção. São fracas, sem-sal e levadas à tela por artistas em performances nada marcantes. Clooney, apesar de desempenhar muito bem seu papel (como de praxe deste ótimo ator), não merecia uma indicação ao Oscar na categoria em que foi nomeado, pois, apesar de alguns picos positivos em seu desempenho, sua atuação é normal demais. Porém, quem se destaca mesmo (pelo menos para mim o foi) é a atriz mirim que concede vida a filha de 17 anos do magnata, linda e talentosa.

E, por falar em Oscar, anualmente a Academia indica como um dos melhores do ano, filmes desmerecedores de tal lisonjeio. "Os Descendentes" se enquadra perfeitamente nesta regra. Não que seja ruim, mas é uma daquelas produções onde sentamos na poltrona e simplesmente vemos as imagens que passam na tela, não sentimos nada nem nos importamos com o que assistimos. Um daqueles filmes que, depois de um tempo, nem lembramos mais seu final. Ou melhor, lembramos sim, já que é algo tão clichê, preguiçoso e semelhante a tantas outras obras cinematográficas incutidas em nossa mente. E o mais estranho é que Payne, há alguns anos atrás, dirigiu "Sideways", um filme com um argumento semelhante (tragédias tratadas com clima descontraído) de forma excepcional. Pena que o acerto não tenha se repetido aqui.

Gênero: Drama

Duração: 115 min.

Ano: 2011

340. O Artista

2012-02-08T07:45:00.000-08:00

(Excelente)

Logo em sua primeira cena, "O Artista" mostra a que veio. Unificando, esplendorosamente, referências inteligentes à filmes mudos e das décadas de 20 e 30, com uma trilha sonora marcante, este mais novo longa mudo acaba se revelando uma forte crítica ao sistema hollywoodiano, ao mesmo tempo que uma grande homenagem ao mesmo.

Ambientado na época de transição dos filmes mudos para os falados, Jean Dujardin interpreta um galã que tem sua vida arruinada quando se nega a migrar para a nova tecnologia crescente, ao passo que vive um romance cheio de altos e baixos com uma atriz (Berenice Bejo) que conheceu em um de seus filmes. Mas não vá assistir a esta obra belíssima esperando uma comédia à la Chaplin ou Keaton, pois conforme os minutos vão se passando, a produção vai se tornando cada vez mais densa e dramática, com personagens depressivos, descontentes e tendenciosos ao suicídio. Porém, mesmo sob esta atmosfera pesada e sufocante, o filme ainda consegue apresentar beleza em inúmeras passagens. Isso tudo, claro, é mérito de Michel Hazanavicius, diretor corajoso e competente que, embora possua somente três exemplares em sua filmografia, denota a experiência de um veterano! Seu controle sobre a produção é admirável.

Além disso, é valido também ressaltar a qualidade técnica do filme. A começar pela ambientação extraordinária de época, com figurinos precisos, maquiagens acertadas e uma direção de arte minimalista. A fotografia também é outro elemento a se louvar. Mescla, certeiramente, iluminações e angulações recorrentes nas décadas homenageadas, com outras mais atuais, criando um requinte e uma verossimilhança invejáveis. Assim, se algo fica transparente no âmbito comentado neste parágrafo é que os envolvidos tentam, a todo custo, recriar uma época. E, sim, eles obtêm êxito!

Não só os elementos citados acima reconstituem os anos 20 e 30, mas também as performances, aparentemente exageradas e caricatas demais, resgatam o modo de desempenho interpretativo de antigamente, ao passo que homenageiam grandes astros da 7ª arte. Dujardin está fenomenal, enquanto Bejo desempenha seu papel de forma eficiente, porém não muito destacável (não entendi sua indicação ao Oscar). As pontas de atores americanos, como James Cromwell e Malcom McDowell, também foram muito bem empregadas.

E, por fim, andei notando que, em diversos meios de comunicação e em redes sociais, surge uma discussão acerca de que "O Artista" possa estar utilizando-se de referências e de supostas homenagens para mascarar sua ineficiência ou seus deméritos. Bem, eu discordo. Apesar de todas as referências, o filme possui muitos pontos positivos e consegue caminhar com as próprias pernas, sem necessitar se apoiar em grandes clássicos do cinema.

Gênero: Comédia/drama
Duração: 100 min.
Ano: 2011

339. A Separação

2012-02-04T09:23:00.000-08:00

(Excelente)

"A Separação" é um filme ousado logo em seus primeiros minutos de projeção, trazendo à tona a questão do divórcio no Irã. E, felizmente, as ousadias não param por aí. O roteiro desta obra excepcional é de uma profundidade invejável. Constrói personagens ambíguos e cativantes, ao passo que realiza críticas ferrenhas a instituições (sejam elas, o casamento, a religião, a política e os costumes) iranianas.

A história gira em torno de uma família, Nader – o pai, Simin – a mãe e Termeh – a filha, cuja matriarca decide sair da cidade por uma oportunidade de promoção em seu emprego. Como os outros dois membros da família não concordam, ela decide optar pelo divórcio e seguir sua própria vida. Uma vez que Simin sai de casa, Nader precisa reformular sua vida, e o primeiro passo seria contratar uma empregada para cuidar de seu pai, vítima de Alzheimer, enquanto está trabalhando. Porém, a serviçal contratada, Razieh, logo desencadeia uma briga com Nader, que por sua vez, acaba enxotando a empregada de sua casa. Mas o fato é que Razieh estava grávida e acaba perdendo seu bebê. Ela, junto de seu marido Hodjat alegam que Nader a fez abortar. Assim, se inicia uma disputa jurídica entre os dois casais.

Nader, Simin, Razieh e Hodjat são os quarto personagens-chave abordados pelo filme. E o script os aprofunda de uma forma admirável. A matriarca da família surge como uma figura indecisa, se deseja confiar na versão de seu marido acerca do ocorrido, ou se prefere se colocar imparcial à questão. Isso é contraposto pelo patriarca, obviamente, alegando sua inocência desde o início. Mas quem sofre na verdade é a filha do casal, que observa o psicológico de seus pais, bem como sua própria família, se desmantelando devido à pressão dos acusadores. Razieh, de início aparenta ser uma pessoa humilde e disposta, mas que, com o tempo vai se revelando capaz de tudo para conseguir o que deseja. E seu marido, é apenas um sujeito impulsivo que confia plenamente em sua cônjuge. Mas as coisas não são tão simples quanto parecem. A complexidade é muito maior. Utilizando-se da proposta de "Os fins justificam os meios", "A Separação" vai muito mais além do que o aprofundamento considerável das personagens. Com seu script voraz, a obra manipula a cabeça do próprio espectador, como em uma brincadeira, contrapondo fatos e suposições da melhor maneira possível, concedendo a culpa, hora para os acusados, ora para os acusadores. E isto, no fim das contas, acaba por manter o público interessado até os créditos finais, que, por obséquio, surgem após uma cena maravilhosa, que só comprova o modo como o roteiro brinca com os que acompanham o longa.

Além disso, a excelência não se dá somente no âmbito teórico, mas também no técnico. A ótima fotografia, em sua maior parte com câmeras na mão, acrescenta um tom certeiramente ágil que, aliada a montagem e a edição, rápida e brusca, respectivamente, impõe um tom urgente à narrativa igualmente apressada.

Por fim, "A Separação" vencerá na categoria mais óbvia da noite, a de filme estrangeiro, e espero também que leve o prêmio de melhor roteiro, pela sua ousadia (insisto) e pela sua tamanha complexidade. Excelente filme!

Gênero: Drama
Duração: 122 min.
Ano: 2011

338. Histórias Cruzadas

2012-01-31T04:51:00.000-08:00

(Muito Bom)

Há cerca de um ano atrás, ao redigir um texto sobre o fraquíssimo "O Vencedor", comentei que um dos poucos pontos positivos do filme era o elenco, impecável, repleto de performances marcantes e merecedoras de Oscar. Naquele ano, "O Vencedor" foi indicado em inúmeras categorias, mas com reais chances de ganhar somente em duas: Ator e atriz coadjuvantes. A primeira era representada por Christian Bale e a segunda por Melissa Leo e Amy Adams (ocupando, obviamente, dois lugares dentre os cinco indicados na categoria em questão, do Oscar 2011). Lembro-me que esta particularidade (a dupla indicação numa mesma categoria) me chamou a atenção. Pois bem, como esperado, os atores e atrizes concorrentes levaram a estatueta. Mas porque estou comentando um filme completamente distinto em uma análise de "Histórias Cruzadas"? Porque a situação praticamente se repete aqui, com a diferença de que este último é um ótimo longa, e que tem reais chances de levar o prêmio principal do Oscar para casa. Porém, o que se destaca mesmo, acima da história comovente e da ambientação interessante, é o casting excepcional.

Encabeçado por Viola Davis, em um desempenho que, para mim, supera sua performance em "A Dúvida", que seria capaz de carregar esta produção inteira nas costas, com sua habilidade de emocionar o público, além de conquistá-lo com seu carisma descomunal, felizmente é apoiada por outras figuras maravilhosas, como as duas indicadas ao prêmio de atriz coadjuvante (outra semelhança com "O Vencedor") também dão um show no que diz respeito à emoção e convencimento. Octavia Spencer, como uma das domésticas maltratadas, nos faz sentir na pele seu próprio drama (bem como acontece com Viola), além de nos divertir com seu despojamento em inúmeras sequências (cito a do "Eat my shit!", por exemplo). Jéssica Chastain, por sua vez, nos conquista com suas brutalidades desvairadas, num papel representado de forma contida e elegante. A típica megera que vive de poses ante a burguesia da época. Entre as duas, ainda fico com Spencer.

E, para terem alguma noção do quão ofuscante é o elenco desta obra, já ia me esquecendo de comentar a história, bela e pertinente. Situada no início da década de 60, em Mississipi, "Histórias Cruzadas" acompanha o drama de duas empregadas domésticas negras, que carregam a dor da descriminação e do preconceito, ao passo que auxiliam uma jornalista (branca) a escrever um livro sobre suas memórias, para escandalizar e fazer a sociedade de época pensar. A história em si possui momentos muito tocantes, e alguns outros cômicos. Todavia, isso tudo é ofuscado pela presença avassaladora das atrizes participantes. O que não necessariamente é um demérito. Pelo menos neste longa não soou como um defeito, mas sim como uma salvação, já que compensa a mediocridade do roteiro, que por sua vez, é um dos poucos pontos negativos neste filme. Alguns diálogos são artificiais e algumas caracterizações de personagem são forçadas ao extremo (como quando a vilã maltrata sua filha da forma mais falsa possível).

O âmbito técnico, embora eficiente, não merece tanto destaque. Os figurinos, associados à direção de arte, reconstituem bem a época ambientada, porém, a fotografia, que opta, exageradamente, por cores quentes demais, não me agradou por completo. A trilha sonora surge mais como um apoio para preencher os momentos sem diálogos, ou mesmo para ligar uma cena a outra, do que como um elemento funcional. Não transmite emoção alguma, e, sequer, realça um sentimento. É completamente indiferente e dispensável.

Assim, a pergunta que paira no ar é se um filme pode se sustentar apenas com um excelente casting, um argumento relevante e mais meia dúzia de pontos positivos, e ainda assim ser um bom exemplar? A minha resposta seria que não, muito mais elementos da obra deviam estar em sintonia para alcançar um patamar melhor, porém, este filme é uma exceção. É muito bom e carregado quase que completamente pelo elenco. E a comprovação da qualidade dos atores e atrizes envolvidos veio com o prêmio de Melhor elenco, do Screen Actors Guild Awards, ter sido concedido à "Histórias Cruzadas".

Gênero: Drama
Duração: 146 min.
Ano: 2011

Cinefilia 17: Oscar 2012 - Os Indicados

2012-01-24T08:16:00.000-08:00

Nesta terça-feira (24/01) foram revelados os indicados a 84ª premiação do Oscar. E, como já previa, por 2011 ter sido um ano medíocre em suas estreias cinematográficas mundiais, os indicados também não chamaram muito a atenção, com exceção de alguns casos em específico. Além disso, me surpreendi com alguns concorrentes. A começar pelo excelente e injustiçado "Melancolia", que, merecedor de, no mínimo, 3 indicações (filme, diretor e atriz), acabou sendo excluído completamente e saiu de mãos abanando. Também gostaria de ver Owen Wilson na categoria de melhor ator, porém a decepção neste caso foi menor, pois "Meia-Noite em Paris" angariou um número considerável de nomeações. Por outro lado, "Carros 2" ter ficado de fora da categoria de melhor animação talvez tenha sido, para mim, uma das grandes surpresas positivas do evento.

Abaixo, segue a lista completa dos indicados ao Oscar 2012 que, por sinal, acontecerá dia 26/02. Até lá, assistam as produções e façam suas apostas!

MELHOR FILME:

"O Artista"

"A Invenção de Hugo Cabret"

"Histórias Cruzadas"

"A Árvore da Vida"

"Meia-Noite em Paris"

"Os Descendentes"

"O Homem que Mudou o Jogo"

"Cavalo de Guerra"

"Tão Forte e Tão Perto"

MELHOR DIRETOR:

Martin Scorsese

Woody Allen

Terrence Malick

Michel Hazanavicius

Alexander Payne

MELHOR ATOR:

Demian Bichir ("A Better Life")

Brad Pitt ("O Homem que Mudou o Jogo")

George Clooney ("Os Descendentes")

Gary Oldman ("O Espião que Sabia Demais")

Jean Dujardin ("O Artista")

MELHOR ATRIZ:

Glenn Close ("Albert Nobbs")

Meryl Streep ("A Dama de Ferro")

Viola Davis ("Histórias Cruzadas")

Michelle Williams ("Sete Dias com Marilyn")

Rooney Mara ("Millenium - Os Homens que não Amavam as Mulheres")

MELHOR ATOR COADJUVANTE:

Kenneth Branagh ("Sete Dias com Marilyn")

Max Von Sydow ("Tão Forte e Tão Perto")

Christopher Plummer ("Toda Forma de Amor")

Jonah Hill ("O Homem que Mudou o Jogo")

Nick Nolte ("Guerreiro")

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE:

Bérénice Bejo ("O Artista")

Jessica Chastain ("Histórias Cruzadas")

Melissa McCarthy ("Missão Madrinha de Casamento")

Octavia Spencer ("Histórias Cruzadas")

Janet Mcteer ("Albert Nobbs")

MELHOR ROTEIRO ORIGINAL:

"Meia-Noite em Paris"

"Missão Madrinha de Casamento"

"O Artista"

"A Separação"

"Margin Call"

MELHOR ROTEIRO ADAPTADO:

"Os Descendentes"

"A Invenção de Hugo Cabret"

"O Homem que Mudou o Jogo"

"Tudo Pelo Poder"

"O espião que Sabia Demais"

MELHOR FILME ESTRANGEIRO:

"A Separação"

"Bullhead"

"Mounsieur Lazhar"

"Footnote"

"In Darkness"

MELHOR ANIMAÇÃO:

"Um Gato em Paris"

"Kung Fu Panda 2"

"Chico e Rita"

"Gato de Botas"

"Rango"

MELHOR TRILHA SONORA:

"As Aventuras de Tintim"

"O Artista"

"O Espião que Sabia Demais"

"A Invenção de Hugo Cabret"

"Cavalo de Guerra"

MELHOR CANÇÃO:

"Man or Muppet" ("Os Muppets")

"Real in Rio" ("Rio")

MELHORES EFEITOS VISUAIS:

"Harry Potter e as Relíquias da Morte Parte 2"

"A Invenção de Hugo Cabret"

"Gigantes de Aço"

"Transformers - O Lado Oculto da Lua"

"Planeta dos Macacos - A Origem"

MELHOR MAQUIAGEM:

"Albert Nobbs"

"A Dama de Ferro"

"Harry Potter e as Relíquias da Morte Parte 2"

MELHOR FOTOGRAFIA:

"O Artista"

"Millenium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres"

"A Árvore da Vida"

"Cavalo de Guerra"

"A Invenção de Hugo Cabret"

MELHOR FIGURINO:

"Anônimo"

"O Artista"

"A Invenção de Hugo Cabret"

"Jane Eyre"

"W.E"

MELHOR DIREÇÃO DE ARTE:

"O Artista"

"Harry Potter e as Relíquias da Morte Parte 2"

"A Invenção de Hugo Cabret"

"Cavalo de Guerra"

MELHOR MONTAGEM:

"Os Descendentes"

"O Artista"

"Millenium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres"

"A Invenção de Hugo Cabret"

"O Homem que Mudou o Jogo"

MELHOR EDIÇÃO DE SOM:

"Drive"

"Millenium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres"

"Cavalo de Guerra"

"A Invenção de Hugo Cabret"

"Transformers - O Lado Oculto da Lua"

MELHOR MIXAGEM DE SOM:

"Millenium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres"

"A Invenção de Hugo Cabret"

"Cavalo de Guerra"

"O Homem que Mudou o Jogo"

"Transformers - O Lado Oculto da Lua"

MELHOR DOCUMENTÁRIO:

"Hell and Back Again"

"Pina"

"If a Tree Falls"

"Paradise Lost 3"

"Undefeated"

MELHOR CURTA-METRAGEM DE DOCUMENTÁRIO:

"God is The Bigger Elvis"

"The Barber of Birmingham"

"Incident in New Baghdad"

"Saving Face"

"The Tsunami and the Cherry"

"Blossom"

MELHOR CURTA-METRAGEM DE ANIMAÇÃO:

"Dimanche"

"La Luna"

"The Fantastic Flying Books os Mister Morris Lessmore"

"A Morning Stroll"

"Wild Life"

MELHOR CURTA-METRAGEM:

"Pentecost"

"Raju"

"The Shore"

"Time Freak"

"Tuba Atlantic"

337. Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras

2012-01-21T09:04:00.000-08:00

(Ruim)

De início, estava receoso que este fosse mais um longa repetidor do estilo Guy Ritchie de fazer cinema. Porém, logo quando a produção se iniciou, me lembrei de que o ótimo "Sherlock Holmes" representava uma mudança na fórmula batida do realizador, assim, confesso que fiquei esperançoso em ver algo divertido, inteligente e um tanto inovador, como seu antecessor foi. Mas, que decepção! Apesar de utilizar a mesma estética do primeiro, este "Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras" emprega as inovações e a forma do filme de 2009 e a destrói absurdamente nesta porcaria que, sem dúvidas, merece ser taxada como o pior filme do diretor!

A narração em off, além de enjoativa, é muito mal utilizada. A fotografia abusa da escuridão, na tentativa de acrescentar obscuridade à trama, conseguindo, somente, deixar o espectador desnorteado em inúmeras cenas. E a tão famosa câmera lenta... bom, basta dizer que neste longa, ela se torna didática, por constituir, involuntariamente, um manual de como NÃO se empregar o slow motion em um filme. Isto, claro, é culpa da péssima edição e da própria direção horrorosa de Ritchie, que, não obstante em denegrir a imagem de uma nova estética que estava tentando certeiramente criar, ainda consegue a proeza de transformar um ótimo roteiro inteligente e criativo, em algo completamente desinteressante e, principalmente, maçante, o que acaba encobrindo uma trama, no mínimo, promissora, com firulas exacerbadas e uma falta de objetividade tremenda. Este talvez (ou melhor, com certeza) tenha sido o grande erro deste filme.

Obviamente, não estou defendendo que o roteiro aqui seja impecável. Possui seus erros, como os trejeitos irritantes e exagerados de Sherlock (algo bem mais contido na produção de 2009), que acaba, por ventura, associando o personagem à pior fase da persona de Jack Sparrow (que acontece no 4º filme), onde ambos denotam serem bêbados idiotas, ao contrário de pessoas astutas, como deveriam aparentar. Além disso, algo interessante de se notar é que em "Sherlock Holmes", tudo era mais divertido, leve e fluído, mesmo que quase ausente de piadas recorrentes. Porém aqui, nesta continuação, apesar de possuir diversos momentos de alívio cômico, o filme acaba caindo no monótono em incontáveis sequências, além de não entreter, mas incomodar o público pagante. O porquê desta ironia? A resposta é simples: o script peca mais uma vez ao inserir piadas falhas e alívios cômicos repetitivos, que cansam e enojam o espectador. Todavia, estes erros se tornam pecadilhos, se comparado à péssima direção, já comentada acima.

Tudo isso faz de "Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras" um filme ruim, porém esquecível, o que é um grande alívio, tendo em vista que não gostaria de ter esta decepção gravada em minha mente. Ainda quero associar o nome do realizador à obras muito mais consistentes e consideráveis como os ótimos "Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes", "Snatch", o próprio antecessor deste longa comentado aqui, além de alguns outros títulos que fazem, pelo menos, o espectador relaxar e se entreter.

Gênero: Ação

Duração: 129 min.

Ano: 2011

336. Pão Negro

2011-12-31T04:34:00.000-08:00

(Mediano)

Ao contrário do que escrevi em minha crítica de "Missão Madrinha de Casamento", "Pão Negro", possível concorrente a estatueta de melhor filme estrangeiro no Oscar 2012 (representando a Espanha, por obséquio), possui uma trama promissora, mas que é desperdiçada por algo desfocado, sem ritmo e desinteressante.

Após créditos iniciais obscuros e remetentes a contos de fada (estes que, de certa forma, farão parte da película), somos apresentados a uma cidadezinha que vê seu cotidiano mudado com a repressão da guerra e de dois assassinatos locais. Rapidamente, um homem humilde é sentenciado como culpado por tal crime e vai para a cadeia. Seu filho, então, parte em busca de uma solução para o mistério acerca das mortes, ao passo que vai amadurecendo gradativamente. E é justamente aí que se encontra o erro principal desta produção espanhola. Durante toda a projeção, o filme aborda duas linhas narrativas: a do garoto descobrindo a adolescência e o início da vida adulta e a investigação do mesmo acerca dos homicídios. E isto poderia render um filme e tanto se o roteiro possuísse mais cuidado ao abordar estes dois temas. Porém, infelizmente, isso não acontece. Assim, ao invés de completar e acrescentar profundidade ao filme, as duas linhas se misturam em uma miscelânea completamente errônea, onde nenhuma das duas partes são exploradas como deveriam ser, nem completadas corretamente. São duas abordagens vagas, superficiais e equivocadas acerca de um personagem que poderia se tornar muito complexo. Consequentemente, quando o garoto interage com a sua "amiga" (leia-se, amizade colorida) ou até mesmo com suas tendências homossexuais para com o rapaz agricultor, as mesmas não são críveis nem eficazes, já que não somos remetidos o suficiente a estas situações. O mesmo pode-se aplicar à investigação, sem ritmo e, em inúmeros momentos, fatigante.

Todavia, "Pão Negro" não é de todo ruim, até porque arrecadou três estrelas da minha parte (e não uma), por possuir vários momentos e ideias dignos (as) de respeito, como a inclusão de lendas folclóricas regionais muito bem realizada e acertada e até mesmo o caráter psicopático de algumas crianças da vila, fatores que, juntos, acabam adicionando um certo tom macabro em diversos momentos da projeção, que associados à uma sub-trama falsamente fantasmagórica (no sentido literal da palavra), fazem, mesmo que por alguns segundos, o espectador sentir algo durante o filme, que não seja indiferença.

As performances de boa parte do elenco, principalmente mirim, também contam como pontos positivos, merecedores de citações por aqui, por serem convincentes e um mínimo críveis. Por outro lado, a direção é fraquíssima, por não conseguir dominar a obra como deveria, entregando um resultado nada satisfatório ao público. Por isso, acho que seria um desperdício de oportunidade se este exemplar fosse realmente indicado à categoria que citei no primeiro parágrafo deste texto, pois, além de não merecer, aborda um tema delicado de uma forma desrespeitosa.

Gênero: Drama

Duração: 108 min.

Ano: 2010

335. Missão Madrinha de Casamento

2011-12-29T16:42:00.000-08:00

(Bom)

Confesso que, devido ao título e a plot, conservava um certo preconceito acerca desta obra. A voz da experiência cinematográfica me dizia que esta seria somente mais uma bomba hollywoodiana, enlatada e imbecil. Mas levei um tapa na cara ao me deparar com um filme que está muito longe de ser uma comédia imbecil, bem como uma bomba. E digo mais: esta é, com certeza, uma das comédias mais divertidas e engraçadas do ano! Com gags interessantes e originais, mas acima de tudo, hilárias. É impossível controlar o riso durante os pouco mais de 120 minutos de projeção.

A história é básica e aparentemente clichê ao extremo, onde temos Lilian, uma grávida prestes a se casar, que convida Annie, sua melhor amiga, para ser sua madrinha de casamento. Annie decide, então, realizar uma despedida de solteira inesquecível para a amiga. Porém, tudo se desenrola de maneira imprevista e prejudicial à madrinha. E, depois de ler isto, você deve estar pensando: "História bem medíocre, hein? Deve ser uma bomba!". E foi exatamente isto que pensei, porém, o grande diferencial deste filme é justamente a assinatura de Judd Apatow na produção, que aplica sua marca registrada (do humor negro e da comédia suja e original) não só na produção do longa, mas também em sua direção. É impossível, para quem conhece os trabalhos de Judd, desassociá-lo do órgão mor de um filme (o diretor). Inúmeras características presentes em suas películas surgem aqui também, como a duração atipicamente longa para uma comédia atual (porém muito bem aproveitada), o próprio humor que citei acima, e até o âmbito técnico, como provam a edição e a fotografia. Se não fosse por ele, "Missão Madrinha de Casamento" possivelmente se tornaria aquela bomba que previa ser, antes mesmo de vê-lo.

Além da produção excelente, as personagens e suas intérpretes também são atrativos impossíveis de serem ignorados, já que são extremamente divertidas, excêntricas e impagáveis. E, apesar de Annie ser a mais chamativa das personas, as coadjuvantes também não ficam para trás, quando o assunto é diversão. Cada uma com suas respectivas personalidades exóticas, seus trejeitos e suas falas, completam os movimentos de Annie, que por sua vez, é interpretada singularmente por Kristen Wiig. E a performance de Wiig é tão boa que somente observar seus movimentos, suas ações e suas peculiaridades já fariam o filme valer a pena. Todavia, "Missão Madrinha de Casamento", felizmente, vai muito mais além disto, atingindo momentos de extrema hilaridade, como a cena da loja de vestidos, ou a tentativa de Annie de conseguir atenção policial, utilizando-se de seu carro.

Por estas pontuações e muitas outras que porventura tenha esquecido, é que indico a todos os meus leitores que abdiquem do preconceito empírico e assistam sem receios a este longa que encontra sua essência básica e sua fórmula do sucesso, na participação de Judd Apatow na produção e de Kristen Wiig no elenco.

Gênero: Comédia

Duração: 130 min.

Ano: 2011

334. A Pele que Habito

2011-12-21T16:33:00.000-08:00

(Muito bom)

Obs: Este texto contém spoilers!

Considero "A Pele que Habito" um filme revolucionário. Não no sentido narrativo, técnico ou imagético, mas com certeza revolucionário dentro da filmografia de seu diretor, Pedro Almodóvar. Digo isto por notar que suas obras, antes cômicas, estão dando lugar à exemplares com um apelo dramático muito maior e histórias mais densas. Basta notar seu longa longa anterior, "Abraços Partidos", que abandona bastante os toques humorísticos e descontraídos, em detrimento de algo bem mais triste, trágico e "pesado" (se é que pode-se adjetivar assim). E isto chega ao ápice em "La Piel que Habito".

A começar pela trama, atípica e um tanto mórbida, que narra um período da vida de um cirurgião doentio e obcecado, ao manter uma cobaia humana presa em um quarto de sua mansão. E, particularmente, eu considero o roteiro deste filme um dos melhores da cerreira de Almodóvar, ao se revelar sério, objetivo e emocionalmente carregado, logo nos primeiros minutos de projeção. Além disso, desconstrói os personagens centrais (o médico e a cobaia) de forma admirável. E, para dissecar sobre isso, me aprofundarei um pouco mais em alguns fatos importantes. Inicialmente, temos o médico (interpretado muito bem por Antônio Banderas), como uma figura triste e, diga-se de passagem, perigosa que, com seus experimentos nada ortodoxos, deixa o espectador receoso acerca do que ele poderia se tornar no futuro, com o desenvolvimento da plot. Mas, com flashbacks, somos apresentados ao passado do mesmo e lá compreendemos o motivo de todos os seus rancores e mágoas, como a perda de sua esposa devido à um incêndio (o que explica sua obsessão por uma pele artificial) e o suicídio de sua filha, após ter sido estuprada e estapeada por um rapaz drogado. É neste momento que entendemos a persona do médico e transferimos toda a frustração e raiva para o culpado do estupro. Assim, quando o doutor sequestra o rapaz, não conseguimos o julgar, pois ele merece se vingar. Porém, quando ele transforma, através de inúmeras cirurgias, o estuprador em uma mulher, passamos novamente a questionar o caráter do doutor (devido a brutalidade deste ato), mas ainda assim, não conseguimos repreende-lo. E, por fim, quando o culpado (agora transformado em mulher) atira e assassina o responsável por sua transformação física, após seduzi-lo e obter sua confiança, voltamos a sentir desprezo por ela - antiga "ele" - por ter sido tão cruel e calculista. Mas, finalmente, todos os seus pecados são redimidos pela sua ânsia de reencontrar a sua família. Consequentemente, "A Pele que Habito" acaba se tornando um filme onde nenhum dos personagens é completamente culpado, nem completamente inocente. Nós simplesmente somos incapazes de julga-los.

E as mudanças no estilo almodovariano de filmar não param por aí. A parte técnica também foi repaginada. Agora, vemos uma fotografia mais contida e menos carnavalesca. Uma edição mais simples (porém não menos eficiente) e figurinos menos espalhafatosos. A trilha sonora, elegante e discreta, se funde às imagens de forma excepcional, enquanto o resto da produção não peca por exageros à parte.

Encerrando, para que não me entendam mal, gostaria de salientar que adoro as produções coloridas, alegres e despojadas de Pedro Almodóvar (sempre um ótimo cineasta), porém, acho que o caminho pelo qual o diretor espanhol está se enveredando recentemente ainda pode lhe render ótimos filmes!

Gênero: Drama

Duração: 115 min.

Ano: 2011

333. Sleeping Beauty

2011-11-22T14:43:00.000-08:00

(Mediano)

A impressão que tenho ao ler críticas e comentários acerca de "Sleeping Beauty" é que este talvez seja o filme mais incompreendido do ano! O que muitas pessoas enxergaram como superficialidade, vago roteiro e entediamento, eu digeri como deslocamento (em um contexto positivo). Aliás, toda essa produção poderia ser resumida a esta palavra, e vários elementos no decorrer da projeção provam esta teoria.

Para início de conversa, o roteiro, que aborda um segmento da vida de uma adolescente que aceita o trabalho de prostituta de luxo dopada de sonífero enquanto "trabalha", não é vago ou superficial, mas sim, eficiente. Certo que o mesmo não merece ser classificado como profundo, mas também não como vago, pois cumpre a sua função, com alguns deslizes, mas em uma visão macro, consegue passar o que pretendia logo de início. É certeiro ao retratar o cotidiano infeliz da personagem de forma lúcida e nos apresentar à característica principal da protagonista: o DESLOCAMENTO. Em letras garrafais pois este é o foco de todo o filme. A garota, apesar de possuir alguns colegas e até um namorado, não se sente completamente satisfeita, preenchida, mas sim deslocada. Isso a leva a tentar suprir este vazio e se localizar, no prazer, na promiscuidade, nas drogas. Até que culmina no prostíbulo, onde seu trabalho é ser dopada com sonífero, deitada na cama e servir de objeto sexual para magnatas que possuem esse fetiche.

Outro ponto que comprova a palavra em questão como resumo do filme, agora na parte técnica, é o figurino da personagem principal, sempre destoante do grupo em que está inserida. Basta notar que, em seu primeiro dia de trabalho, ela se veste com uma lingerie branca e deselegante, enquanto as outras prostitutas se vestem de preto com roupas íntimas muito mais requintadas. Outro elemento interessante de se notar é a maquiagem, esbranquiçada ao extremo, que acrescenta um ar desbotado, apagado à imagem da garota, a deslocando mais ainda.

Além disso, a fotografia e a edição se encarregam de explorar o lado melancólico da universitária, com poucos cortes e movimentos lentos e pausados de câmera. E isso, para alguns, soou entediante, mas a mim, soou esclarecedor, por me deixar mais a par da situação da personagem em questão.

Todavia, vários erros se tornam evidentes no decorrer dos minutos, que prejudicam muito a qualidade da obra, como a direção errônea que claramente possui dificuldades na coordenação de atores e da edição, resultando em atuações um tanto artificias e cenas desnecessárias. Até o roteiro, que elogiei acima, possui seus deméritos. Alguns diálogos são horríveis e forçados e, pode até soar contraditório, mas a exploração da protagonista não é das melhores. Obviamente esta parte merece muitos méritos e estes já foram expostos no segundo parágrafo, mas também há inúmeros deméritos. Alguns personagens inseridos para representar o passado da protagonista são completamente dispensáveis, pois não acrescentam nada à trama ou à caracterização da universitária, o que acaba soando como uma tentativa completamente fracassada de aprofundamento na vida da persona em questão. Esses personagens acabam preenchendo cenas desnecessárias que, infelizmente, não foram eliminadas na edição final (ai entra uma parcela de culpa da direção). E, para completar, o final também deixa muito a desejar por, este sim, ao contrário de todo o resto da obra, soar vago e superficial.

Assim, "Sleeping Beauty" decai e se configura como um filme mediano, diria até que esquecível e neutro, pois nenhuma cena manifestou-me alguma sensação, mas com certeza está longe de ser algo horrível e pavoroso, como alguns afirmam.

Gênero: Drama

Duração: 97 min.

Ano: 2011

332. Meia-Noite em Paris

2011-11-17T16:01:00.000-08:00

(Excelente)

Woody Allen ama Nova York. E seus filmes se encarregam de provar isto, basta assistir a "Manhattan" ou a maioria restante de suas obras. Por este motivo, estranhei vê-lo homenageando uma cidade extra-Nova York, com "Meia-Noite em Paris". Porém, esse estranhamento rapidamente deu lugar a sensação de conforto e prazer que tanto esta produção exala.

Owen Wilson interpreta um escritor frustrado e infeliz que, após se perder numa noite, tentando voltar para casa, escuta um relógio badalar avisando a chegada da meia-noite, e um carro o leva para a década de 20, à lugares estranhos, nos quais o escritor se encontra com personalidades (cineastas, escritores, pintores, etc..) mortas há muito tempo.

E este foi meu outro estranhamento (positivo) quanto ao filme, pois ele acaba, por ventura, flertando muito com a ficção científica, porém de um jeito completamente inovador. Allen se utiliza da viagem no tempo para nos fazer refletir sobre o modo como nós, seres humanos, estamos sempre descontentes com o que temos. E o portal para outra era surge como uma metáfora à vontade que todos temos de mudar drasticamente de vida, porém não possuímos coragem suficiente para isso.

A transição da idade contemporânea para a década de 20 é soberba e sutil! Só percebi esta mudança de mais ou menos 90 anos, na metade da projeção. Além disso, a direção de arte é sublime, ao retratar de forma magistral os ambientes da época sem se configurar exagerada ou artificial. E, contribuindo mais ainda para a representação citada, a fotografia, excelente, acrescenta um tom acolhedor e aconchegante aos anos 20 e um tom mais frio, seco na década atual, representando a agradabilidade e o desconforto, respectivamente.

E isto é ressaltado por Owen Wilson, em uma interpretação surpreendente, que se encarrega de enfatizar mais ainda o descontentamento de seu personagem com a vida que leva, além de dominar e transparecer de forma excelente os trejeitos do próprio Woody Allen que, como de praxe em suas obras, quando não atua, personifica suas manias em algum personagem da trama. Surgindo como uma "vilã" (entre aspas por ser a pessoa que, mesmo involuntariamente, torna a vida do pobre escritor infeliz), Rachel McAdams desempenha de forma competente e convincente o papel da noiva desse mesmo escritor. Não obstante, ainda vemos alguma pontas de Kathy Bates, uma veterana, sempre ótima. Mas o outro grande destaque no elenco (depois de Owen) vai para Marion Cotillard, a eterna Piaf, que se revela uma atriz completamente adaptável aos papéis que aceita protagonizar, sem deixar o nível de qualidade decair.

O roteiro e a direção do gênio Woody Allen são fantásticos. O primeiro, além de proporcionar os questionamentos intimistas para o espectador, ainda nos reserva várias situações muito divertidas, envolvendo personalidades da época retratada, como quando o protagonista sugere a ideia do filme "O Anjo Exterminador" para Luis Buñuel: -"Senhor Buñuel, tenho uma boa ideia para um filme. Algumas pessoas estão num jantar chique, e no fim deste jantar tentam sair da sala mas não podem." -"Por que não?" [...] -"Não sei, pense nisso. Talvez um dia ao se barbear ache a resposta." E esta é apenas uma das inúmeras sequência inusitadas inseridas no filme.

Assim, "Meia-Noite em Paris" acaba se tornando um dos melhores filmes da segunda parte da carreira de Allen (dos anos 90 até hoje), e um dos melhores lançamentos do ano!

Gênero: Comédia
Duração: 93 min.
Ano: 2011

331. O Retorno de Johnny English

2011-11-11T15:16:00.000-08:00

(Mediano)

Até então, Rowan Atkinson e seu icônico Mr. Bean não falharam. "Até então" não, reformularei esta frase. Até dois dias atrás, minutos antes de assistir seu mais novo filme, "O Retorno de Johnny English", que se posiciona muito aquém da qualidade dos outros filmes protagonizados pelo personagem. E, reformularei mais uma vez a primeira sentença deste post dizendo que, o grande erro não foi proveniente deste comediante maravilhoso e (ouso dizer) o melhor da atualidade no gênero, mas sim do roteiro, absurdo, despreocupado e ridículo, que acaba se desmoronando logo nos primeiros minutos de projeção e, infelizmente, levando o filme inteiro para uma semi-cova.

Semi-cova pois, em contrapartida ao roteiro pavoroso que esta comédia possui, somos apresentados à situações hilárias e algumas gags interessantes. Algumas, porque a maioria das boas ideias da produção são ofuscadas pelo péssimo script (escrito a quatro mãos, por obséquio), que, acreditem, resgata algumas das piadas (e situações) mais clichês e preguiçosas que venham em suas mentes neste momento, incluindo até balas que, quando degustadas, alteram drasticamente o grave da voz do sujeito que as ingeriu. E, não obstante, o quarteto de roteiristas se utiliza de uma história que possibilita um grande leque de tramas, subtramas, e afins, porém a desperdiça em algo que evolui tão mal que é impossível não se incomodar com as absurdidades de algumas cenas e o amadorismo dos envolvidos. Claro que não fui assistir a este filme esperando uma trama genial aos moldes dos filmes de mais alto nível no tema espionagem, mas esperava, pelo mínimo, ser convencido de que os profissionais que escreveram "O Retorno de Johnny English", cultivassem o mínimo zelo pela obra.

Aliás, antes que me esqueça: a história. Johnny English é contratado para proteger o primeiro ministro francês, onde é encarregado de derrotar uma organização secreta que pretende matar esta figura política de renome.

Outro pecado (desta vez menor) do filme é sua tentativa frustrada de satirizar os filmes de James Bond, optando - erroneamente-, por uma trilha sonora caricata demais e explicitamente copiada das composições das produções de 007. E, somado ao fato de algumas cenas serem quase idênticas aos filmes satirizados, com a diferença de que aqui, elas possuem um caráter cômico bem mais acentuado, transforma o deboche impregnado em inúmeras passagens de "O Retorno de Johnny English" em algo forçado, enjoativo e exagerado. Claro que há algumas exceções que fogem à esta regra, como a abertura que abriga os créditos iniciais ou os olhares hilários de Rowan Atkinson, que funcionam como uma ótima brincadeira despretensiosa.

E, por falar em Atkinson, o mesmo deve ser encarado como um dos grandes nomes da comédia atual e, como disse no primeiro parágrafo, talvez o melhor do gênero nos dias de hoje. E a prova de tudo isso é que ele sustenta o filme inteiro nas costas sem dificuldades nenhuma, já que a própria direção também é falha.

Como podem perceber, "O Retorno de Johnny English" é portador de muitos deméritos, porém, talvez por eu ser fã de Mr. Bean, o filme me conquistou, cativou e arrancou várias gargalhadas, tornando-se assim, uma obra paradoxal. Se, por um lado temos vários elementos destoantes, que nos impedem de apreciar completamente a produção, em outro, temos algo extremamente divertido e hilário, que, pelo menos a mim, transformou a expressão vazia de quando entrei na sala de cinema, em um sorriso acentuado, além de lágrimas nos olhos de tanto rir!

Gênero: Comédia
Duração: 101 min.
Ano: 2011

330. A Árvore da Vida

2011-10-22T10:11:00.000-07:00

(Muito bom)

P.S: Este post contém spoilers!

Os dois filmes mais esperados pelos cinéfilos deste ano são completamente paradoxais. "Melancolia", de Lars Von Trier, é extremamente pessimista, enquanto "A Árvore da Vida", de Terrence Malick, é absolutamente o oposto! Se caracteriza por ser otimista e crente de que a vida é linda, basta olharmos com outros olhos ao nosso redor. Com olhos livres das coisas mundanas, livres do materialismo exacerbado, livres de todo preconceito e injúria. Com um olhar centrado no Divino, certo de que Ele, somente Ele é capaz de conceder a redenção. Redenção esta, que, em uma visão macro, acaba se tornando a ideia central, o objetivo pelo qual todos os personagens recorrem involuntariamente.

Aqui, Terrence Malick propõe que a natureza nada mais é que a personificação de Deus, e acredita incondicionalmente que somos perfeitamente capazes de conviver em harmonia com o natural e, consequentemente, com o Criador. Basta notar que, quando os personagens recebem a notícia devastadora da morte de um de seus filhos, eles procuram caminhar e se acalmar em um bosque. Mas a ironia se dá quando os mesmo clamam por Deus. Eles vivem em contato com Ele, mas não O conseguem enxergar. E, a partir deste momento eles necessitam da redenção Divina para poderem descobrir a verdadeira morada do Pai. E esta descoberta se dá em uma cena de um lirismo inquestionável!

Seria errôneo afirmar que este é o filme mais intimista de Malick, até porque todas as suas obras o são, porém, sem sombra de dúvidas, este é o mais belo, poético e pessoal dentre os filmes de sua filmografia. Sua direção e seu roteiro são de uma singeleza ímpar. Este último, aliás, narra o cotidiano de uma família de classe média norte americana, comandada por um pai repressor e autoritário (Brad Pitt), uma mãe zelosa e afetuosa e três filhos com caráteres completamente distintos um do outro. Um (o mais velho) é rebelde, outro é completamente fiel ao primogênito e o terceiro mais tarde morrerá (fato que é mostrado em 5 minutos de projeção). Assim, acompanhamos o amadurecimento não só dos filhos do casal, mas também do casal em si, tendo que lutar contra males internos, como crises familiares, seu filho rebelde, etc..., ou externos, como o desemprego, a venda da casa, entre outros tantos imprevistos que a vida nos reserva, ao passo que somos arrematados pelas consequências das atitudes reprováveis do filho primogênito rebelde, quando ele, já adulto (interpretado por Sean Penn), se arrepende das coisas que fez na infância e se torna uma pessoa infeliz. Isto tudo pautado por uma discussão não biológica, mas sim poética da evolução da Terra e de tudo que nela habita. Acompanhamos o nosso planeta se formando, os dinossauros, os animais primatas, até passarmos pelo presente e assistirmos ao fim dos tempos, no futuro.

E todas estas cenas paralelas ao drama central são de uma extrema beleza, de um rigor imagético invejáveis. Que pautados pela trilha sonora de muito bom gosto, criam algumas das melhores cenas dirigidas pelo diretor estadunidense.

Mas, apesar de os temas centrais serem bem diferentes, consegui notar inúmeras semelhanças entre "Melancolia" e "A Árvore da Vida", como o balé da evolução humana, que citei acima (no caso do filme de Von Trier, seria o balé da destruição), ou até o elenco.

Se no filme-catástrofe do dinamarquês quem me surpreendeu e se superou dentre os atores/atrizes foi Kristen Dunst, aqui quem se supera é Brad Pitt, que apesar de ter desempenhado uma excelente performance em "Bastardos Inglórios" e "O Curioso Caso de Benjamin Button", aqui acrescenta algo de especial em sua interpretação. Deixa de lado o caráter caricato do tenente louco do filme de Tarantino e o tom fantasioso do filme de David Fincher para dar vida à um pai comum, de uma família comum, agindo comumente (para os parâmetros da época). Já Sean Penn poderia estar melhor se tivesse dado tudo de si, como o excelente ator que é.

Como disse em alguns parágrafos acima, o lado imagético desta obra é invejável. Isto se dá, principalmente, por uma fotografia minimalista, que capta muito bem a essência das locações onde filma. Por falar em locações, a direção de arte recria de forma admirável a casa onde a história irá se desenrolar, essencialmente. Os efeitos visuais deixam a desejar, porém isto é um pormenor, tendo em vista que o foco do filme não é este.

Quando os créditos finais subiram, cheguei a conclusão de que, apesar de levantar várias questões acerca de Deus, "A Árvore da Vida" é um filme feito para ateus e pessoas que acreditam na existência de uma entidade super-humana, para pessoas que creem ou não na vida, que conservam esperanças em um futuro melhor, ou não. É um filme feito para pessoas que já perderam algum ente querido, ou ainda perderão, é destinado à crianças, adultos e idosos, sejam eles solteiros, casais ou famílias completas. Enfim, é um filme universal, destinado a tudo e todos. Um filme que não pode passar despercebido aos olhos de qualquer ser humano!

Gênero: Drama

Duração: 138 min.

Ano: 2011

329. Melancolia

2011-10-22T08:41:00.000-07:00

(Excelente)

Obs: Este post contém spoilers!

Lars Von Trier não dirige filmes com o intuito de divertir o público, pelo contrário, ele busca o desconforto do mesmo. Suas obras possuem um caráter manipulador sem igual. E além de manipular, ainda propõem uma análise sociológica da humanidade. Aqui, em "Melancolia", nota-se que Von Trier deixa de lado a sociologia, para se focar ainda mais no psicológico de seus personagens. E isto, associado à alguns fatores que discutirei a seguir, me fizeram terminar de assistir esta produção tremendo de nervosismo!

Desta vez, o diretor dinamarquês leva às telas a história de Justine (Kristen Dunst), uma publicitária depressiva e recém-casada e Claire (Charlotte Gainsbourg), sua irmã milionária, que vive com o marido e o filho pequeno. O fato é que a depressão de Justine já atingiu parâmetros inimagináveis, devido, principalmente à sua irmã se recusar a acreditar que ela é portadora de depressão (afirma que Justine está simplesmente triste) e, consequentemente, não procura tratamento adequado para ela. Isto acaba deturpando de certa forma a relação entre as duas e desmantelando seus psicológicos mais ainda. E, não obstante, um planeta nomeado Melancolia está em rota de colisão com a Terra. Todos irão, inevitavelmente, morrer. Porém, a morte soa como um alívio para Justine, que não possui forças nem para cometer suicídio. Assim, Melancolia faz o "trabalho pesado" para ela, que, por sua vez, só precisa sentar e esperar o fim dos tempos. Em contrapartida, sua irmã Claire possui algo a perder: seu filho. Isto resulta em uma inversão de papéis. Se na primeira metade da projeção era Justine quem sofria, agora, na segunda metade, é Claire quem sofre (e se desespera) e Justine se alegra com a chegada do fim.

E é nesta inversão que nos damos conta do quão genial é o roteiro, que, além de tudo que citei acima, aborda a depressão da forma mais fiel e verossímil possível. Isso, claro, é mérito do próprio Lars Von Trier, assumidamente portador de TOC e depressão, que carrega consigo a capacidade de expor na tela toda a sua angústia, todo o seu sofrimento, por meios de seus personagens centrais que sempre sofrem de alguma forma em suas obras. Aliás, não consigo pensar em alguém (ainda vivo) melhor para dirigir um filme que aborda um tema como este. Sua direção, bem como seu roteiro, é precisa, sensível e acertada. Me fez sentir na pele o que uma pessoa depressiva sente diariamente. Claro que o fato de eu ser portador de TOC auxiliou nesta sensação, mas a grande parcela do mérito (ou da culpa?) foi de Von Trier, com sua direção e seu roteiro soberbos!

E, se uma parcela do mérito de me fazer sentir deprimido foi de Lars, e outra foi da minha condição psicológica (já tratada), o restante foi proveniente das excelentes atuações. Quem menos merece reconhecimento aqui é Kiefer Sutherland, como o marido de Claire, que está, digamos, acomodado demais (no sentido negativo da palavra). Por outro lado, Charlotte Gainsbourg equilibra o erro de Kiefer com seu desempenho maravilhoso. Mas quem mais se destaca é Kristen Dunst, principalmente pela sua evolução como atriz, que acostumada com personagens vagos e desinteressantes, dirigidos por, em sua maioria, diretores descompromissados, se sai muito bem dominando de forma magistral o mundo da doença psicológica abordada aqui e suas consequências. Sua interpretação é introspectiva, exata e precisa, como o diretor que a dirige.

A trilha sonora maravilhosa, utilizando-se da composição "Tristão e Isola" de Richard Wagner, é outro elemento que contribui ainda mais para a criação e manutenção do sentimento de tristeza e deslocamento.

Para finalizar, como boa obra de excelência, a parte técnica é impecável. Os efeitos visuais são eficientes e a direção de arte desempenha sua função de forma correta, porém o que mais merece ser aplaudido neste âmbito é a fotografia e a edição de som. A primeira pode ser considerada uma das melhores da carreira de Von Trier. A sequência inicial, com 8 minutos em slow motion mostrando a destruição da Terra, intercalada com o cotidiano da família, é uma aula de edição e, principalmente, de fotografia. A edição de som acaba se estacando mais nos 40 minutos finais de projeção, onde o ruído tenso e contínuo empregado contribui para que a sequência de encerramento (mais precisamente os 15 minutos finais) seja, provavelmente, o melhor momento cinematográfico do ano!

Gênero: Drama

Duração: 130 min.

Ano: 2011

328. Pina

2011-10-18T07:59:00.000-07:00

(Bom)

Reconheço a qualidade técnica dos trabalhos de Wim Wenders e reconheço até que ele seja um diretor interessante e criativo, porém alguma coisa em seus filmes não funciona comigo. E aqui, em "Pina", não foi diferente. Não que este filme seja ruim, até porque indicaria para outras pessoas, porém alguma coisa não me agradou.

Esta mais nova produção de Wenders serve como uma homenagem à Pina Bausch, soberba coreógrafa, que mesclava, em suas danças enigmáticas, temas como a integração do homem a natureza, o sofrimento e a mulher. Este último fica visível principalmente nas duas performances iniciais, onde, na primeira, acompanhamos a trajetória de uma mulher em uma sociedade extremamente machista, em que ela luta, junto de outras mulheres também subordinadas, para se desgarrar de seu pretendente controlador. Já na segunda, denominada de "Café Müller", vemos cadeiras dispostas por todo um bar, que representam os empecilhos da vida do casal, que por sua vez, passa a ser controlado por um homem, que representa uma sociedade rigorosamente controladora. Percebe-se também que após este homem deixar o local, o casal acaba adquirindo uma espécie de vício, que nada mais é do que uma consequência desta dominação. Por fim, as obras de encerramento retratam a mulher dominando o sexo masculino, o que acaba representando a evolução do papel da mulher na sociedade.

E isto só fica visível pela edição, que é um show de erros e acertos. Acerta por propor este estudo evolutivo do sexo feminino através dos anos, além de conferir um bom ritmo à produção, ao intercalar as várias performances, evitando que esta se torne enfadonha. Todavia, erra justamente por aplicar cortes em momentos inoportunos, o que impede de termos uma sensação e uma visão macro das peças de Pina, pois no momento em que estamos construindo a emoção que viria mais tarde, somos jogados bruscamente em outra coreografia, quebrando completamente o clima. E este é um dos poucos erros do filme, pois a ideia de intercalar os números musicais é fantástica e poderia render algo a altura da proposta se não fosse o descuido do editor e do próprio Wenders.

E não só a edição de imagem é boa, mas também a edição de som, que procura dar ênfase nos ruídos diegéticos dos ambientes (como passos e respirações) ao invés de priorizar a música, que acaba ficando como elemento de fundo. A direção de arte também merece ressalvas pela escolha das locações de filmagem, além da recriação de alguns cenários utilizados pela própria Pina em suas apresentações, como o café Müller, que serve de palco para um de seus shows (me concedo a liberdade de utilizar esta expressão para caracterizar os trabalhos da coreógrafa) que citei acima.

Contudo, o destaque do âmbito técnico vai para a fotografia fantástica, onde a câmera passeia pelo ambiente de uma forma calma, delicada e requintada, o que acaba se contrapondo ao frenesi das coreografias observadas, que resulta em um ótimo equilíbrio de imagem. E ficaria muito satisfeito se "Pina" concorresse ao Oscar nesta categoria. Aliás, a indicação de melhor filme estrangeiro também seria conveniente, uma vez que este está concorrendo a uma vaga e merece figurar entre os cinco melhores representantes cinematográficos internacionais.

E, para finalizar, a direção de Wim Wenders é competente, por conseguir conciliar todos estes elementos acima da média de forma precisa e dinâmica.

"Pina" então, acaba se revelando uma ótima homenagem à uma artista que merece todo o reconhecimento que possui. Porém, é um filme que quando se encerrou, me deixou uma sensação de que algo está faltando, que alguma coisa não funcionou comigo. O que é? Não sei.

327. Hanna

2011-10-13T09:01:00.001-07:00

(Mediano)

Joe Wright é um diretor eclético. E, apesar de sempre se ater ao gênero drama, alterna o conteúdo de seus filmes, desde adaptações de obras de Jane Austen, passando por um drama moderno e dirigindo agora um filme que apela para um lado mais popular, ágil e violento, ao narrar a história de Hanna, uma garota treinada por seu pai, desde pequena, para ser a assassina perfeita. Uma ótima premissa, porém muito mal executada.

Primeiramente, tenho que confessar que, apesar de elogiá-lo acima, não gosto de Joe Wright, do mesmo modo que considero fraquíssimos os filmes "Orgulho e Preconceito" e "Desejo e Reparação" (apesar de adorar dramas românticos). A única produção deste diretor que me agrada é "O Solista", porém, infelizmente, "Hanna" pertence ao grupo dos dois primeiros exemplares. E o principal erro do mesmo reside justamente na direção, onde Wright deixa claro que não sabe o que está fazendo! Ele não sabe se toma vertentes dramáticas (como de costume em sua carreira), de ação ou blockbuster, alternando de forma errônea os três gêneros/sub-gêneros. E este fato é realçado ainda mais pelo roteiro sem foco, que acaba desperdiçando uma premissa deveras interessante, com dramas falsos e desnecessários e personagens dispensáveis que, ainda por cima, são mal explorados e desenvolvidos.

Ainda por cima, Wright possui dificuldades ao controlar o elenco, o que resulta em péssimos desempenhos de atores e atrizes que, no mínimo, soariam um tanto naturais, mas acabam cômicos, por suas interpretações soarem, na verdade, pavorosas. Obviamente incluo nesta crítica negativa, os atores Eric Bana e Cate Blanchett.

A parte técnica decepciona por adotar uma edição muito ruim, que, na tentativa de acrescentar agilidade à obra, acaba apelando para efeitos desnecessários, exagerados e fora de hora. A fotografia também é fraca. Constantemente tive a impressão de que alguém muito inexperiente estava manuseando a câmera, ao executar estilos, angulações e técnicas pedestres. Prova disso são algumas cenas com câmeras na mão excessivamente trêmulas. E, não obstante, a trilha sonora é clichê, óbvia, repetitiva e, consequentemente, enjoativa.

Mas este filme não é de todo ruim! Ele consegue prender a atenção do espectador, apesar de todos os erros técnicos, teóricos e práticos. E em meio a tantos filmes populares irritantes e entediantes, isto é um grande mérito!

Gênero: Ação

Duração: 111 min.

Ano: 2011

326. Confiar

2011-09-21T14:59:00.001-07:00

(Mediano)

Atualmente, a pedofilia na internet movimenta milhões de dólares no mundo todo e, só no Brasil, estima-se que cerca de mil sites de pornografia infantil são criados por mês. E de certa forma, este é um assunto deixado um pouco de lado nas novas produções cinematográficas que vêm surgindo, ou até mesmo em toda a história do cinema. Raramente indico filmes fracos, mas "Confiar" é uma produção mediana, porém aborda este tema pertinente de forma notável, e por isso vale ser conferido.

Mas o que mais me surpreendeu foi a sensibilidade, a delicadeza e o cuidado com que o assunto referido acima foi tratado. E mais surpreendente ainda é notarmos que a produção se foca mais nas consequências da pedofilia, do que no próprio ato. Consequências estas, não físicas, porém psicológicas, capazes de arruinar a vida de uma garota e de seus pais! A trama aborda uma garota insegura (Annie) que, ao conhecer um rapaz pela internet (Charlie) decide marcar um encontro com o mesmo. Mas chegada a hora, ela percebe que Charlie na verdade é um pedófilo, que acaba por estuprá-la. E as consequências deste ato já citei acima.

Todavia, é este mesmo roteiro, que aplaudi pelo excelente modo de abordagem do tema, que possui um erro irritante: ele retrata os adolescentes de forma completamente estereotipada! As suas ações, seus trejeitos, suas maneiras de falar são clichês e desconfortantes.

Por outro lado, as atuações dos pais da vítima, Catherine Kenner e Clive Owen, são fantásticas, principalmente a deste último, onde nota-se uma completa evolução e lapidamento de um talento escondido, que começara a emergir somente em 2005, em "Closer - Perto Demais". E esta merece configurar entre suas três melhores performances. Porém, Liana Liberato, que dá vida a Annie, possui um desempenho controverso. Nos momentos de maior tensão e drama, Liberato se sai muito bem, e consegue inclusive arrepiar o espectador! Em contrapartida, nos momentos mais "suaves" do filme, tive a impressão de um certo relaxamento por parte da atriz, tornando sua interpretação vaga e superficial. Talvez isto seja somente uma impressão minha, mas de uma coisa tenho certeza: Liana Liberato possui uma carreira muito promissora pela frente!

O âmbito técnico é normal, eficaz, porém nada que mereça muito destaque nesta crítica.

E, para finalizar, a direção de David Shwimmer é esquecível e um tanto deslocada, como seu personagem na série "Friends".

Como disse anteriormente, é um filme regular, porém necessário e ouso até dizer que didático. Merece ser assistido por todos os pais, filhos e avós. Acima de um drama, é um filme feito para conscientizar o público, quebrar o tabu acerca deste assunto.

Gênero: Drama

Duração: 104 min.

Ano: 2010

325. Apollo 18

2011-09-06T09:12:00.000-07:00

(Mediano)

O principal mérito que espera-se de uma produção que adota a técnica handycam (ou mockumentary, como preferirem) é ser real. Transpirar verossimilhança. E é justamente neste ponto que "Apollo 18" fracassa, por ser um filme irreal, insípido e imaturo.

Irreal por em nenhum momento levar o espectador a acreditar em tudo aquilo que é apresentado na tela, ou mesmo sugar o público para dentro da trama. Isto se dá devido a uma edição fraquíssima, que se utiliza de exagerados cortes bruscos, cansativas deformações de imagem e principalmente, manipula o som ambiente de forma que este cause um desconforto imenso a quem o está assistindo. Esta trilha sonora, de certa forma diegética, ao invés de acrescentar mais emoção, acaba irritando e distanciando "Apollo 18" da crueza que pretendia alcançar.

O próprio roteiro que, concebido a partir de supostas gravações confidenciais da NASA, onde alienígenas teriam sido detectados na superfície lunar, se revela raso e pouquíssimo impactante. O enredo é explorado de forma ineficiente e pedestre, o que dificulta ainda mais acreditarmos, ou mesmo tomarmos as dores dos personagens. E o que dizer destes personagens? São mais vazios e desinteressantes que as próprias criaturas alienígenas, que por sua vez, são de uma falta de criatividade e preguiça mental imensuráveis! E, não obstante, o roteiro necessita apelar para sustos baratos e deslocados, tentando assustar o espectador a todo custo, mas fracassando em todas as tentativas.

Esta falta de realidade, além de exterminar o objetivo da técnica em si, ainda torna esta obra insípida! Todo o filme, mais especificamente em seu final, carece de emoção, seja ela tensão, choque ou até mesmo adrenalina. "Apollo 18" preserva, durante toda a sua projeção, cara de paisagem no público pagante.

Mas este filme não é de todo ruim! Pode até soar contraditório, mas algumas de suas cenas funcionam muito bem, como quando um dos astronautas decide explorar uma cratera da lua em busca de pistas sobre algo suspeito que encontraram na superfície da mesma, e para isto, ele utiliza um emissor de flashs para iluminar seu caminho, ou até mesmo quando o outro astronauta filma seu amigo dormindo na nave. Pena que essas cenas boas sejam minoria.

E, como disse no primeiro parágrafo, "Apollo 18" é imaturo. Imaturo por soar como um mero exercício de estilo falho por parte do diretor, estreante. Fica claro sua falta de competência ao ministrar esta produção. A edição, já comentada acima, com seus cortes errôneos e sua horrenda trilha sonora diegética, são provas concretas disto.

Para finalizar, em nenhum momento "Apollo 18" se torna inaturável ou torturante. Consegue nos manter atentos do início ao fim, mesmo que com expressões indiferentes de nossa parte!

Gênero: Ficção Científica

Duração: 87 min.

Ano: 2011

Cinefilia 16: O Cinema Novo de Glauber

2011-09-02T10:23:00.000-07:00

Glauber Rocha. O diretor mais controverso e polêmico do Brasil. Alcançou este destaque por dirigir filmes esdrúxulos, fora dos parâmetros do cinema brasileiro da época. Foi o principal, e na minha opinião, o melhor representante do Cinema Novo brasileiro, movimento cinematográfico que, basicamente, resgatava o Neo-realismo italiano, com sua crueza, ao passo que realizava fortes críticas ao governo da época. Tudo isto com um toque especial de filmes de arte! Glauber dedicou sua carreira à este movimento, o aprimorou e o evoluiu. Sendo assim, generalizo dizendo que, se uma pessoa não gosta de Glauber, não gosta do Cinema Novo!

Sim, adoro este diretor bahiano, não por estar em voga ultimamente, como algumas pessoas justificam, mas sim por considerar excelente a maior parte de seus filmes, por reconhecer e entender o Cinema Novo e, pessoalmente, por gostar do clima e do caráter revolucionário de suas obras. Seus filmes são tecnicamente surpreendentes! Os cortes absurdos, porém geniais, para a década de 60 (mesmo a Nouvelle Vague já tendo popularizado esse tipo de edição) são de cair o queixo! Seus roteiros condensavam perfeitamente tradição local, religião e política, de forma sem igual, sem cair no artificial ou falso moralismo! Sua fotografia que quase sempre optava pela câmera na mão, era eficaz, por conseguir acrescentar mais veracidade à trama. Todavia, tenho que reconhecer que Glauber Rocha está longe de ser um diretor impecável! Em alguns momentos se torna transparente para o espectador que Rocha se deixava levar pela sensação do momento e se focava excessivamente na técnica do filme e esquecia de uma outra parte importantíssima da obra: os atores. Em quase todos os seus filmes, os atores possuem desempenhos pavorosos, beirando ao cômico! E não me venham dizer que as atuações exageradas e artificias eram propositais, pois existe uma enorme diferença entre proposital e desproposital, uma diferença visível, e nas produções deste diretor, infelizmente, as interpretações horrendas não são propositais! Para lhes apresentar minha opinião em um parâmetro geral, irei analisar algumas de suas obras separadamente.

Em 1964, Glauber lançou "Deus e o Diabo na Terra do Sol", que considero o melhor filme brasileiro que já tive o prazer de assistir em toda a minha vida! TUDO, em letras garrafais, TUDO (com exceção dos atores) é excelente e se une de forma magistral para compor esta que considero ser a maior obra-prima do cinema brasileiro! Destaque, entre todos os elementos fabulosos, ao roteiro, edição, direção e trilha sonora. Esta última é usada de forma inteligente por Glauber para expor pontos da trama, apresentar personagens e para personificar o alter-ego do personagem principal. A importância de "Deus e o Diabo na Terra do Sol" é imensurável. Este foi o primeiro filme responsável por conceder fama ao diretor, além de nos apresentar à figura de Antônio das Mortes (o vilão desta produção), que mais tarde, em 1969, voltaria às telas.

Mas foi somente em "Terra em Transe", de 1967, que o Cinema Novo alcançou seu ápice dentro da carreira do diretor nordestino. As caraterísticas deste movimento aqui, são muito mais gritantes e explícitas, chegando ao ponto de serem adicionadas cenas aparentemente sem elo algum com a história, para somente ao final, ficarmos a par do porquê delas existirem. Aqui, a crítica ao governo é a mais escrachada possível, basta observarmos a trama, que aborda a política brasileira, sua podridão e suas consequências. E, apesar de isto ser extremamente escancarado ao espectador, em nenhum momento soa forçado ou piegas. Destaque novamente à edição, à direção e à fotografia.

Já "O Dragão da Maldade Contra o Santo Guerreiro", lançado em 1969, serviu como uma espécie de continuação de "Deus e o Diabo na Terra do Sol", ao resgatar o personagem de Antônio das Mortes, nos possibilitando ver o outro lado da moeda. Se no filme de 64 o tínhamos como vilão, aqui, em "O Dragão da Maldade..." vemos o seu lado mais humano, sensível e heróico. Ótima trucagem de Glauber Rocha, pois permite uma maior desconstrução deste personagem. Neste filme, o destaque continua sendo para a edição, direção e trilha sonora, onde algumas músicas são resgatadas de "Deus e o Diabo...". Porém, o roteiro deixa um pouco a desejar, não afetando de forma muito significativa a qualidade deste filme, que por sua vez, é excelente!

Como disse no segundo parágrafo, considero quase todos os filmes do diretor em questão excelentes, com algumas exceções, como o curta-metragem, "Di Cavalcanti Di Glauber", de 1977, que foi lançado como uma homenagem ao pintor Di Cavalcanti, muito amigo do cineasta, porém se revela um curta desnecessário. Poderia permanecer no acervo particular do próprio diretor, somente como uma recordação pessoal de seu amigo. Desta vez, destaca-se somente a edição e fotografia. A trilha sonora é incompatível com o seu conteúdo e a direção é errônea. Bem mediano!

Enfim, você pode gostar ou não de Glauber Rocha, mas deve reconhecer que ele foi um diretor inventivo, revolucionário (positiva ou negativamente - dependendo de seu ponto de vista) e, acima de tudo, um homem preocupado com a nação brasileira. Até o próximo post!

324. Super 8

2011-08-20T15:21:00.001-07:00

(Mediano)

Lançado como uma homenagem à clássicos antológicos da ficção científica, como "E.T. - O Extraterrestre" e "Contatos Imediatos de Terceiro Grau", ou aventuras como "Os Goonies", "Super 8" se revela uma produção cheia de erros e acertos, de bons e maus momentos, resultando em algo muito aquém das outras preciosidades citadas acima.

A história, um misto de temas que bebe de várias fontes, narra a trajetória de um grupo de amigos que luta para sobreviver durante o ataque de uma criatura alienígena.

Quando um filme possui como protagonistas heróicos um grupo de crianças, também possui sérias chances de fracassar neste quesito, por soar absurdamente forçado, mas "Super 8" acerta brilhantemente e em nenhum momento, nem mesmo nos mais heróicos, erra e denota artificialidade. Aliás, os personagens infantis, quando agem como adultos, realmente se parecem com eles.

Além disto, "Super 8" exala cinefilia, o que é muito bom. A prova desse fato se dá quando os personagens decidem fazer um filme, logo no início da projeção. Nota-se que eles amam cinema e são, provavelmente, a personificação de Spielberg quando criança.

Em contrapartida a esses pontos positivos altamente consideráveis, está uma fotografia fraquíssima, que ao tentar conferir um charme a mais à produção (vide constantes reflexos de luz na tela), erra de forma gritante por conseguir somente causar desconforto e eliminar a beleza que determinadas cenas poderiam conter, além de aparentar inexperiência por parte de Spielberg, característica que obviamente ele não possui. Aliás, apesar desta produção ser dirigida por J.J Abrams e produzida por Spielberg, fica evidente, com o passar dos minutos, que Steven foi quem mais comandou a obra.

Mas o que mais me incomodou em "Super 8" foi seu roteiro. Além de abordar o tema alienígena de forma superficial, ainda erra por não se aprofundar no drama pessoal e no romance do personagem principal. Assim, esses dois últimos argumentos ficam deslocados durante todo o filme, soando somente como mera ocupação de tempo, para aumentar sua duração.

E, como se não bastasse, o filme peca em um dos momentos mais cruciais da trama: a aparição do monstro. Durante mais ou menos 90 minutos, cria-se uma aura de suspense, escondendo a aparência da criatura, algo semelhante a "Cloverfield - Monstro" e outros tantos filmes com este tema. Mas quando ela aparece (em uma momento errôneo, diga-se de passagem), as semelhanças com "Cloverfield" não param por ai: a criatura lembra muito o monstro que sai do mar e ataca a ilha de Manhattan, no filme de 2008. Sendo assim, o alienígena de "Super 8" também decepciona por não possuir novidade nem criatividade.

Enfim, este era um dos filmes que mais estava esperando no ano e me decepcionei. E repito: não é ruim, mas fica deveras aquém dos filmes que homenageia.

P.S: Uma das melhores cenas do filme acontece durante os créditos finais.

Gênero: Ficção Científica

Duração: 114 min.

Ano: 2011

323. I Saw the Devil

2011-08-17T16:22:00.000-07:00

(Excelente)

Sou grande apreciador de filmes de vingança, e como tal, não poderia deixar de conferir "I Saw the Devil", uma das mais elogiadas produções que abordam este tema, atualmente.

A história gira em torno de um agente secreto que, após ter sua noiva grávida brutalmente assassinada, parte em busca do culpado, mas quando o encontra, ao invés de matá-lo, resolve por em prática um sádico plano de vingança.

Sádico porque com o desenrolar da trama, percebemos que o vingador se tornou cego de ódio, incapaz de medir as consequências de seus atos. Mas em nenhum momento da projeção sentimos pena do culpado e indiferença pela vítima ou pelo vingador, isto se deve a alguns truques do roteiro, que comentarei mais a frente, algo comumente explorado em filmes de vingança, como a obra-prima "Irreversível", para citar um exemplo apenas.

Um dos setores mais deslumbrantes deste filme é a parte técnica. Possui uma fotografia excelente, que consegue acrescentar requinte e podridão, de acordo com a carga emocional que cada cena em específico exige. A direção de arte é muito boa, ao contrastar os ambientes de vivência dos dois personagem principais (o assassino, com sua casa pobre e suja, e o agente, com seu apartamento de classe alta). A trilha sonora é emotiva e sublime! Talvez a melhor trilha do ano! Mas o que realmente se destaca no âmbito técnico é a edição, que consegue de forma genial, fundir imagem, música e diálogos. Certos momentos se tornam até líricos!

O roteiro é inteligente, original e principalmente, cria e evolui personagens profundos e complexos que, personificados por atores em ótimas interpretações, se tornam figuras muitas vezes assustadoras, ou dignas de compaixão, pois sim, tomamos a dor do noivo que perdeu sua parceira. Além da veracidade dos personagens, um outro recurso interessante é acompanharmos não só o cotidiano do herói (ou anti-herói?) em busca do culpado, mas também o cotidiano do culpado, em seus atos de violência desenfreada e calculista, o que nos faz simpatizar e apoiar ainda mais a jornada do primeiro. Além de tudo isso, o roteiro não se preocupa em preservar a identidade do assassino durante todo o filme. Isto comprova que o foco de "I Saw the Devil" não se dá na investigação, que ocupa mais ou menos os 40, 50 minutos iniciais, mas sim no ato de vingança, ao contrário do que muitas pessoas pensam.

Todavia, um dos poucos motivos por eu não ter classificado em 5 estrelas este filme foi justamente o final, que é covarde, e não faz jus a grandiosidade da produção em si. Assim, quando "I Saw the Devil" acaba, sentimos uma sensação de que alguma coisa está faltando, a desagradável sensação de carência de um final mais impactante e bem menos morno do que de fato é!

Gênero: Drama/Ação

Duração: 144 min.

Ano: 2010

322. Montanha Cega

2011-08-13T15:47:00.000-07:00

(Ruim)

Obs: Este texto contém spoilers!

Uma garota é sequestrada e vendida para um homem que a torna sua escrava sexual. Ela tenta pedir ajuda, mas nenhuma das pessoas que residem na mesma vila do rapaz que a comprou parecem se importar com o drama dela. Em todas as vezes que tenta fugir, é pega e castigada. A sua vontade de se libertar daquele lugar aumenta a cada soco e estupro que lhe é praticado. Este é o enredo de "Montanha Cega".

De uma plot como esta, espera-se um filme denso, visceral e desconfortável. Talvez até chocante. Mas em nenhum momento desta produção isso se concretiza, resultando assim, em um desapontamento tamanho por parte do espectador, que por sua vez, permanece com a famosa cara de paisagem do início ao fim da projeção. Este é um filme frígido! O que é um erro imperdoável!

Mas toda essa frigidez é resultado de vários fatores negativos compilados, como o roteiro mal escrito que, além de não explorar profundamente o drama da personagem principal, ainda não evolui a mesma de uma forma, no mínimo, aceitável. A interpretação da personagem central é bem ruim e igualmente frígida. A edição erra quando as cenas que deveriam impactar, como as de estupro e violência física, não nos chocam.

Todos esses pontos negativos nos impedem de simpatizar e apoiar a garota que sofre. Consequentemente, quando ela tenta fugir, não nos pegamos apreensivos quanto ao seu destino. Simplesmente assistimos o desenrolar dos fatos na tela, de forma vaga. E esta falta de emoção é o maior problema de "Montanha Cega".

Outro ponto negativo, embora não tão prejudicial à história, é o seu final. A partir do momento em que um diretor se propõe a criar um final impactante e/ou em aberto (como é o caso deste filme), ele precisa criar uma aura propícia, lançar algumas linhas de raciocínio de forma implícita e finalizar no momento certo. Isto não acontece aqui. O final é tão sem sal quanto todos os outros minutos!

Mas a culpa de tudo isso, creio eu, é do diretor estreante Yang Li, que se apossa de uma história incrível e a estraga por pura incompetência. Possui sérias dificuldades em criar uma obra tensa e angustiante, de nos fazer sentir mal enquanto sobem os créditos finais e de criar uma mistura homogênea de todos os elementos constituintes desta obra!

Uma pena!

Gênero: Drama

Duração: 97 min.

Ano: 2007

321. Capitão América: O Primeiro Vingador

2011-08-02T16:10:00.000-07:00

(Muito ruim)

O mais novo filme da Marvel possui 124 minutos de duração, mas passa a sensação de ter 180. Em nenhum momento consegue criar um clima agradável ou sequer meia dúzia de cenas boas! Não, não é exagero! No momento só consigo contar duas cenas agradáveis, a última e a pós-créditos.

Mas não se assustem, não é o pior filme do ano, apesar de merecer com certeza figurar entre os piores, ao lado de bombas como "Zé Colméia", "Caça às Bruxas", "Santuário", "Transformers 3" e "Invasão do Mundo: A Batalha de Los Angeles"! Pois bem, com este parâmetro já podem imaginar o desastre que é esta produção!

Para começar, a própria história do herói Capitão América, seja nos quadrinhos ou no filme, é ridícula. Na segunda guerra mundial, um homem subestimado, magro, fraco, porém corajoso, serve de cobaia para um experimento governamental que lhe concede altura, músculos e força. A partir daí, ele recebe a missão de lutar contra uma organização secreta denominada Hydra. Mas se não fosse um roteiro fraco, talvez essa história não muito interessante pudesse ser aproveitada em algo no mínimo agradável.

Os primeiros trinta minutos de filme são medíocres, porém até conseguem cativar. Mas depois, conforme a projeção vai se alongando, "Capitão América: O Primeiro Vingador" se revela maçante e sem foco. Possui alívios cômicos fracassados e cenas dispensáveis.

A trilha sonora é ruim, conta com músicas escrachadamente cliquês e ruídos estranhos ao fundo, estes últimos que de início soam interessantes ao acrescentar mais urgência e tensão às cenas, porém com a falta de competência ao imprega-los, este recurso acaba se tornando enjoativo e irritante!

Todavia, a direção de arte é eficiente ao retratar muito bem os E.U.A na década de 40. Outro ponto positivo é o elenco composto por atores em interpretações ao menos aceitáveis, com exceção de Stanley Tucci e Tommy Lee Jones, que estão muito, muito bem, como de costume!

O 3D é fraquíssimo e nem de longe vale o dinheiro a mais. Aliás, nem a própria versão 2D de "Capitão América" vale o ingresso, por ser um filme mal elaborado e com certeza não pensado para os fãs do herói ou até mesmo da Marvel, o que não é meu caso. E se vc quiser assistir somente pelo teaser de "Os Vingadores" (que é muito bom!) espere sair em dvd.

Gênero: Aventura

Duração: 124 min.

Ano: 2011

320. Harry Potter e as Relíquias da Morte Parte 2

2011-07-23T05:20:00.000-07:00

(Excelente)

Sou grande admirador da franquia "Harry Potter" portanto, ao final da projeção fiquei triste, porque não poderei mais presenciar o bruxinho na tela do cinema, mas ao mesmo tempo fiquei feliz e realizado por saber que a série acabou em grande estilo, aliás, "Harry Potter 7 Parte 2" se revela um dos melhores filmes do ano, e sem sombra de dúvidas o melhor exemplar da saga!

O que mais me encantou nesta série de 8 filmes (baseada em 7 livros), foi notar a evolução de personagens, história e técnica da mesma. Se seus primeiros exemplares eram filmes familiares, de certo modo infantis, com o tempo foram se tornando filmes obscuros, sombrios e macabros, quanto mais o duelo entre Harry Potter e Voldemort se aproximava. Cada produção era mais escura, violenta e adulta que a outra. Isso chega ao ápice aqui em "Harry Potter 7 Parte 2" que não nos priva da exposição à cadáveres e sangue, o que é fundamental para a história e o impacto que a mesma deve causar no espectador!

Aqui os personagens alcançaram o nível máximo de treinamento e Harry terá que enfrentar seu destino, Voldemort começou a atacar e matar todos em seu caminho.

Uma grande surpresa foi constatar que este filme se desenvolve quase que completamente no castelo de Hogwarts! Personagens antigos são resgatados, ao passo que os personagens habituais são melhor desconstruídos por um roteiro inteligente, dinâmico e atraente, que, aliado à uma edição excelente, não deixa a peteca cair em nenhum momento, conseguindo conciliar perfeitamente ação e drama!

Aliás, "Harry Potter 7 Parte 2" possui uma harmonia incrível entre todos os elementos e envolvidos! Os efeitos especiais são de cair o queixo, a direção de arte e a fotografia são geniais, por deixarem transparecer a malevolência e criarem um ambiente sombrio, obscuro e triste para representar que o fim está próximo, a trilha sonora, do competente Alexandre Desplat, que compôs recentemente as músicas maravilhosas de "O Discurso do Rei", é eficiente e o figurino (como nos outros filmes da saga) expõem muito bem o interior dos personagens.

A atuação, do já mais experiente Daniel Radcliffe é muito boa, por conseguir carregar praticamente o filme inteiro nas costas e ainda passar as emoções certas, nos momentos certos! Emma Watson está mal, diria até que em uma de suas piores interpretações! Todavia, quem se destaca mesmo no elenco são os veteranos Gary Oldman e Helena Boham Carter que apesar de possuírem papéis menores neste filme, brilham e roubam a cena todas as vezes em que aparecem!

Mas o grande trunfo é a direção de David Yates, que foi de longe, o melhor diretor de toda a série, por conseguir justamente o equilíbrio entre ação e drama (como citado anteriormente), além de condensar perfeitamente todos os elementos fílmicos da obra!

O 3D, apesar de ter sido convertido posteriormente, é muito bom! Nos faz entrar ainda mais no universo mágico dos bruxos e criaturas que habitam Hogwarts!

Antes de encerrar esta crítica, um apanhado geral sobre as obras da saga: "Harry Potter 1", dirigido pelo incompetente Chris Columbus, é o mais fraco de todos. "Harry Potter 2", também dirigido por Columbus é muito melhor que seu antecessor, embora fique muito atrás de outros filmes da série. "Harry Potter 3", dirigido por Alfonso Cuarón é um bom filme, que diverte, mas se comparado a "Harry Potter 4", que fica em segundo lugar entre todos os filmes do bruxinho, fica devendo muito! "Harry Potter 5", já tendo a direção assinada por David Yates, é bom, porém "Harry Potter 6" é um dos mais fracos da série! Todavia, as duas partes de "Harry Potter 7" são incríveis, sendo a segunda parte uma obra-prima, digna de ser considerada o melhor filme de um dos bruxos mais conhecidos da história do cinema, fecha a série com chave de ouro!

Gênero: Aventura
Duração: 130 min.
Ano: 2011

319. Belair

2011-07-09T18:32:00.001-07:00

(Mediano)

Após assistir a este documentário, ainda continuo a defender a idéia de que os filmes experimentais que Júlio Bressane e Rogério Sganzerla realizaram na produtora Belair extrapolaram a tênue linha entre a arte e o inaceitável. Certo que filmes experimentais, como o próprio nome já denota, devem ousar, experimentar, criar coisas absurdas, e apoio esta iniciativa, mas acho difícil de acreditar que uma pessoa em sã consciência classifique os filmes destes dois diretores como obras de arte. Experimentais sim, mas obras de arte... tenho minhas dúvidas!

Sou aspirante a diretor (já dirigi alguns curtas vergonhosos!), sei o que é ousar, e sei a dificuldade de ser fazer um filme sem dinheiro nenhum, mas sempre consegui discernir o que é aceitável do que não é, e principalmente, o que é arte do que não é! Filmar o, conhecido popularmente por Zé Bonitinho, pulando e gritando com uma escova de dentes gigante na mão, não é arte!

Enfim, posso estar completamente equivocado quanto a minha colocação, respeito quem gosta das obras de Bressane e Sganzerla, mas como o objetivo de uma crítica é expor a opinião sincera do redator, não consigo conceber que seus filmes sejam arte. Com certeza são frutos da boa vontade e do esforço de duas pessoas que amam cinema, mas não são bons!

Todavia, é inegável a importância destes filmes, bem como da própria produtora Belair para o cinema nacional, consequentemente, este documentário, que narra os bastidores por trás da criação da produtora e da produção de seus filmes, se revela um filme importante, por explorar um lado não tão comentado da indústria cinematográfica nacional, e interessante para qualquer cinéfilo, gostando ou não dos filmes trash da produtora já referida.

Mas "Belair", é bom? É uma montanha russa que intercala entre ótimos momentos, e outros não tão bons assim, resultando em um filme mediano. Acerta muito ao resgatar as gravações e bastidores dos filmes B dos dois diretores, mas erra quanto às entrevistas, que são mal exploradas e constantemente deixadas em segundo plano, e peca também em sua própria concepção fílmica, uma vez que este filme tem dificuldades em manter um ritmo interessante para um documentário. Não tenho nada contra filmes lentos (em algumas vezes, eles até são meus preferidos!) porém um documentário necessita de uma forte interação entre os arquivos registrados e o filme em si, o que não acontece aqui em "Belair", caracterizando assim, o maior erro deste longa! Aliás, "Belair" parece ser dois filmes unidos numa mesma projeção. Um filme (o bom) resgata algumas raridades do cinema brasileiro e as expõe ao público, e o outro filme (o ruim) é uma tentativa fracassada de agrupar entrevistas e afins acerca do outro filme. Consequentemente, os dois se anulam, resultando em uma montanha russa de ótimos e péssimos momentos, um filme bem mediano!

Gênero: Documentário
Duração: 80 min.
Ano: 2011

318. Transformers: O Lado Oculto da Lua

2011-07-07T17:21:00.000-07:00

(Ruim)

Pouco antes de lançar este terceiro exemplar da trilogia dos robôs/carros alienígenas, Michael Bay declarou que "Transformers - A Vingança dos Derrotados" foi um erro, e consequentemente ruim, mas que este terceiro não sofreria do mesmo problema. Seria muito melhor que o anterior. Ele conseguiu? De certa forma sim, "Transformers - O Lado Oculto da Lua" é muito melhor que o segundo, porém está longe de ser um bom filme, está longe inclusive de ser mediano!

A história, ou melhor, a desculpa absurda para este filme existir é: Os Decepticons decidem transformar a Terra em seu mais novo planeta e para isso irão exterminar qualquer um que os desafiar. Como podem perceber, a plot ridícula (típica dos filmes de Bay) é uma desculpa implausível e humilhante para criar um filme de duas horas e meia que se resume somente a efeitos visuais.

E sem sombra de dúvidas o maior erro de "Transformers 3" é seu roteiro, que não exita em inserir flashbacks completamente desnecessários, uma explicação preguiçosa para o motivo pelo qual Megan Fox desapareceu neste filme, adicionar elementos completamente irrelevantes, criar uma história sem conexão aparente e, como se não bastasse, acrescentar diálogos tão idiotas que acabam tornando esta produção uma comédia involuntária! Aliás, o próprio roteiro insere várias piadas fora de hora, de mau gosto e sem graça, que consequentemente não funcionam, o que só aumenta ainda mais a frustração do espectador.

Esta mais nova produção de Michael Bay possui somente dois pontos positivos: seus efeitos visuais, que são realmente incríveis, e a edição de som que apesar de ser bem inferior aos outros dois filmes desta trilogia, ainda é muito boa! Pena que somente estes dois elementos sozinhos não possam criar e sustentar um bom filme.

A trilha sonora é normal, mediana, mas que acaba se tornando irritante pela péssima edição que a usa erroneamente, em momentos indevidos, com as músicas indevidas.

O elenco, completamente fora de sintonia, composto por Shia LaBeouf, que por sua vez está desinspirado e perdido, uma ponta fracassada de John Malcovich e Rosie Huntington-Whiteley, substituta de Megan Fox, que pode parecer brincadeira, mas possui uma atuação mais horrível que a de Fox! Apesar de ser muito bonita, Huntington-Whiteley não é capaz de expressar nenhum sentimento sem propiciar vergonha alheia! Entre Rosie e Megan, prefiro Megan!

Tudo isso é pautado por uma direção extremamente incompetente de Michael Bay, característica do diretor. É incrível o descaso dele para com todo o resto da produção, exceto os efeitos, menosprezando o espectador e acreditando que este possa engolir duas horas de meia de pura digitalização!

"Transformers - O Lado Oculto da Lua" acaba se revelando um irritante blockbuster sem propósito! Aliás, se revelando não, pois isto já era de se esperar, vindo de um homem que, com exceção de "Pearl Harbor", nunca fez um filme considerável em sua carreira!

Gênero: Ação/Ficção Científica

Duração: 154 min.

Ano: 2011

317. O Cozinheiro, O Ladrão, Sua Mulher e o Amante

2011-06-25T06:48:00.000-07:00

(Obra-prima)

Alguns filmes possuem um poder emocional tão grande que é impossível esquece-los. Este é o caso de "O Cozinheiro, O Ladrão, Sua Mulher e o Amante". Aos cinco minutos de projeção já estava arrebatado com a grandeza e magnitude desta obra-prima!

A história é um tanto simples: Um mafioso é dono de um restaurante no qual vai jantar todos os dias, junto de sua mulher e seus empregados (um deles interpretado satisfatoriamente bem por Tim Roth). Lá, sua mulher conhece e se apaixona por um outro homem. Eles iniciam uma paixão tórrida regada a sexo e comida.

Mas não pense que é um filme agradável de se assistir. Pelo contrário, ele é nojento e repulsivo. Trata a comida de uma forma desagradável, por mostrar os bastidores do restaurante. Na parte externa e na cozinha do mesmo presenciamos o processo de preparamento das refeições servidas às pessoas no salão principal. Nos deparamos com caminhões recheados de carnes podres, cães caminhando em meio aos alimentos e pessoas sem camisa, soadas cortando legumes em uma cozinha suja e infecta. E é lá que os amantes irão se encontrar para fazerem sexo. Em uma das cenas mais repulsivas, o casal transa em meio a peixes e cabeças de porco em estado de putrefação. Aliás, as cenas de sexo, bem como todo o resto do filme, são de um lirismo ímpar! Apesar de nojentas, são líricas, um paradoxo gritante!

"O Cozinheiro, O Ladrão, Sua Mulher e o Amante" retrata o ser humano como um animal, semelhante a um livro naturalista. Seus olhares e suas atitudes denotam que a qualquer momento estão prontos para atacar verbal ou fisicamente o próximo. E, desconstruindo cada um dos personagens do título, chegamos a conclusão de que o menos animalesco é justamente o amante, sempre passivo, calmo e racional. O cozinheiro serve somente como protetor do casal de amantes, abrigando e encobrindo seus encontros sexuais. O ladrão é o mafioso, apresentado como a figura mais desprezível do filme. O mais semelhante à um animal. Não exita em agredir e ofender seus empregados ou clientes. É absurdamente violento, anti-ético e descontrolado. O mais detestável de toda a produção, sem dúvida. A mulher, esposa do mafioso, interpretada maravilhosamente bem por Helen Mirren, é insegura, infeliz e retraída. É apresentada claramente como escrava sexual de seu marido. Em certa cena, ela fala: "Ele tem uma caixa, ao lado da cama, com uma escova de dentes, uma colher de pau, um trenzinho de brinquedo e uma garrafa de vinho. Ele me faz usar tudo aquilo. Se eu não fizer por vontade própria, ele faz, e quando eu faço, dói menos!". E o amante, como já referido acima, é seguro, racional e tranquilo.

O filme se desenvolve somente em dois ambientes: o restaurante (sua parte externa, a cozinha, o salão principal - onde se janta - e o banheiro) e o apartamento do amante (um lugar cheio de livros velhos empilhados). Tudo isso é construído da forma mais genial possível pela magnífica direção de arte, que retrata o lado externo e a cozinha do restaurante de uma forma bem teatral (a própria estrutura foi montada em um galpão), e repugnante, com um chão sujo, alimentos espalhados em todos os cantos e (em algumas vezes) fumaça vinda do chão, como se fosse proveniente de um esgoto. O salão principal é requintado, limpo e organizado, com uma forte tonalidade de vermelho, uma clara ironia, uma vez que os clientes comem a comida sem saber ou se importar com as condições sanitárias do lugar de onde esta veio, simplesmente porque o ambiente onde jantam transmite organização. E o banheiro é branco. Exageradamente branco. Toda a magnitude da direção de arte de "O Cozinheiro, O Ladrão, Sua Mulher e o Amante" é ressaltada pela fotografia também excelente, que opta por cores fortes e vibrantes, refletindo o caráter da paixão do casal principal, e o uso brilhante de sombras e pouca iluminação, nos momentos certos, para acrescentar mais sensação de falta de higiene. E o figurino, estilo barroco, extremamente exagerado, denota o poder financeiro dos clientes.

"O Cozinheiro, O Ladrão, Sua Mulher e o Amante" lembra muito Federico Fellini, pelo lirismo e com certeza influenciou Lars Von Trier a fazer a obra-prima "Dogville", e sua sequência "Manderlay".

Enfim, é uma obra-prima maravilhosa! Um filme essencial para qualquer cinéfilo! É forte, sensual e cativante. Quando esta produção se encerra, deixa o espectador boquiaberto e nauseado!

Gênero: Drama

Duração: 124 min.

Ano: 1989

Cinefilia 15: 1001 Filmes Para Ver Antes de Morrer

2011-06-21T16:45:00.000-07:00

Neste post, diferente de todos os outros, não irei discutir sobre um filme, mas sim sobre um livro! Sim, o livro "1001 Filmes Para Ver Antes de Morrer". Como não possuo conhecimentos avançados sobre literatura para criticar os elementos literários desta obra, irei me ater ao conteúdo: os filmes.

Alguns criticam, outros apoiam, mas uma coisa é fato: é um livro essencial para qualquer cinéfilo. Além de servir como fonte de curiosidades, este livro ainda fornece esclarecimentos sobre vários movimentos cinematográficos, diretores e história, tanto do cinema, quanto mundial. É extremamente abrangente. Abrange desde curtas-metragens independentes experimentais aos maiores clássicos de Hollywood. Desde filmes de 1902 à 2007.

Como em toda lista, senti falta de vários títulos indispensáveis e me envergonhei de ver outros ridículos por lá. Obras-primas maravilhosas como "A Vida é Bela", "De Olhos Bem Fechados", "Dogville" e "O Grande Ditador" não constam, porém produções vergonhosas como "Top Gun - Ases Indomáveis" e "As Patricinhas de Beverly Hills" tem seu lugar em meio a grandes clássicos.

Além disto, vários erros na ficha técnica de alguns filmes estão presentes, como por exemplo, em "E O Vento Levou", a duração consta como 222 minutos, quando o correto é na verdade 233 minutos.

Muitos filmes que mereciam maior destaque foram deixados de lado, enquanto outros menos importantes foram ressaltados.

Mas estes deméritos são relativos. Na verdade, "1001 Filmes Pra Ver Antes de Morrer" é um livro completamente relativo, como todo guia e/ou lista. Aliás, esta obra é acima de tudo um guia para cinéfilos e é exatamente por isso que é indispensável para qualquer amante da sétima arte. Mas um alerta! É um livro enorme (943 páginas ao todo) e feito única e exclusivamente para os apaixonados por cinema, sendo assim, curiosos sobre o assunto não irão chegar ao fim!

Em uma visão macro, "1001 Filmes Para Ver Antes de Morrer" é um livro excelente, um guia considerável e uma lista muito completa (dada as proporções).

E para você, qual filme faltou na lista dos 1001 melhores?

316. Se Beber Não Case 2

2011-06-06T16:14:00.000-07:00

(Bom)

"Se Beber Não Case 2" basicamente resgata a carcaça de seu antecessor e troca o lugar onde os fatos vão se desenrolar. Algumas cenas e falas são idênticas ao primeiro filme. Além disto, esta continuação é bem mais apelativa que o filme de 2009, com mais nudez, drogas e palavrões, mas apesar de tudo, ainda assim é um filme muito divertido!

Para criar um filme a partir da carcaça do original e até copiar algumas cenas dele, o diretor do projeto precisa ser ao menos muito bom. Caso contrário... basta observar bombas como "Apertem os Cintos, o Piloto Sumiu 2". E levando em conta que Todd Phillips não é um diretor muito bom, responsável pelos fraquíssimos "Caindo na Estrada", "Dias Incríveis" e "Starsky e Hutch", quando descobri que esta produção seria neste mesmo estilo, tive minha dúvidas de que iria funcionar. Mas depois lembrei que Phillips também dirigiu o muito bom "Se Beber Não Case" e fiquei mais confiante. Realmente ele se sai muito bem! Apesar de ser uma cópia do filme de 2009 consegue adicionar novas cenas e piadas muito engraçadas! O que denota a evolução de um diretor que pode se tornar um grande nome futuramente.

Desta vez os mesmos amigos acordam em um hotel em Bangkok, junto de um macaco e de um mafioso supostamente homossexual (presente no primeiro filme) morto. Como podem perceber, a trama toma vertentes muito mais absurdas e muitas vezes letais. Eles correm risco de vida! E é deste amontoado de situações absurdas que Todd Phillips retira tiradas algumas vezes hilárias!

Um fenômeno interessante e incomum que notei nesta produção foi que ele erra nos acertos de "Se Beber Não Case" e acerta nos erros do mesmo. Os erros do projeto de 2009 são os acertos deste de 2011, e vice-versa. Um exemplo muito forte é a trilha sonora, que no original era bem ruim, e nesta sequência é muito boa!

O elenco mantém o mesmo nível, com exceção de Zach Galifianakis que está muito melhor! Todavia, a participação especial de Paul Giamatti é horrível! Ele está completamente deslocado e desconfortável no filme!

Enfim, apesar de possui muitos erros, "Se Beber Não Case 2" é com certeza muito divertido! Talvez um dos mais divertidos filmes do ano!

Gênero: Comédia
Duração: 102 min.
Ano: 2011

315. Piratas do Caribe: Navegando em Águas Misteriosas

2011-05-27T10:32:00.000-07:00

(Ruim)

Rob Marshall, em 2002 dirigiu e coreografou o meu musical preferido "Chicago". Mais tarde, em 2005 decidiu enveredar pelo caminho dramático em "Memórias de uma Gueixa", e conseguiu criar um filme bom. Em 2009 dirigiu um filme que muitos detestam, mas devo confessar que adoro, a refilmagem do filme "8 e Meio", em "Nine". Este ano ele dirige o filme que dá sequência aos três outros da franquia "Piratas do Caribe", e fracassa!

Johnny Depp é um ator que precisar de rédeas. Quando consegue encontrar o equilíbrio entre seriedade e insanidade, obtem incríveis interpretações, como é o caso de "Edward Mãos de Tesoura", "Cry Baby" e "Janela Secreta". O fato é que Rob Marshall em "Piratas do Caribe: Navegando em Águas Misteriosas" não consegue domar o lado insano da interpretação de Depp, o que resulta em um péssimo desempenho do ator. Depp consegue transformar Jack Sparrow (personagem do mesmo) de um pirata caricato e divertido à um bêbado imbecil!

Também fazendo parte do elenco, Penélope Cruz está péssima, sem carisma e, como Johnny, extremamente artificial. E, para completar, Geoffrey Rush não dá o máximo de si e decepciona.

O roteiro, escrito a três mãos, desperdiça uma história muito boa ao transformá-la em uma aventura fraquíssima, clichê e óbvia. Aos moldes de um blockbuster de baixo nível! Aliás, isso resume muito bem "Piratas do Caribe: Navegando em Águas Misteriosas": é um blockbuster feito sem amor, sem cuidado, criado única e exclusivamente para lucrar. Uma pena.

O lado técnico do filme é genérico. Sem grandes efeitos, ao contrário dos outros 3 filmes da série, mas com uma trilha sonora muito boa, composta por Hanz Zimmer. Aliás, este é um dos poucos pontos positivos do filme.

Desta vez Jack Sparrow parte em uma expedição para encontrar a fonte da juventude. Uma plot muito interessante, porém mal aproveitada. Espero que a franquia "Piratas do Caribe", que rendeu um filme mediano (2003), um filme bom (2006) e outro muito bom (2007), acabe por aqui!

Gênero: Aventura

Duração: 141 min.

Ano: 2011

314. Rastros de Justiça

2011-05-20T17:33:00.001-07:00

(Bom)

No final da década de 60 até 1998, a Irlanda passou por um período de conflitos entre católicos e protestantes. Nesta guerra, ambas as partes matavam um ao outro, deixando assim, uma poça de sangue na história irlandesa.

"Ratros de Justiça" aborda este conflito, mas de forma diferente. Ao invés de sermos apresentados à guerra em si, vemos as consequências da mesma. O filme se inicia com um protestante (ainda jovem) matando um católico, e tendo como testemunha, o irmão mais novo da vítima. Com a morte dele, a mãe passa a descontar a culpa e a sua raiva no garoto, que com o passar dos anos, guarda rancor pelo assassino. Anos mais tarde, quando ambos se tornam adultos, um programa televisivo decide reunir os dois para resolverem as desavenças e mágoas diretamente para a tv. Mas o homem que teve seu irmão morto está disposto a praticar uma vingança.

O grande trunfo de "Rastros de Justiça" é ser um filme pequeno e objetivo. Possui o tamanho perfeito para apresentar, evoluir e encerrar a história que se propõe sem se tornar repetitivo e cansativo. Os personagens são apresentados de forma rápida e concisa. Sabemos o suficiente de cada um para podermos tomar partido durante a projeção.

Liam Neeson que, um ano antes, protagonizou o razoável "Busca Implacável", tem um desempenho não me agradou. As melhores performances do elenco ficam a cargo dos coadjuvantes.

O diretor, Oliver Hirschbiegel (cujo sobrenome parece mais um trava línguas), já havia dirigido vários filmes, entre eles um dos melhores filmes sobre o nazismo já feitos, "A Queda - As Últimas Horas de Hitler", e até uma nova versão do clássico "Vampiros de Almas", em "Os Invasores". O que está sendo comentado nesta crítica, junto deste último citado representam os mais fracos filmes da carreira de Hirschbiegel dos quais assisti, que no geral, prova ser um ótimo diretor!

Enfim, "Rastros de Justiça" é um filme passageiro, simples, mas que merece ser levado em consideração por sua simplicidade.

Gênero: Drama
Duração: 90 min.
Ano: 2009

313. Christine - O Carro Assassino

2011-05-16T16:52:00.000-07:00

(Mediano)

Os livros do escritor Stephen King geralmente rendem filmes no mínimo, interessantes. Stanley Kubrick adaptou "O Iluminado" e criou uma obra-prima. Brian De Palma filmou o muito bom "Carrie - A Estranha". Frank Darabont (claro fã de King) dirigiu três filmes baseados em livros do autor: "À Espera de um Milagre", "Um Sonho de Liberdade" e "O Nevoeiro", uma obra-prima, um excelente e outra obra-prima, respectivamente. Estes são somente alguns dos muitos outros filmes criados a partir das obras literárias do autor norte americano.

Em "Christine - O Carro Assassino" é a vez de John Carpenter levar às telas mais um suspense de Stephen. O livro e obviamente o filme, contam a história de um adolescente que resolve comprar um carro velho e enferrujado, ao qual chama de Christine, e reformá-lo. Mas ele não sabe que o carro possui vida própria e está disposto a tudo para ter a atenção total do garoto. Inclusive matar!

Os maiores problemas de "Christine - O Carro Assassino" residem em seu roteiro. Por trás de uma trama frágil e superficial se esconde uma história sobre obsessão. E esta obsessão deveria ser muito mais explorada, enquanto as mortes e consequências delas deveriam ocupar menos tempo no filme. Mas infelizmente o que acaba ocorrendo é exatamente o contrário. Além disso, o personagem principal (não o carro, mas o dono dele) é absurdamente estereotipado! Tornando o filme muitas vezes irritante.

Por outro lado, a parte técnica é competente. A fotografia possui muitas vezes ângulos baixos (para adicionar grandiosidade) e altos (para transmitir a sensação de vulnerabilidade). Os efeitos especiais são simples, porém resultam em cenas convincentes, e a trilha sonora clichê ainda consegue criar o clima necessário em certas cenas.

A direção de John Carpenter é convencional e cheia de erros e acertos. Ele consegue criar e preservar (junto ao seu editor) um ritmo na produção. Em contrapartida, não consegue extrair boas interpretações do elenco.

Enfim, muitas outras adaptações cinematográficas de obras de Stephen King se saíram melhor que esta de Carpenter, que por sua vez não é um diretor ruim, muito menos memorável. É genérico!

Gênero: Suspense
Duração: 110 min.
Ano: 1983

Cinefilia 14: Haneke e seus "Funny Games"

2011-05-04T16:58:00.000-07:00

Vários diretores optaram por, ao longo de suas carreiras, refilmar seus próprios filmes, como é o caso de Alfred Hitchcock que em 1934 dirigiu "O Homem que Sabia Demais" e em 1956, 22 anos depois, o refilmou em um filme de mesmo título. Outros foram mais além, decidiram refilmar seus próprios filmes passo a passo, plano a plano de forma idêntica ao original. Esse é o caso de George Sluizer que refilmou "O Silêncio do Lago", e de Michael Haneke, que refez seu projeto intitulado "Violência Gratuita" ("Funny Games" nos títulos originais).

Em 1997, Haneke filmou, na Áustria, sua primeira versão desta análise chocante da sociedade atual, na qual dois jovens prendem uma família em sua própria casa e iniciam jogos letais onde o perdedor, obviamente, morre e o vencedor sai impune.

Dez anos depois, em 2007, Michael refilmou "Violência Gratuita", plano a plano, simplesmente recriando o mesmo filme, com uma diferença: agora ele filmava nos E.U.A, com um elenco de personalidades fílmicas um tanto conhecidas como Naomi Watts, Tim Roth e Michael Pitt.

Ambos os filmes deixam incógnitas quando acabam: O que motivou os dois jovens a serem tão brutais e praticarem este tipo de violência? Simplesmente diversão? A que nível nossa sociedade chegou? Questões bem parecidas com as levantadas por "Laranja Mecânica".

Mas porque Michael Haneke decidiu regravar seu próprio filme de maneira tão literal? Alguns dizem que foi uma tentativa de fazer um filme de apelo mais popular, para lucrar, isso explica o porquê dos atores um tanto conhecidos no elenco. Mas levando em conta que Haneke em momento algum de sua carreira fez filmes se importando em como o público vai recebê-lo, esta hipótese pode ser descartada. Porque então? Ou melhor, em uma visão macro, porque diretores decidem refilmar seus próprios filmes de forma idêntica?

Mas comparando as duas versões desta história, posso afirmar com certeza que a primeira é a melhor. É na verdade, uma obra-prima! Por utilizar atores praticamente desconhecidos, acrescentando mais veracidade, a tensão e a revolta são muito maiores do que na versão de 2007, pois não sabemos quem são as pessoas sofrendo na tela, são completos desconhecidos, já na refilmagem, sabemos quem é Naomi Watts, Tim Roth ou Michael Pitt, e isso acaba, no final das contas, exterminando grande parte da veracidade que a trama exige. Mesmo assim, este último também acaba se revelando um filme excelente!

Sou fã de Haneke, reconheço seu pensamento pessimista sobre a humanidade impregnado em seus filmes, e em "Funny Games" esta característica atinge o auge! Além do pessimismo, outra característica presente nas duas versões é a ironia, que perdura do início ao fim das projeções. Constantemente o personagem principal (o jovem que comanda o jogo) olha diretamente para o público e conversa conosco! Estes toques sutis fazem toda a diferença.

Além disso, as duas produções são tecnicamente impecáveis (como de praxe de Michael), possuem um roteiro maravilhoso, também escrito pelo diretor e uma mise en scène muito bem planejada e enquadrada pela fotografia magistral!

Se você procura um tipo de diversão que faz pensar, os dois filmes "Violência Gratuita" são um prato cheio para você!

312. Tron - O Legado

2011-05-02T17:15:00.001-07:00

(Bom)

Não gostei de "Tron - Uma Odisséia Eletrônica" e por isto não me interessei muito por esta sequência. Não fui vê-la no cinema, e agora em home-video, sem esperar nada a assisti e me surpreendi!

Neste filme, o visual está infinitamente melhor. Certo que em 1982, ano de lançamento de seu antecessor, a tecnologia disponível na época não permitia a criação de cenários e efeitos tão grandiosos como, 28 anos depois, "Tron - O Legado" nos apresenta, mas o cenário tecnológico da ficção da década de 80 é de uma preguiça mental tremenda!

Neste filme, os efeitos especiais são magníficos, a fotografia que acrescenta agilidade a trama, sem precisar optar pelo uso exagerado de handycam (nada contra a técnica, mas contra os fotógrafos que a empregam de forma errônea) também acerta ao empregar um tom azulado que perdura durante todas as cenas que se passam dentro do video game, aumentando a sensação de tecnologia e holografia, típicas de um jogo virtual. A direção de arte é extremamente criativa, intercalando entre pedras escuras (rústico) com o requinte e a luxúria dos ambientes internos.

Dando mais emoção as cenas de batalha, a trilha sonora de Daft Punk consegue contagiar e transportar o próprio espectador para dentro do jogo (no sentido conotativo da palavra, obviamente).

Todavia, "Tron - O Legado" peca por possuir uma atuação muito abaixo da média de um ator excelente, ganhador do Oscar por "Coração Valente", Jeff Bridges, que aqui não possui presença de cena nenhuma! E erra também por ser um filme frio, que em muitos momentos não transmite emoção alguma, somente nos deixa encantado com seu visual!

Aliás, um ponto positivo muito forte do filme de 1982 é ser um filme nostálgico para muitos (não me incluo neste grupo). Já esta sequência de 2010 provavelmente vai ser esquecido daqui a alguns meses, se já não foi!

A história basicamente se repete, com algumas pequenas mudanças: Desta vez o filho do criador do jogo acaba acidentalmente entrando no mesmo, a procura de seu pai. A seguir, as situações simplesmente repetem as de seu antecessor.

Filme esquecível, mas que consegue divertir e cativar o público, mesmo que somente por algumas horas!

Gênero: Ficção Científica
Duração: 126 min.
Ano: 2010

311. Invasão do Mundo: A Batalha de Los Angeles

2011-04-19T12:55:00.000-07:00

No final do ano passado, uma polêmica acerca de que os irmãos Strause, que haviam sido contratados para criar os efeitos visuais de "Invasão do Mundo: A Batalha de Los Angeles", desviaram verba e roubaram a ideia deste último, e criaram "Skyline - A Invasão", que por sua vez é um desastre! Se esta polêmica é verdadeira, não sei, mas "Invasão do Mundo..." é tão ruim quanto o filme dos Strause! Uma pena, pois realmente possuía potencial para ser um grande filme. Alguns até comparam "Battle: Los Angeles" e o acusam de plagio à "Distrito 9" e "Falcão Negro em Perigo", e confesso que não notei nenhum plagio a "Distrito 9", mas de "Falcão Negro em Perigo" sim, muitas ideias foram roubadas, e levando em conta que o mesmo é por si só uma porcaria, "Invasão do Mundo..." escolheu o filme errado para plagiar! Esta mais nova produção de ficção científica falha em tudo o que se propõe. Não diverte, não impressiona, não apresenta nada de novo, e possui alienígenas tão sem criatividade que até nos provocam risos. Os efeitos visuais conseguem convencer, mas são genéricos. A fotografia aposta em um visual moderno com constantes usos da câmera em mãos, mas o que poderia ser um artifício muito interessante acaba, por incompetência, se tornando um recurso irritante, que deprecia ainda mais o filme, que já não andava muito bem. O fotógrafo desta produção não possui noções básicas de filmagem, exagera absurdamente na técnica e acaba deixando "Invasão do Mundo..." mais artificial, enquanto o objetivo deste tipo de técnica é justamente se aproximar mais da realidade. O elenco é recheado de atores e atrizes medíocres, em interpretações pavorosas! Aaron Eckhart possivelmente no pior desempenho de sua carreira e Michelle Rodriguez, que é deixada de lado pelo roteiro, parece somente um enfeite, um artifício para preencher a tela. E sobre Jonathan Liebesman, o diretor, basta dizer uma coisa: Ele dirigiu filmes como "No Cair da Noite" e "O Massacre da Serra Elétrica - O Início", automaticamente, ele não merece respeito! E para completar, um roteiro superficial conta a história do dia em que a cidade de Los Angeles foi invadida por alienígenas e uma tropa do exército é enviada para resgatar civis no meio do caos.

(Muito ruim)

Gênero: Ficção Científica
Duração: 111 min.
Ano: 2011

310. Rio

2011-04-18T11:34:00.000-07:00

Se Woody Allen homenageou a cidade que tanto amava em "Manhattan", Federico Fellini homenageou Roma, em "Roma de Fellini", chegou a vez de Carlos Saldanha homenagear a cidade carioca em "Rio". Saldanha, brasileiro que foi para os E.U.A, iniciou sua carreira no cinema assumindo a co-direção do filme "A Era do Gelo", e nos dois posteriores da trilogia, passou a ser o diretor, e com certeza, ele sabe dirigir um filme animado! "Rio" cumpre tudo o que promete, se tornando um dos filmes mais divertidos deste ano! Alguns criticam esta produção dizendo que Saldanha perdeu o controle e exagerou nos clichês, mas, particularmente, isto não me incomodou nem um pouco. Mesmo não sendo tão engraçado quanto a trilogia "Ice Age", "Rio" nos reserva cenas que com certeza divertirá muito você! É interessante notar as inúmeras referências a filmes e músicas que fazem parte da cultura brasileira. Além das referências mais explícitas, como a trilha sonora composta completamente por músicas brasileiras (em sua maior parte, samba), alguns elementos no cenário e no vestuário dos personagens remete à algum ponto do Rio de Janeiro. Além de divertir esta animação consegue ainda emocionar e investe em alguns números musicais muito bem sucedidos e, consequentemente, se torna um prato cheio, um cardápio de emoções para os amantes da animação. E mesmo você não sendo amante do gênero, com certeza pode lhe proporcionar bons momentos de diversão. A versão em inglês apresenta vozes de Jesse Eisenberg, Anne Hathaway, Jamie Foxx e até Rodrigo Santoro. Já a versão dublada (a qual assisti) conta com o maravilhoso dublador Guilherme Briggs emprestando sua voz ao vilão do filme (Nigel). O roteiro, muito original, narra a história de Blu, uma Arara Azul que capturada de seu habitat natural, no Rio de Janeiro, ainda filhote, é forçada a voltar à cidade, muitos anos depois para acasalar com a outra última Arara Azul existente, a fim de salvar a espécie da extinção. Por estes motivos que citei, e muitos outros que devo ter esquecido, "Rio" é uma ode a cidade carioca, feita por um diretor brasileiro apaixonado por ela.

(Muito bom)

Gênero: Animação
Duração: 96 min.
Ano: 2011

Cinefilia 13: Trash: Pink Flamingos

2011-04-11T15:12:00.001-07:00

Obs: Este post contém spoilers!

Sempre fui adepto ao gênero trash. Então, unindo o útil ao agradável, resolvi que além de comentar assuntos diversos relacionados a cinema e analisar filmes clássicos, também irei conceder um espaço para o exploitation, que afinal, é um gênero muito particular e de certo modo, pouco comentado, mas que merece muito mais atenção do que possui. Então, para começar, nada melhor do que analisar "Pink Flamingos", um dos maiores exemplos de trash da história do cinema.

Antes, uma rápida pincelada na história: Divine é um travesti que orgulhosamente possui o título de "pessoa mais asquerosa do mundo". Ela vive em um trailer com sua mãe obesa (que vive em um berço), seu filho e uma garota. Um dia, um casal decide tirar o título de Divine, praticando atos extremamente anti-éticos e morais, como Divine vinha feito ao longo de vários anos. Começa então um duelo que resulta em um festival de cenas bizarras, nojentas, apelativas e violentas.

Estas cenas envolvem desde nudez constante, sexo explícito (entre mãe e filho), estupro, zoofilia, tiros e canibalismo, até cenas extremamente nojentas e repulsivas como Divine comendo as fezes de um cachorro, lambendo vômito e recebendo fezes de presente, e ainda, por outra pessoa, uma flexão anal. Como disse, "Pink Flamingos" é um filme um tanto peculiar!

Por ser de baixíssimo orçamento, John Waters dirige, escreve, produz e fotografa o filme. Waters realizou dois extremos cinematográficos: um trash repulsivo e icônico e uma comédia romântica adolescente denominada "Cry Baby", com Johnny Depp.

Nem preciso dizer que Waters realiza seu trabalho tão mal que resulta em um filme repleto de diálogos tolos e um roteiro falho, basta reparar na parte em que um dos vilões tem seu pênis cortado pelas suas prisioneiras, e minutos depois, quando a outra vilã se depara com a imagem de seu comparsa sem pênis, todo ensanguentado, grita: "Elas o castraram. Arrancaram seu pênis fora!", como se ninguém tivesse percebido isto. O roteiro ainda reserva tentativas falhas de criar frases de efeito e muitos palavrões soltos entre as palavras. Tudo isto pontuado por um elenco onde todas as interpretações são absurdamente ruins! Tão ruins que chegam a ser engraçadas, o que serve muito bem ao trash, cujo um dos seus lemas é ser tão ruim, a ponto de divertir!

Cômica também é a parte técnica! John Waters prova que não tem noção nenhuma de filmagem! Constantemente ele aplica zoons (in e out) deliberadamente, tem dificuldade de enquadrar os personagens e de manter a câmera estática ou no mínimo parada o suficiente para que possamos acompanhar o que se passa na cena. Ainda por cima, a qualidade de imagem é bem precária, que associada a uma edição ridícula, que algumas vezes sobrepõe diálogos e insere cortes bruscos de trilha sonora, e uma mixagem de som horrenda (notem que com o decorrer do filme, a altura das falas aumentam e diminuem, conforme os atores se aproximam e se distanciam do microfone), criam um espetáculo de mau gosto!

Enfim, este filme é um manual perfeito de como se fazer um trash de qualidade e uma obra fundamental para qualquer admirador do cinema B.

Como a própria frase em um dos pôsters já diz, "Pink Flamingos" é "um dos mais vis, estúpidos e repulsivos filmes já feitos!", e eu concordo plenamente! Fica ao lado de "Plano 9 do Espaço Sideral", mas se Ed Wood realmente acreditava que estava fazendo um bom filme, aqui John Waters sabe e assume que seu filme é uma verdadeira porcaria, e isso faz toda a diferença!

309. My Best Friend's Birthday

2011-04-05T09:19:00.000-07:00

Poucas pessoas sabem que antes de seu primeiro longa, "Cães de Aluguel", Quentin Tarantino escreveu e dirigiu o curta metragem "My Best Friend's Birthday". Na verdade, este era para ser um longa metragem que segundo algumas pessoas, teria 69 minutos de duração, mas o próprio Tarantino se envergonhou do projeto e o abandonou, deixando-o incompleto, com apenas 36 minutos. O filme que ele nunca terminou. Aliás, ele tem vergonha do filme e se recusa a tratá-lo como seu. As cópias foram retiradas de mercado, mas o curta pode ser assistido pela internet. Ok, mas o filme é bom? Não, é muito ruim! Depois de assisti-lo entendemos porque Tarantino se recusa a adotar como seu. Mas esse seu deslize aqui é altamente perdoável, uma vez que o estilo, os trejeitos e as marcas registradas de Quentin ainda não estavam lapidadas, estavam brutas, claramente amadoras. Algumas cenas são tão ruins que nos transmitem vergonha alheia! Tarantino (para poupar gastos) atua como personagem principal, ainda com seu talento escondido em algum lugar que só em "Cães de Aluguel" iria se manifestar. O roteiro é mal desenvolvido, o filme é mal editado e os atores são péssimos, porém "My Best Friend's Birthday" possui diálogos que são mais uma prova do talento escondido de Tarantino. Talento que mais tarde, já lapidado, resultaria em cenas de quase 10 minutos de diálogos nerd, sobre cinema, música e até lanches de fast food! Neste curta-metragem vemos personagens conversando sobre Marlon Brando, Elvis Presley, Brian de Palma, "Vestida para Matar", "A Condessa de Hong Kong", além de referências a Charles Bronson e "Psicose". Tarantino interpreta um homem que contrata uma prostituta para satisfazer seu melhor amigo no dia do aniversário dele. A partir daí, tudo da errado e eles acabam se envolvendo com pessoas e situações inimagináveis. Quem é fã de Quentin Tarantino (como eu) pode até conseguir assistir, encarando como uma raridade, mas uma coisa é fato: este filme é muito ruim!

(Muito ruim)

Gênero: Ação
Duração: 36 min.
Ano: 1987

308. Capitalismo - Uma História de Amor

2011-03-27T07:08:00.001-07:00

Michael Moore é um dos documentaristas mais influentes da atualidade (se não o mais influente). Ele possui um jeito único de documentar. Seus filmes possuem algumas características marcantes, como a ironia, que é uma constante nos filme de Moore, mas claro sem exageros, simplesmente uns alívios cômicos de humor negro que dão um diferencial as suas produções. Além da ironia, seus documentários independentes possuem a medida certa de drama e informação, não os deixando maçantes e melodramáticos demais. E um dos temas mais explorados por Moore ao longo de sua carreira é o governo americano e o modo com que age e prejudica os cidadãos. Então, "Capitalismo - Uma História de Amor" acaba se tornando um prato cheio para Michael, por abordar o lado B do sistema capitalista promovido pelo governo norte americano como a solução dos problemas de todos e a transição para uma vida longe de pobreza. Este mais novo longa do cineasta traz muitas referências ao primeiro filme do mesmo: "Roger e Eu". Além de rediscutir tópicos de "Roger e Eu", Moore constantemente insere imagens e o comenta. Como de praxe, a temática do filme é explorada a fundo e dela surgem mais uma dúzia de incógnitas que ao longo da projeção serão discutidas e não necessariamente respondidas. Será que o capitalismo é tão bom assim? Será que ele favorece a todos? Porque constantemente pessoas são despejadas de suas casas nos E.U.A? Porque os ricos ficam mais ricos e os pobres mais pobres? Porque empresas são obrigadas a fechar e deixar milhares de pessoas desempregadas? Porque jovens são presos sem necessidades e levados à um centro de reabilitação "modelo" para jovens? Tudo isto é concluído com um final magnífico, como é costumeiro de Moore. "Capitalismo - Uma História de Amor" é um soco na cara de qualquer norte americano, como qualquer outro filme do genial Michael Moore! E levando em conta que vivemos em um país capitalista, não deixa de ser um soco na nossa cara também!

(Muito bom)

Gênero: Documentário

Duração: 127 min.

Ano: 2009

307. Lixo Extraordinário

2011-03-15T12:09:00.000-07:00

Uma coincidência interessante é que dois dos cinco filmes indicados ao Oscar de melhor documentário, documentavam a trajetória ou as obras de artistas plásticos. "Exit Through the Gift Shop" tratava do artista Banksy e sua street art, "Lixo Extraordinário" trata do artista Vik Muniz, brasileiro, que cria suas obras a partir de materiais nada convencionais, no caso aqui, a partir do lixo. Esta co-produção brasileira, em parceria com a Inglaterra (não, o filme não é somente brasileiro), expõe o processo de criação de vários quadros a partir do lixo, retirado do lixão Jardim Gramacho, que é considerado um dos maiores aterros sanitários do mundo, desde a fase de seleção do lixo que será utilizado nas obras, até o envolvimento com os catadores de lixo. E é com foco neles que o filme se segue e emociona. É triste vermos pessoas da favela desesperadas, que tem como única opção trabalhar no lixo. E além de acompanharmos o sofrimento diário destas pessoas, ainda somos deparados com o passado muitas vezes sombrio das mesmas. Através de entrevistas, ouvimos as histórias de como era a vida delas antes do lixão. Muitos relatos emocionam, como o de Isis Rodrigues que, com muita dor relembra quando seu filho de 3 anos morreu de pneumonia. Triste também constatar que os próprios catadores se menosprezam. Em certo momento do filme, quando Vik Muniz e a equipe de gravação do filme vão ao lixão, alguém grita do meio do lixo: "Tão filmando pro Mundo Animal!". Além de tudo, "Lixo Extraordinário" é um documentário muito bem fotografado e editado, basta notar as cenas aéreas do Jardim Gramacho. Este é um filme essencial para qualquer brasileiro, pena que ficará somente ocupando lugar em prateleira de locadoras, ou no máximo será transformado em material didático, mas infelizmente é pouco provável que ele vá se popularizar entre os cidadãos, mesmo tendo concorrido ao Oscar. Em outro momento da projeção, Isis Rodrigues fala: "Em casa, você simplesmente joga o lixo no lixo, mas pra onde vai este lixo?". Pense nisso.

(Muito bom)

Gênero: Documentário

Duração: 94 min.

Ano: 2010

Cinefilia 12: Clássicos: Dogville

2011-03-13T10:25:00.000-07:00

Obs: Este post contém spoilers!

"Dogville" é um filme essencial para estudantes de psicologia ou sociologia, porque além de promover uma análise acerca das atitudes sociais humanas, Lars Von Trier ainda testa os nossos próprios sentimentos em uma conclusão absurdamente chocante.

Grace (Nicole Kidman) é uma mulher que acaba parando em uma cidadezinha, com pouco mais de cinco estabelecimentos, chamada Dogville, enquanto fugia de gângsters. Os moradores de Dogville a recebem calorosamente e a deixam ficar o tempo que precisar, mas em troca Grace precisa trabalhar para eles. De início, sua carga horária é tranquila, e ela recebe um salário razoável, mas com o passar do tempo, os moradores da cidadezinha vão mostrando suas garras e transformam Grace em uma escrava.

O que se segue é uma cena mais angustiante que a outra. Vemos a personagem principal ser maltratada, estuprada, xingada e trapaceada. Notem que, nas primeiras vezes em que Grace é estuprada por um dos moradores de Dogville, ela se desespera e se debate, mas nas outras muitas vezes que se seguem (um estupro ocorria quase que diariamente) ela está conformada e mesmo enojada de ver um homem sujo e vil se apossando de seu corpo, não se debate mais, fica parada, conformada, porque ela sabe que se protestar ou se rebelar a corda arrebentará no lado mais fraco, que no caso é o dela.

Uma das vezes em que ela é estuprada, a esposa do homem que a estuprou (junto de algumas outras mulheres da vila) vão ao lugar onde Grace dorme e a torturam psicologicamente, como se quem tivesse se oferecido para ter relações sexuais com o marido dela fosse Grace. E ao final desta cena, a mulher ainda continua torturando-a, mas desta vez tendo como objeto de tortura bonecas que Grace, com tanto esforço conseguiu comprar na loja da região.

E no terceiro ato do filme, os personagens chegam ao ponto de amarrar uma coleira de metal presa a uma roda de carroça, também de metal, com um sino, em seu pescoço para ela não fugir e continuar servindo de escrava doméstica e sexual da vila. Como um animal. Aliás, um animal seria melhor tratado em Dogville do que Grace.

Quando "Dogville" chega em seus 15 minutos finais, já estamos completamente indignados com a situação pela qual a pobre personagem central está sendo submetida, temos vontade de entrar na tela e providenciar um bom castigo a todos os moradores. Somos surpreendidos então, com a notícia de que os gângsters dos quais Grace estava fugindo são liderados por seu pai, que estava apenas tentando traze-la de volta para casa. Grace não suportava sua casa, mas com certeza seria melhor do que aquele local. Na verdade poucas coisas podiam ser piores do que a sua situação atual. E com determinação impõe uma condição para que volte para casa: que os membros da máfia de seu pai matassem todos que residiam em Dogville. Assim sendo, Von Trier encerra o filme com a imagem de uma chacina contra todos os moradores da vila. Nesta sequência final, presenciamos homens matando todos, até um bebê, quase um recém nascido, no colo de sua mãe.

Neste momento Lars Von Trier, após promover uma discussão sobre as capacidades sociais do ser humano, nos faz julgar nossos próprios sentimentos. Confesso que fiquei realizado em ver todas aquelas pessoas sendo castigadas por tudo o que fizeram com Grace, mesmo que este castigo tenha sido a morte. Mas depois que a cena acaba, quando os créditos sobem, esta realização da lugar a um sentimento de culpa. Culpa por gostar de ter visto pessoas morrendo, tudo bem que aquelas pessoas mereciam, mas será que o bebê no colo de uma mulher má merecia morrer de forma tão brutal? Não, não merecia. "Dogville" nos força a fazer uma auto-reflexão. É natural do ser humano gostar de ver catástrofes, embora apenas com pessoas que mereçam, não com inocentes. Mas será que estas pessoas mereciam a morte?

Este filme merece ser assistido não somente por seu roteiro genial, mas também por uma parte técnica inovadora e ao mesmo tempo muito ousada. Lars Von Trier ousa criar um filme de quase 3 horas que se passa completamente em uma pequena cidadezinha, onde as construções não possuem parede, nem portas, apenas divisões marcadas por linhas brancas no chão. Quando um personagem entra em um estabelecimento, ele abre uma porta imaginária e podemos ouvir o som da porta abrindo e fechando. Para alguns esta técnica pode soar enjoativa, mas para mim, soou ao contrário, genial! Magistral! Estas quase 3 horas passaram como se fossem 90 minutos!

Os méritos não param por ai! Von Trier consegue extrair de Nicole Kidman uma interpretação visceral, digna de Oscar, onde ela conegue representar brilhantemente bem a transição de sentimentos e expressões pelas quais sua personagem passa.

Sendo assim, "Dogville" é um filme essencial para sociólogos e psicólogos, mas principalmente, é um filme essencial para qualquer cinéfilo. "Dogville" é um dos melhores e mais originais filmes da história do cinema!

306. O Mágico

2011-03-07T04:21:00.000-08:00

Lembro-me que, durante a minha infância, assistia incessavelmente, várias vezes consecutivas, a animação "101 Dálmatas". Até hoje me recordo dos bons momentos que passei assistindo-a. E hoje, depois de muitos anos, assisti "O Mágico" e me emocionei muito, pois esta animação francesa lembra absurdamente "101 Dálmatas", bem como outras antigas animações, em sua estética. Não só por isso me emocionei e me encantei com esta produção, mas também por ela ser tão sensível e tocante ao retratar a convivência de uma garota e um homem que não falam a mesma língua, ao mesmo tempo que narra a busca para salvar uma carreira que há muito tempo já havia sido esquecida. Criado a partir de um roteiro de Jacques Tati, aliás, o filme homenageia o comediante em uma cena genial, onde o personagem título se depara com um cinema apresentando "Meu Tio", de Tati e, quando entra na sala onde o filme está sendo exibido, leva um choque ao ver que o ator do filme possui exatamente o mesmo jeito dele, ou seja, o personagem do mágico é uma grande homenagem ao próprio Jacques Tati, "O Mágico" narra a dramática história de um ilusionista que procura desesperadamente um lugar para se apresentar, pois ninguém mais quer assistir um mágico e sua carreira está condenada. Em uma de suas viagens, ele encontra uma garotinha que decide viajar com ele. Os dois não falam a mesma língua, mas um elo muito forte surgirá entre os dois. Ao meu ver, o personagem do mágico é uma metáfora ao próprio filme, onde animações desenhadas estão dando lugar às animações computadorizadas, uma vez que este é um filme desenhado, não computadorizado. O mais impressionante é que este filme possui pouquíssimos diálogos. Se juntarmos todas as cenas faladas, teremos no máximo 3 ou 4 minutos! Mas ainda assim, o filme emociona de uma maneira impressionante. Ao melhor estilo Chaplin. Os personagens, como em filmes mudos, se expressam, conversam e se comunicam através de gestos e expressões, quase nunca por palavras. Assim, "O Mágico" acaba se tornando uma das melhores e mais emocionantes animações que vi em toda a minha vida, ficando somente atrás de "Wall - E"! Lindo, alegre e triste, bucólico e sofisticado, em singelos 80 minutos, consegue cumprir maravilhosamente bem o que promete.

(Obra-prima)

Gênero: Animação

Duração: 80 min.

Ano: 2010

Cinefilia 11: Oscar 2011: Sobre a Cerimônia!

2011-02-28T08:29:00.000-08:00

Ontem a noite (e hoje durante a madrugada), dias 27 e 28/02/11, aconteceu a 83ª cerimônia do Oscar. E venho neste post, novamente como ano passado, comentar os ganhadores e a festa em si.

Devo admitir que este ano a produção da cerimônia me surpreendeu. A festa própriamente dita foi maravilhosa, bem produzida, magistralmente conduzida pela excepcional dupla James Franco e Anne Hathaway, que muitos achavam que não iria dar certo. Tudo foi muito emocionante, e bem realizado, números musicais fantásticos, vale ressaltar a impecável apresentação de uma orquestra tocando a música tema de "Star Wars", composta por John Williams. As homenagens póstumas também foram lindas. Além de tudo, os produtores provaram que possuem uma criatividade estupenda ao inserir, logo no início da festa, um vídeo bem humorado, para apresentar os principais filmes da noite, onde o casal de apresentadores entra e sai de um filme a outro.

Mas não posso dizer que a cerimônia foi irretocável devido aos ganhadores de algumas categorias. Muitos, muitos filmes foram injustiçados. Basta dizer que "A Origem" perdeu o prêmio de roteiro original para "O Discurso do Rei" (WTF?!). David Fincher perdeu o Oscar de melhor diretor para Tom Hooper! E, a decepção esperada da noite, "Cisne Negro" ou "A Rede Social" perderam o Oscar de melhor filme para, adivinhem.... "O Discurso do Rei". Não que esta produção britânica seja ruim, pelo contrário é um filme muito bom, mas comparado ao filme de Darren Aronofsky e o de David Fincher, o rei gago fica longe de merecer o prêmio!

Aliás, ao fazer a contabilidade do meu número de acertos nas apostas ao Oscar, constatei que, das 24 categorias, acertei 12! Ou seja, 50% de acertos, 50% de erros. Pura coincidência!

Confira os vencedores aqui: http://www.cinemaemcena.com.br/Premiacao_Detalhe.aspx?ID_PREMIO=1&ID_PREMIACAO=1736

Até o próximo post!

Cinefilia 10: Oscar 2011: As Apostas!

2011-02-27T07:27:00.001-08:00

Como ano passado, venho neste post fazer as minhas apostas para o Oscar 2011, que ocorrerá esta noite (27/02/11) às 22:00, horário de Brasília.

Todos os filmes indicados que assisti possuem uma crítica aqui no C de Cinema, e possuem também um link no nome do seu respectivo filme. Este ano, de todos os indicados a curta-metragem de animação, só consegui assistir a dois: "Dia e Noite" e "The Gruffalo", e estes curtas são exceções e não possuem críticas neste blog.

Notem que abaixo da lista de indicados de cada categoria, irão aparecer duas frases: Minha Aposta e Meu Voto Iria Para. Como os próprios títulos sugerem, Minha Aposta significa que, analisando pela lógica, os históricos dos artistas envolvidos e das premiações anteriores, darei meu palpite levando em conta quem eu acho que irá ganhar. Já em Meu Voto Iria Para, significa o filme que eu gostaria que ganhasse, mesmo que ele não tenha a menor chance de levar o prêmio em determinada categoria.

Vamos as apostas:

MELHOR FILME:

"Cisne Negro"

"O Vencedor"
"A Origem"
"Minhas Mães e Meu Pai"
"O Discurso do Rei"
"127 Horas"
"A Rede Social"
"Toy Story 3"
"Bravura Indômita"
"Inverno da Alma"

Minha Aposta: "O Discurso do Rei"

Meu Voto Iria Para: "Cisne Negro"

MELHOR DIRETOR:

Darren Aronofsky ("Cisne Negro")
David Fincher ("A Rede Social")
Tom Hooper ("O Discurso do Rei")
Irmãos Coen ("Bravura Indômita")
David O'Russell ("O Vencedor")

Minha Aposta: David Fincher

Meu Voto Iria Para: David Fincher

MELHOR ATOR:

Javier Bardem ("Biutiful")
Jeff Bridges ("Bravura Indômita")
Jesse Eisenberg ("A Rede Social")
Colin Firth ("O Discurso do Rei")
James Franco ("127 Horas")

Minha Aposta: Colin Firth

Meu Voto Iria Para: Colin Firth

MELHOR ATRIZ:

Nicole Kidman ("Reencontrando a Felicidade")
Natalie Portman ("Cisne Negro")
Jennifer Lawrence ("Inverno da Alma")
Annete Bennig ("Minhas Mães e Meu Pai")
Michelle Williams ("Blue Valentine")

Minha Aposta: Natalie Portman

Meu Voto Iria Para: Natalie Portman

MELHOR ATOR COADJUVANTE:

Christian Bale ("O Vencedor")
Geoffrey Rush ("O Discurso do Rei")
Mark Ruffalo ("Minhas Mães e Meu Pai")
Jeremy Renner ("Atração Perigosa")

John Hawkes ("Inverno da Alma")

Minha Aposta: Christian Bale

Meu Voto Iria Para: Christian Bale

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE:

Melissa Leo ("O Vencedor")
Helena Boham Carter ("O Discurso do Rei")
Hailee Steinfeld ("Bravura Indômita")
Amy Adams ("O Vencedor")
Jacki Waver ("Reino Animal")

Minha Aposta: Melissa Leo (Helena Boham Carter e Hailee Steinfield também possuem boas chances de levar o prêmio).

Meu Voto Iria Para: Melissa Leo

MELHOR ROTEIRO ORIGINAL:

"A Origem"
"Minhas Mães e Meu Pai"
"O Discurso do Rei"
"Another Year"
"O Vencedor"

Minha Aposta: "A Origem"

Meu Voto Iria Para: "A Origem"

MELHOR ROTEIRO ADAPTADO:

"127 Horas"
"Toy Story 3"
'Bravura Indômita"
"Inverno da Alma"
"A Rede Social"

Minha Aposta: "A Rede Social"

Meu Voto Iria Para: "A Rede Social"

MELHOR ANIMAÇÃO:

"Toy Story 3"
"Como Treinar Seu Dragão"
"O Mágico"

Minha Aposta: "Toy Story 3"

Meu Voto Iria Para: "Toy Story 3"

MELHOR DIREÇÃO DE ARTE:

"Alice no País das Maravilhas"
"Harry Potter e as Relíquias da Morte Parte 1"
"A Origem"
"O Discurso do Rei"
"Bravura Indômita"

Minha Aposta: "O Discurso do Rei"

Meu Voto Iria Para: "Harry Potter e as Relíquias da Morte Parte 1"

MELHOR FOTOGRAFIA:

"Cisne Negro"
"A Origem"
"O Discurso do rei"
"A Rede Social"
"Bravura Indômita"

Minha Aposta: "Bravura Indômita"

Meu Voto Iria Para: "Cisne Negro"

MELHOR DOCUMENTÁRIO:

"Exit Throght the Gift Shop"
"Gasland"
"Trabalho Interno"
"Restrepo"
"Lixo Extraordinário"

Minha Aposta: "Exit Throght the Gift Shop"

Meu Voto Iria Para: "Lixo Extraordinário" (embora ainda não o tenha assistido, estou torcendo para que ganhe).

MELHOR FILME ESTRANGEIRO:

"Biutiful" (México)
"Dente Canino" (Grécia)
"Em um Mundo Melhor" (Dinamarca)
"Incendies" (Canadá)
"Outside the Law (Hors-la-loi)" (Argélia)

Minha Aposta: "Biutiful"

Meu Voto Iria Para: "Dente Canino"

MELHOR TRILHA SONORA:

"Como Treinar seu Dragão" - John Powell
"A Origem" - Hans Zimmer
"O Discurso do Rei" - Alexandre Desplat
"127 Horas" - A.R. Rahman
"A Rede Social" - Trent Reznor e Atticus Ross

Minha Aposta: "A Origem" - Hans Zimmer (outro forte concorrente é Alexandre Desplat, por "O Discurso do Rei")

Meu Voto Iria Para: "A Origem" - Hans Zimmer

MELHOR MAQUIAGEM:

"Minha Versão do Amor"
"The Way Black"
"O Lobisomem"

Minha Aposta: "O Lobisomem"

Meu Voto Iria Para: "O Lobisomem"

MELHOR MONTAGEM:

"127 Horas"
"Cisne Negro"
"O Vencedor"
"O Discurso do Rei"
"A Rede Social"

Minha Aposta: "127 Horas"

Meu Voto Iria Para: "127 Horas"

MELHOR FIGURINO:

"Alice no País das Maravilhas"
"Io Sono L'amore"
"O Discurso do Rei"
"The Tempest"
"Bravura Indômita"

Minha Aposta: "Bravura Indômita"

Meu Voto Iria Para: "O Discurso do Rei"

MELHOR CANÇÃO ORIGINAL:

Coming Home ("Country Song")
I See the Light ("Enrolados")
If I Rise ("127 Horas")
We Belong Together ("Toy Story 3")

Minha Aposta: We Belong Together

Meu Voto Iria Para: Coming Home

MELHORES EFEITOS VISUAIS:

"Alice no País das Maravilhas"
"Harry Potter e as Relíquias da Morte Parte 1"
"Além da Vida"
"A Origem"
"Homem de Ferro 2"

Minha Aposta: "A Origem"

Meu Voto Iria Para: "A Origem"

MELHOR EDIÇÃO DE SOM:

"A Origem"
"Toy Story 3"
"Tron - O Legado"
"Bravura Indômita"
"Incontrolável"

Minha Aposta: "A Origem"

Meu Voto Iria Para: "A Origem"

MELHOR MIXAGEM DE SOM:

'A Origem"
"O Discurso do Rei"
"Salt"
"A Rede Social"
"Bravura Indômita"

Minha Aposta: "Bravura Indômita"

Meu Voto Iria Para: "O Discurso do Rei"

MELHOR CURTA-METRAGEM DE DOCUMENTÁRIO:

"Killing in The Name"
"Poster Girl"
"Strangers no More"
"Sun Come Up"
"The Warriors of Qiugang"

Minha Aposta: "Strangers no More" (chute)

Meu Voto Iria Para: "Strangers no More" (chute)

MELHOR CURTA-METRAGEM DE ANIMAÇÃO:

"Day & Night"
"The Gruffalo"
"Let's Pollute"
"The Lost Thing"
"Madagascar Carnet the Voyage"

Minha Aposta: "Day & Night"

Meu Voto Iria Para: "Day & Night" (embora "The Gruffalo" seja um curta divertidíssimo e muito recomendado).

MELHOR CURTA-METRAGEM:

"The Confession"
"The Crush"
"God of Love"
"Na Wewe"
"Wish 143"

Minha Aposta: "Wish 143" (chute)

Meu Voto Iria Para: "Wish 143" (chute)

Até o próximo post!

305. Fora da Lei

2011-02-26T17:27:00.000-08:00

A Argélia foi, durante muitos anos, subordinada a França. Durante estes anos, incessantes revoltas e lutas armadas contra a França se estabeleceram, e é este período que é retratado por "Fora da Lei", filme argélio, indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro. Dos cinco indicados a esta categoria, assisti somente dois: "Dente Canino" e "Fora da Lei". Confesso que não possuía interesse nenhum nesta produção, e por isso acabei até me surpreendendo (embora o filme seja mediano). Elementos da trilogia "O Poderoso Chefão" são constantes no decorrer da trama, principalmente nas cenas de morte, por explosões, tiros e estrangulamentos. Mas, em detrimento deste ponto positivo, temos um filme que, de modo geral, é muito longo. São 132 minutos para narrar uma história de revolução, o que não teria problema, mas com um roteiro que muitas vezes se revela repetitivo, "Fora da Lei" deveria ter, no máximo 105 minutos, mais ou menos meia hora a menos que sua duração. E os problemas continuam ainda no elenco, constituído em maior parte por atores em interpretações artificiais e em certos momentos amadoras, isto é comprovado logo de início, na primeira cena do longa, onde a família é despejada de sua terra de origem. Certo que, para contrapor cenas ruins como esta, o filme possui várias cenas muito boas, como a sequência, também no início da projeção, onde militares franceses atacam e promovem uma chacina contra os revolucionários argelinos. Em uma visão panorâmica, "Fora da Lei" é um filme mediano, repleto de altos e baixos, bons e maus momentos, que poderia se tornar um filme bom, se fossem retirados 30 minutos de sua duração. A história: em plena revolução argelina, três irmãos, um revolucionário, um soldado e um dono de cabaret se unem para liderar um grupo revolucionário e lutarem para obter independência da França, que há muito tempo os vinha oprimindo.

(Mediano)

Gênero: Drama

Duração: 132 min.

Ano: 2010

304. Reencontrando a Felicidade

2011-02-25T15:55:00.001-08:00

Não tomarei o meu tempo escrevendo, nem o seu tempo lendo, sobre a imbecilidade e o carater radicalmente errôneo do título brasileiro, uma vez que o título original, "Rabbit Hole", significa Toca do Coelho ou Buraco do Coelho numa tradução ao pé da letra. Deixando de lado o vergonhoso título brasileiro, vamos ao filme. "Reencontrando a Felicidade" é mais do mesmo. A mesma história, a mesma narrativa, as mesmas reviravoltas, mas com atores diferentes. Acontece que esta produção, que tinha capacidade ao menos de ser mais um filme desta linha, pelo menos aceitável, acaba se tornando, por conta de um roteiro fraquíssimo, mal conduzido e mal explorado, um drama vazio, sem essência alguma. Um exemplo do grande fracasso do roteiro: Becca (Nicole Kidman) em certos momentos desconta a raiva em sua família. Nas cenas em que isto ocorre, ao invés de compreendermos o que se passa em sua cabeça e o emaranhado de emoções pela qual está passando, acabamos sentindo raiva e repulsa por ela, e isso neste caso representa uma falha gigantesca. Uma das únicas coisas boas do filme é o elenco, composto por atores antes menosprezados, que aqui liberam todo o talento de que são capazes. Nicole Kidman, indicada ao Oscar 2011 de melhor atriz, encarna com muita veracidade Becca, e Aaron Eckhart, que para mim se eternizou como o Duas-faces em "Batman - O Cavaleiro das Trevas", aqui interpreta um personagem inúmeras vezes mais próximo da realidade, e desempenha um ótimo trabalho. "Reencontrando a Felicidade" foi para mim, uma decepção. Até tinha capacidade, mas um roteiro mal escrito jogou tudo fora. Becca e Howie (Eckhart) são um casal que perderam seu único filho e lutam para superar a dor da perda, mas isto acaba causando sérias crises matrimoniais.

(Ruim)

Gênero: Drama
Duração: 91 min.
Ano: 2011

303. Inverno da Alma

2011-02-24T14:49:00.000-08:00

Interior, campo, neve, inverno, pobreza e desespero. Estes são temas recorrentes em filmes independentes. Como todos os anos, um filme independente ganha um espaço na categoria de melhor filme do Oscar. Este ano, foi a vez de "Inverno da Alma". Se não fosse o Oscar provavelmente este filme não seria lembrado por ninguém, até porque não merece tanto crédito! Não chega a ser ruim, mas é fraco! Não tão fraco quanto "O Vencedor", mas quase se iguala. "Inverno da Alma" carece de um roteiro mais intrigante e interessante, porque em vários momentos o filme acaba se tornando monótono e cansativo. Jennifer Lawrence, uma das poucas coisas impressionantes do filme, desempenha um trabalho incrível como Ree Dolly, uma jovem destinada a encontrar seu pai, ex-presidiário, que nomeou sua casa como garantia de que compareceria a uma audiência. Se ela não o encontrar, irá perder tudo e, como é pobre, possui uma mãe doente e dois irmãos pequenos para cuidar, a perda da casa significaria a perda total de uma perspectiva de vida, de mudança, que mesmo muito distante, ainda está presente. A construção da personagem feita por Lawrence é digna de aplausos. Notem que, em raros momentos, Ree se deixa levar pelas emoções, ela é sempre racional, concentrada e focada. E essa atitude é muito transparecida por Jennifer. Na verdade, o maior pecado de "Inverno da Alma" é ser muito trivial. Não deixa nada marcado na memória do espectador, e como consequência, é facilmente esquecido. Nenhum diálogo é memorável, nenhuma reviravolta é interessante, nenhum personagem (com exceção de Ree Dolly) é marcante. Se fosse fazer um gráfico para demonstrar minhas sensações durante o filme, com certeza este iria ser somente uma linha reta.

(Mediano)

Gênero: Drama

Duração: 100 min.

Ano: 2010

302. O Discurso do Rei

2011-02-20T12:09:00.000-08:00

Por escolha própria resolvi colocar um dos pôsters americanos de "O Discurso do Rei" para ilustrar este post, uma vez que o pôster brasileiro chega a ser um insulto ao próprio filme. Campeão de indicações ao Oscar deste ano (o que não significa que tem vantagens e mais chances de ganhar do que os outros, vide "Avatar" ano passado), uma coisa é certa: esta produção merece cada indicação! A mixagem de som é fabulosa, o figurino, bem como a fotografia, são extremamente eficazes ao retratar um mundo triste e sem vida, através da perspectiva do personagem principal, uma vez que a crise pela qual está passando é tão grande que ele é incapaz de conseguir encontrar alegria em algo, exceto sua casa e família, o que explica as atitudes arrogantes, nervosas e estressadas dele. Uma das categorias mais disputadas da noite será, ao meu ver, a de melhor edição. Exceto por "O Vencedor" todos os outros filmes merecem ganhar e possuem uma edição sublime. Mas eu acho que "O Discurso do Rei" perde, por pouco, de "127 Horas". Edição esta que aplica de forma inteligentíssima cortes de cena quase que imperceptíveis, que aliados a maravilhosa trilha sonora de Alexandre Desplat, que a pouco tempo já havia composto a trilha de "Harry Potter e as Relíquias da Morte Parte 1", criam cenas irretocáveis. Os diretores de arte fazem um trabalho espetacular ao retratar uma Inglaterra na década de 30, que, no terceiro ato, declara guerra contra a Alemanha. Como se não bastasse, "O Discurso do Rei" nos presenteia com um elenco formidável, que inclui Colin Firth, fabuloso como no filme anterior em que atuou, "Direito de Amar", que lhe rendeu uma indicação ano passado. Contracenando com ele, Helena Boham Carter prova que consegue fazer mais do que a louca Bellatrix, da franquia "Harry Potter" ou até de um papel nos filmes de Tim Burton (seu marido). Aqui ela deixa sua interpretação esdrúxula de lado e encarna uma mulher normal, decidida a ajudar e apoiar o marido a qualquer custo. Vemos uma Helena muito diferente. Quase irreconhecível, que se não fosse por Melissa Leo, ela ganharia na categoria de atriz coadjuvante. Geoffrey Rush, também incrível fecha o elenco central. Mas quem brilha mesmo é Tom Hooper (o diretor), que consegue organizar todos estes talentos e elementos do filme de forma invejável. E para finalizar, "O Discurso do Rei" possui um roteiro brilhante que conta a história de um descendente do troco inglês que é gago. Seu problema começa quando tem que falar em público. Para ajudá-lo, sua esposa o leva a um terapeuta especializado nesta área para tratá-lo. Por algum motivo que, para falar a verdade, nem eu sei porque, não dou cinco estrelas para este filme, nem o considero excelente, mas com certeza, é um filme muito bom, que merece ser visto por todos. Esta produção pode ser até um meio de auto-ajuda para os que sofrem da mesma doença.

(Muito Bom)

Gênero: Drama
Duração: 118 min.
Ano: 2010

301. Dente Canino

2011-02-19T03:40:00.000-08:00

Um casal cria seus três filhos trancados dentro de sua casa. Eles os educam e os criam em um mundo alternativo, sem interferência alguma do exterior. Esta é, basicamente, a plot de "Dente Canino". Basicamente porque o filme vai muito mais além disto. Esta produção grega, indicada ao Oscar de melhor filme estrangeiro, provoca muitas indagações e questionamentos no público que o assiste. Para muitos "Dente Canino" (também conhecido pelo título "Dogtooth") pode se revelar um filme vazio, com carência de um roteiro envolvente. Só que estes que possuem esta opinião não conseguiram ter uma visão geral do filme. "Dente Canino" provoca uma discussão sobre a natureza humana. O que levou os pais a criarem seus filhos desta maneira? O que levou os filhos a promoverem constantes atos de violências e sexualismo, uns com os outros? As respostas destas incógnitas ficam a cargo do espectador. Em momento algum o roteiro desta produção se preocupa em explicar os fatos que vemos, pelo contrário, ao invés de explicar, o roteiro se limita a mostrar o cotidiano desta família esdrúxula e as ações e reações de cada indivíduo em particular. Por isto, muitas vezes "Dente Canino" é considerado um filme vazio, mas volto a dizer, discordo completamente desta afirmação. Além disto, este é um filme violentíssimo, muito polêmico e explícito, mas cada elemento polêmico não está solto a esmo na narrativa, tudo contribui para provocar certas reações desejadas no público. Sim, de certa forma este filme manipula o público. Conforme os minutos de projeção passavam, fui me lembrando de outras produções muito parecidas com esta, tanto em estilo narrativo, quanto em edição e fotografia. Lembrei de "O Homem Que Incomoda", filme norueguês, lembrei da comédia escrachada "Napoleon Dynamite" e, principalmente, dos filmes de Michael Haneke. E o que estes filmes têm em comum? Além do, como citei acima, todos estes filmes passam a impressão de que os personagens vivem em um mundo mórbido, triste, egoísta e deprimente, bem ao estilo noir. Ainda não assisti "Biutiful", mas este é um forte candidato ao prêmio de filme estrangeiro. É forte, denso, polêmico, e revela uma assustadora verdade sobre o ser humano e suas relações sociais.

(Bom)

Gênero: Drama
Duração: 92 min.
Ano: 2009

300. 127 Horas

2011-02-17T12:37:00.001-08:00

É muito bom comentar na minha crítica de número 300 um filme tão especial! Confesso que fui assisti-lo sem a menor expectativa e me surpreendi muito, muito mesmo! Até hoje, assisti somente quatro filmes de Danny Boyle. São eles: "Quem Quer Ser Um Milionário?", "A Praia", "Sunshine - Alerta Solar" e "127 Horas". São poucos, não assisti mais por falta de oportunidade, não de interesse, porque Boyle concebe trabalhos ao menos interessantes. Todavia, esses poucos exemplares de sua filmografia já são suficientes para eu constatar que Danny Boyle é um diretor muito bom! Dos quatro, o único filme ruim é "A Praia", que foi uma decepção muito grande. E o melhor do diretor é "127 Horas", sem dúvidas! O grande desafio para Boyle e sua equipe era fazer um filme de pouco mais de 90 minutos, que se passa 90% em um buraco, sem se tornar cansativo, maçante, ou até apelar para longas introduções, de 40 minutos, sem importância alguma à narrativa, uma vez que 15 minutos já são suficientes para apresentar os personagens em um filme deste tipo. Esta produção é objetiva, não perde tempo com coisas desnecessárias, e consegue entreter de forma magistral! O grande trunfo do filme foi possuir uma edição genial, que é a minha aposta a esta categoria do Oscar 2011. Constantes telas divididas, músicas perfeitamente encaixadas nas imagens, cortes rápidos, entre outras coisas criam um filme que em momento algum deixa a peteca cair, pelo contrário, entusiasma mais e mais com o passar dos minutos. Outra grande sacada de "127 Horas" foi inserir flashbacks e Aron (o personagem de James Franco) interagir com os mesmos. Assim, o filme volta no tempo para mostrar sua família, quando volta ao presente, vemos Aron comentando ou murmurando sobre esta recordação. Agora o momento que, para mim, é o mais genial do filme, se dá quando Aron, numa tentativa de se manter ocupado cria um reality show na própria mente, com direito a comentário de amigos dele (em um quadrado no canto esquerdo inferior da tela) e até risadas falsas de sitcom! James Franco, dando vida ao personagem (real) Aron Ralston, está soberbo, na melhor interpretação de sua carreira, atuando no melhor filme em que participou! "127 Horas" é baseado em uma história real de um alpinista, que fazia escaladas nas montanhas de Utah (E.U.A), quando acaba caindo em um buraco e seu braço fica preso entre uma rocha e a parede do buraco. Ele luta para sobreviver e manter sua sanidade.

(Excelente)

Gênero: Drama
Duração: 94 min.
Ano: 2010

299. Minhas Mães e Meu Pai

2011-02-16T06:58:00.000-08:00

Algo que percebi a pouco tempo é que este ano a maioria dos filmes indicados ao Oscar de melhor filme possuem um elenco fabuloso! É o caso de "O Vencedor", "O Discurso do Rei", "Cisne Negro", "A Rede Social", "Bravura Indômita", "127 Horas", e "Minhas Mães e Meu Pai". Annette Bening está fabulosa, e é um forte candidata ao Oscar de melhor atriz, bem como Julianne Moore que, ao meu ver, foi injustiçada por passar despercebida, sem nenhuma indicação a mesma categoria. Mark Ruffalo também fantástico, adquiri um tom de voz único e inenarrável, que se não fosse Christian Bale, ele ganharia o prêmio de ator coadjuvante. E Josh Hutcherson, embora não esteja sensacional, evoluiu muito após "Viagem ao Centro da Terra". Lembro-me dele ainda pequeno, em "ABC do Amor" e "Zathura - Uma Aventura Espacial", que aqui, neste mais novo filme em que atua, interpreta um garoto de 15 anos, que mais parece ter 18 (que é a idade real de Hutcherson). Este filme também foi indicado a mais duas categorias: melhor filme e melhor roteiro original. Este, bem como "O Vencedor", na minha opinião, não merecem estar concorrendo nesta última. Filmes roteiristicamente geniais como "Cisne Negro" foram esquecidos. Contando com uma edição simples, e uma direção eficiente, "Minhas Mães e Meu Pai" talvez não mereça nem estar concorrendo a melhor filme, mas com certeza, diverte e aborda de maneira muito eficaz o tema homossexualismo, ao contar a história de duas mulheres casadas, que possuem dois filhos. Inicialmente a relação dos quatro é satisfatoriamente estável, até que, por curiosidade, os filhos do casal de mulheres vão atrás do doador de esperma, com o qual as mães puderam realizar a inseminação. A estabilidade familiar muda com a entrada do doador na vida da família.

(Bom)

Gênero: Drama
Duração: 106 min.
Ano: 2010

298. O Lobisomem

2011-02-14T06:52:00.000-08:00

Não se admirem se esta minha crítica possuir pouco mais de 20 linhas de extensão, porque "O Lobisomem" é um filme que não merece ser comentado, e para falar a verdade, nem sei o que comentar dele. Este é um daqueles filmes que quando acaba não deixa nada guardado na memória do espectador. Absolutamente nada! A projeção se finaliza, e já esquecemos de tudo sobre o filme e até, porque não, de sua existência! Para começar, qual o sentido de se fazer um filme onde o rosto do lobisomem é preservado escondido até metade da produção (numa tentativa de criar suspense acerca de como seria o rosto do monstro), se logo no pôster do filme, o rosto do referido já é mostrado?! E aliás, tentar criar suspense acerca do rosto de um lobisomem é ridículo, levando em conta que este é um dos monstros mais conhecidos e comentados do mundo! Todos já sabem como ele é, e com que ele se parece! A todo momento "O Lobisomem" opta por inserir sustos gratuitos na narrativa, sem nenhum motivo, e que, aliados as cenas de sonho ou delírio do personagem principal, formam cenas vergonhosas. Logo aos 10 minutos de projeção, este filme acaba se revelando um desperdício de atores competentes, mas com atuações bem fracas neste filme, como Benício Del Toro e Anthony Hopkins, este último, que algumas vezes incorporou magistralmente o psicopata Hannibal Lecter, na trilogia iniciada em "O Silêncio dos Inocentes", aqui volta a interpretar um personagem cínico, transtornado e psicótico, mas desta vez não chega nem aos pés de sua própria atuação como Lecter. Esta mais nova refilmagem do clássico de 1941, com o mesmo título, só possui um ponto positivo: a maquiagem. Esta foi a responsável pela única indicação deste filme ao Oscar 2011. Merece ganhar? Sim. Ora...vejam só! Consegui passar de 20 linhas! Vou encerrar esta crítica por aqui, mas antes a história: Um homem é mordido por um lobisomem e, toda lua cheia, se transforma no monstro e sai matando tudo e todos em seu caminho.

(Horrível)

Gênero: Aventura
Duração: 102 min.
Ano: 2010

297. O Vencedor

2011-02-11T05:06:00.000-08:00

O pôster de "O Vencedor" não faz juz ao filme. Excluir Melissa Leo da capa é um erro imensurável! Ela toma todas as cenas em que aparece e, com certeza, é uma forte candidata ao Oscar de melhor atriz coadjuvante, e é também a minha aposta para a categoria. Categoria esta na qual Amy Adams foi indicada também por "O Vencedor", algo raro de se acontecer. O que prova que o filme possui força no elenco. Na verdade, as interpretações dos atores são as únicas coisas que salvam o filme. Porque sem eles, o filme não seria nada! "O Vencedor" só se vale pelos atores, pena que isso seja suficiente somente para transformar um filme ruim, em mediano, não para salvar completamente a obra. Amy Adams deixa de lado a pose e a compostura, para dar vida a uma personagem forte e decidida, e muitas vezes ciumenta. Aliás, é ela, na única cena em que supera a atuação de Melissa Leo, que proporciona uma das melhores sequências do filme, onde a mesma briga com a irmã do personagem de Mark Wahlberg, após alguns minutos de provocação. Mas, como disse anteriormente, é Melissa Leo que se destaca. Como em "Rio Congelado", seu desempenho é soberbo! Desde o tom de voz, até as representações faciais. Compondo o elenco masculino, Christian Bale, também fabuloso, como o irmão drogado, possui fortes chances de ganhar melhor ator coadjuvante, e mais uma vez, esta é minha aposta. E, para fechar o elenco, Mark Wahlberg, na melhor interpretação de sua carreira, foi injustiçado por não concorrer a melhor ator este ano. Em detrimento aos ótimos atores/atrizes temos um roteiro, na minha opinião, fraco, que se torna muito arrastado com o passar dos minutos. Mas o que mais me incomodou foi que frequentemente "O Vencedor" nos força sensações. A todo momento, somos influenciados e forçados a sentir determinado sentimento. O filme nos força a sentir pena, angústia, alegria, e até a nos chocarmos. Mas o feitiço vira contra o feitiçeiro, porque ao invés de sentirmos a sensação imposta pelo filme, sentimos uma sensação de desconforto por estarmos vendo uma coisa tão forçada. Para exemplificar, citarei a cena em que vemos pela primeira vez o irmão de Mickey se drogando. Quando ele começa a se drogar, a cena é convertida para slow motion, e uma trilha sonora absurdamente deprimente toca ao fundo, forçando a nos chocarmos com a situação, mas fracassadamente. Com certeza, se o filme deixasse as emoções surgirem naturalmente, ele seria muito melhor. David O'Russel nunca dirigiu trabalhos dignos de muitos elogios, e "O Vencedor" não é diferente. Não merece nem metade das categorias as quais foi indicado, exceto as duas indicações a atriz coadjuvante, e a de ator coadjuvante. O filme acompanha a trajetória de Mickey (Wahlberg), um boxeador, em busca do título mundial de pesos-leves.

(Mediano)

Gênero: Drama
Duração: 115 min.
Ano: 2011

296. Bravura Indômita

2011-02-10T06:01:00.000-08:00

Não gosto de faroeste. Este é o único gênero fílmico que raramente assisto. E com "Bravura Indômita" não foi diferente. Apesar de eu gostar dos irmãos Coen e de Jeff Bridges, confesso que não pretendia assistir a este mais novo trabalho deles. Mas foi quando o mesmo foi indicado a 10 categorias do Oscar, que decidi dar uma chance e assisti-lo. E que surpresa! Não esperava que me divertiria tanto com um faroeste! Não é uma obra-prima, e está longe de ser o melhor filme dos Coen, que para mim é "Arizona Nunca Mais", mas consegue divertir e entreter como raramente um faroeste conseguiu. Pelo menos para mim. Com um roteiro muito bom, que possui fortes chances de ganhar o Oscar de roteiro adaptado, rivalizando o outro favorito ao prêmio, "A Rede Social", "Bravura Indômita" consegue, com diálogos inspirados, sendo proferidos por atores em interpretações fabulosas, criar cenas emocionantes, e até algumas de alívio cômico. Vale também assistir este filme para presenciar o primeiro trabalho da atriz mirim, Hailee Steinfeld. Esta menina tem talento! E, com certeza, uma carreira promissora pela frente. Ela faz valer sua indicação a melhor atriz coadjuvante, principalmente por construir uma personagem muito profunda. Na maioria do filme, ela é determinada, avançada e "durona", muitas vezes mais "durona" que o próprio cowboy principal. Anotem este nome: Hailee Steinfeld. Ela é uma excelente atriz, e está só em seu trabalho de estreia. Contracenando com Steinfeld, Jeff Bridges praticamente repete sua própria interpretação em "Coração Louco", que lhe rendeu o Oscar de melhor ator, ano passado. Esta repetição é quase que inevitável, uma vez que os personagens são muito parecidos. Se em "Coração Louco", Bridges era um cowboy moderno, que cantava música country, e tinha problemas com bebida, aqui em "Bravura Indômita" ele é um cowboy do velho oeste bêbado. De certa forma, Mattie Ross (a personagem de Steinfeld) adota Marshal (Bridges) como um pai. E, para completar, Matt Damon, sob uma maquiagem carregada, interpreta o ajudante e amigo de Bridges. A direção dos irmãos Coen também é excelente, mas não possui chances de ganhar o Oscar. A edição do filme deixa a desejar, em contrapartida, o som é muito bom. "Bravura Indômita" conta a história de uma menina que sai para vingar a morte de seu pai. Ela se une a um cowboy grosseiro e bêbado, e juntos vão em busca do assassino.

(Bom)

Gênero: Drama/Western
Duração: 110 min.
Ano: 2010

295. Exit Through the Gift Shop

2011-02-09T14:49:00.001-08:00

Banksy. Gosto de dizer que Banksy é o Da Vinci da street art, ou arte de rua. Confesso que só tomei conhecimento deste documentário quando vários críticos e cinéfilos o comentavam e elogiavam, quando ele foi exibido no Festival do Rio 2010. Nem preciso dizer que este é um longa independente, alternativo e de baixo orçamento. Está longe do convencional. Mas, se pararmos para analisar, Banksy não é nada convencional, então, tudo se encaixa! Aliás, Banksy assume a direção deste filme. E, em seu filme de estreia (e provavelmente último, pois antes dos créditos finais surge a frase: "Banksy nunca mais irá ajudar ninguém a fazer um documentário sobre arte de rua"), ele adota uma técnica narrativa um tanto diferente. Quando tomou conhecimento de que um imigrante francês, que mora em Los Angeles, é obcecado por filmar artistas de rua, e que as filmagens dele eram arquivadas e nunca mais usadas, Banksy decidiu se unir ao imigrante, resgatar as imagens e juntos fazerem um documentário sobre o assunto. Mas, com as imagens resgatadas, e algumas outras filmadas posteriormente, Banksy conseguiu englobar muito mais do que alguns artistas de rua pintando paredes e montando esculturas. "Exit Through the Gift Shop" é um documentário sobre a arte de rua, sobre o imigrante francês, que mais tarde será conhecido por Sr. Brainwash, e finalmente, sobre Banksy. Uma proposta original, uma vez que vemos uma espécie de documentário, dentro de outro documentário maior. O filme se inicia bem, mas começa a decair aos 40 minutos de projeção. Não que o filme fique ruim, mas, deixa de ser um filme excelente, pra ser um filme simplesmente bom. Ganhou uma indicação ao Oscar, em melhor documentário. Ainda não assisti "Lixo Extraordinário", mas tenho intuições de que este último irá levar o prêmio, e pra falar a verdade, estou torcendo por ele, mesmo sendo somente uma co-produção brasileira, sinto que o devo apoiar. Contudo, eu não sou mulher, sendo assim, minhas intuições são pouquíssimamente confiáveis. Se você é fã de Banksy, este documentário é um prato cheio para você! Se você não o conhece, vale a pena para você conferir e conhecer este gênio da arte de rua. Seus trabalhos são incríveis e muitas vezes nos recusamos a acreditar que foram feitos a mão, e com spray!

(Bom)

Gênero: Documentário
Duração: 86 min.
Ano: 2010

294. Como Treinar Seu Dragão

2011-02-04T07:25:00.000-08:00

Não li o livro "Como Treinar Seu Dragão", que foi um grande sucesso de vendas, e o responsável pelo sucesso do filme, que recebeu o mesmo título. "Como Treinar Seu Dragão" também foi indicado ao Oscar de melhor animação. Mereceu a indicação? Sim. Merece ganhar? Não! "Toy Story 3" é sem dúvida muito superior a esta animação da DreamWorks que, aos poucos, vai conquistando maior espaço no mundo das animações. O problema deste filme reside em seu roteiro ser muito óbvio, que, aos 10 minutos de projeção, já sabemos como o filme acabará. Clichês e elementos óbvios não são deméritos de um filme animado, mas se você cria um roteiro inteiro e completamente óbvio, daí você tem um problema! Em termos técnicos, "Como Treinar Seu Dragão" se sai muito bem. Possui uma animação rica em detalhes (principalmente na concepção dos cenários), que aliados a uma boa fotografia, que aposta muito em planos altos, o que cria um ambiente muito bom para a animação. Assisti a versão dublada, por tanto, não pude escutar Gerard Butler emprestar sua voz a Stoico, o pai de Soluço (reparem que os nomes são meio "diferentes"). No geral, este é um bom filme, que até diverte em alguns momentos , mas peca no roteiro, que conta a história de um garoto viking chamado Soluço, que se torna amigo de um dragão, chamado Banguela. Os dragões são os maiores inimigos dos vikings. Mas Banguela é diferente.

(Bom)

Gênero: Animação
Duração: 94 min.
Ano: 2010

293. Skyline - A Invasão

2011-01-26T07:51:00.000-08:00

Responsáveis por "Alien Vs. Predador 2" (seu primeiro longa), os irmãos Strause novamente apostam no tema alienígena para seu segundo e mais novo longa, "Skyline - A Invasão", que acaba se igualando ao fracasso do primeiro. Se em "Alien Vs. Predador 2" havia alguma dúvida, agora está mais que comprovado que a dupla de irmãos possuem uma incompetência absurda na direção. Eles não são capazes de inovar em nenhum aspecto e nem (pasmem!) de estabelecer pelo menos um plano sequência que preste! Dos poucos planos-sequência do filme, porque para os irmãos Strause é muito mais cômodo empregar cortes na cena, que usar um recurso um pouco mais elaborado, eles ainda os conseguem estragar. E no ambiente em que o filme se passa, quase todo dentro de um prédio de luxo, poderiam ser criadas cenas incríveis, embora simples, como uma câmera acompanhando os personagens por entre os corredores do prédio, para brincar um pouco de Kubrick em "O Iluminado", mas isso não acontece. E, pensando bem, foi até melhor, porque soaria pejorativo para os fãs de Kubrick (como eu), ver o maior diretor da história do cinema ser homenageado num filme tão ruim! "Skyline - A Invasão" conta ainda com um roteiro horrível e mal elaborado. Basta notar que, como acontece em vários filmes de Hollywood, uma cena de ação é antecipada e colocada como a primeira cena do filme, servindo como um teaser para o que irá se seguir. "Skyline - A Invasão" possui este recurso, mas o mesmo é aplicado de forma absurdamente incompetente e errônea, pois somos apresentados à cena inicial, onde um dos personagens é abduzido, para, logo depois, o filme voltar 15 horas no tempo, e depois de menos de 15 minutos, voltar a cena inicial. Este recurso somente funciona se o intervalo do teaser inicial para a cena completa for de no mínimo 30 minutos. Esta produção realiza esta técnica em menos da metade deste tempo. Além disso, o roteiro possui diálogos ridículos, que, somados a um elenco onde todos os atores e atrizes são pavorosos, criam cenas tão ruins que chegam a nos manifestar um sentimento de vergonha alheia! Mas "Skyline - A Invasão" possui um ponto positivo: os feitos especiais. Estes são tão bons que realmente é difícil de acreditar que esta é uma produção de baixo orçamento. Vemos naves, alienígenas, aviões e helicópteros extremamente bem detalhados e realistas. Mas este é o único atrativo. O filme não possui mais nada de bom. Absolutamente nada! E, como se não bastasse, "Skyline - A Invasão" ainda plagia filmes como "Guerra dos Mundos", "Independence Day" e "Cloverfield - Monstro", além claro, do filme "Battle Los Angeles", do qual os irmãos Strause roubaram a ideia, e desviaram dinheiro para fazer esse mais novo fracasso. Desta vez, um grupo de amigos precisa lutar para sobreviver a um ataque alienígena, de abdução em massa.

(Muito ruim)

Gênero: Ação/Ficção
Duração: 92 min.
Ano: 2010

Cinefilia 09: Oscar 2011: Os Indicados!

2011-01-25T06:02:00.000-08:00

Agora a pouco foi divulgada a lista dos indicados ao Oscar 2011! Alguns dos filmes indicados já assisti e até fiz críticas para o C de Cinema, mas ainda restam muitos filmes para ver antes da cerimonia. Não venho aqui dar minhas apostas, pois o farei em uma outra coluna, mas venho comentar os indicados.

Sem muitas surpresas, confesso que não me senti tão frustrado pelas injustiças que ano, após ano, são cometidas pelo Oscar. Apenas me decepcionei que Christopher Nolan não concorreu na categoria melhor diretor, por "A Origem", e me surpreendi (surpresa boa) que "O Mágico",uma animação francesa, concorre a melhor animação, e que "Lixo Extraordinário", documentário brasileiro, concorre a melhor documentário.

Sem mais delongas, a lista completa segue abaixo. Resta a vocês julgarem e analisarem, opinando nos comentários (se possível) o que acharam da lista:

MELHOR FILME:

"Cisne Negro"

"O Vencedor"
"A Origem"
"Minhas Mães e Meu Pai"
"O Discurso do Rei"
"127 Horas"
"A Rede Social"
"Toy Story 3"
"Bravura Indômita"
"Inverno da Alma"

MELHOR DIRETOR:

Darren Aronofsky ("Cisne Negro")
David Fincher ("A Rede Social")
Tom Hooper ("O Discurso do Rei")
Irmãos Coen ("Bravura Indômita")
David O'Russell ("O Vencedor")

MELHOR ATOR:

Javier Bardem ("Biutiful")
Jeff Bridges ("Bravura Indômita")
Jesse Eisenberg ("A Rede Social")
Colin Firth ("O Discurso do Rei")
James Franco ("127 Horas")

MELHOR ATRIZ:

Nicole Kidman ("Reencontrando a Felicidade")
Natalie Portman ("Cisne Negro")
Jennifer Lawrence ("Inverno da Alma")
Annete Bennig ("Minhas Mães e Meu Pai")
Michelle Williams ("Blue Valentine")

MELHOR ATOR COADJUVANTE:

Christian Bale ("O Vencedor")
Geoffrey Rush ("O Discurso do Rei")
Mark Ruffalo ("Minhas Mães e Meu Pai")
Jeremy Renner ("Atração Perigosa")
John Hawkes ("Inverno da Alma")

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE:

Melissa Leo ("O Vencedor")
Helena Boham Carter ("O Discurso do Rei")
Hailee Steinfeld ("Bravura Indômita")
Amy Adams ("O Vencedor")
Jacki Waver ("Reino Animal")

MELHOR ROTEIRO ORIGINAL:

"A Origem"
"Minhas Mães e Meu Pai"
"O Discurso do Rei"
"Another Year"
"O Vencedor"

MELHOR ROTEIRO ADAPTADO:

"127 Horas"
"Toy Story 3"
'Bravura Indômita"
"Inverno da Alma"
"A Rede Social"

MELHOR ANIMAÇÃO:

"Toy Story 3"
"Como Treinar Seu Dragão"
"O Mágico"

MELHOR DIREÇÃO DE ARTE:

"Alice no País das Maravilhas"
"Harry Potter e as Relíquias da Morte Parte 1"
"A Origem"
"O Discurso do Rei"
"Bravura Indômita"

MELHOR FOTOGRAFIA:

"Cisne Negro"
"A Origem"
"O Discurso do rei"
"A Rede Social"
"Bravura Indômita"

MELHOR DOCUMENTÁRIO:

"Exit Throght the Gift Shop"
"Gasland"
"Trabalho Interno"
"Restrepo"
"Lixo Extraordinário"

MELHOR FILME ESTRANGEIRO:

"Biutiul" (México)
"Dogtooth" (Grécia)
"Em um Mundo Melhor" (Dinamarca)
"Incendies" (Canadá)
"Outside the Law (Hors-la-loi)" (Argélia)

MELHOR TRILHA SONORA:

"Como Treinar seu Dragão" - John Powell
"A Origem" - Hans Zimmer
"O Discurso do Rei" - Alexandre Desplat
"127 Horas" - A.R. Rahman
"A Rede Social" - Trent Reznor e Atticus Ross

MELHOR MAQUIAGEM:

"Minha Versão do Amor"
"The Way Black"
"O Lobisomem"

MELHOR MONTAGEM:

"127 Horas"
"Cisne Negro"
"O Vencedor"
"O Discurso do Rei"
"A Rede Social"

MELHOR FIGURINO:

"Alice no País das Maravilhas"
"Io Sono L'amore"
"O Discurso do Rei"
"The Tempest"
"Bravura Indômita"

MELHOR CANÇÃO ORIGINAL:

Coming Home ("Country Song")
I See the Light ("Enrolados")
If I Rise ("127 Horas")
We Belong Together ("Toy Story 3")

MELHORES EFEITOS VISUAIS:

"Alice no País das Maravilhas"
"Harry Potter e as Relíquias da Morte Parte 1"
"Além da Vida"
"A Origem"
"Homem de Ferro 2"

MELHOR EDIÇÃO DE SOM:

"A Origem"
"Toy Story 3"
"Tron - O Legado"
"Bravura Indômita"
"Incontrolável"

MELHOR MIXAGEM DE SOM:

'A Origem"
"O Discurso do Rei"
"Salt"
"A Rede Social"
"Bravura Indômita"

MELHOR CURTA-METRAGEM DE DOCUMENTÁRIO:

"Killing in The Name"
"Poster Girl"
"Strangers no More"
"Sun Come Up"
"The Warriors of Qiugang"

MELHOR CURTA-METRAGEM DE ANIMAÇÃO:

"Day & Night"
"The Gruffalo"
"Let's Pollute"
"The Lost Thing"
"Madagascar Carnet the Voyage"

MELHOR CURTA-METRAGEM:

"The Confession"
"The Crush"
"God of Love"
"Na Wewe"
"Wish 143"

292. Resident Evil 4: Recomeço

2011-01-20T14:03:00.000-08:00

"Resident Evil 4: Recomeço" possui uma sequência inicial (que abriga os créditos iniciais) fantástica! Nela, acompanhamos o ataque de uma zumbi a um cidadão chinês. Nesta cena, o uso do slow motion é empregado no timing perfeito, resultando numa maravilhosa demonstração da tecnologia. Mas infelizmente isto dura pouco. Na primeira aparição de Milla Jovovich, e, consequentemente, na primeira sequência de ação do filme (aos 8 minutos de projeção), "Resident Evil 4: Recomeço" começa a decair de nível numa velocidade lastimável. Se na sequência inicial o slow motion favorecia o filme, pois era aplicado de forma acertada, aos 8 minutos, essa tecnologia deixa de ser bela, para se tornar extremamente cansativa e enjoativa, uma vez que o diretor ultrapassa o limite, e insere uma quantidade exagerada de slow motions, que perduram até o final da projeção, em todas as cenas de ação, deixando-as sem ritmo algum. E, como se não bastasse, as sequências de ação acabam, logo de início, plagiando explicitamente a trilogia "Matrix" (seja pelos giros no ar, pela caminhada nas paredes - verticalmente -, ou até pelos desvios de balas). Milla Jovovich é a única atriz do elenco que possui uma interpretação razoável (prefiro muito mais ela em "Contatos de 4º Grau"), porque o resto do elenco, os atores coadjuvantes, são muito ruins, criando assim, uma dessincronia pavorosa. "Resident Evil 4: Recomeço" acaba se tornando o pior filme da série, iniciada em "Resident Evil: O Hospede Maldito", seguido por "Resident Evil 2: Apocalipse", e com seu terceiro exemplar : "Resident Evil 3: Extinção". Neste quarto filme, a luta contra a corporação Umbrella continua, mas desta vez, a personagem de Jovovich possui a ajuda de mais algumas pessoas que, como ela, querem apenas sobreviver ao T-vírus, e consequentemente, aos zumbis.

(Ruim)

Gênero: Ação
Duração: 97 min.
Ano: 2010

291. Os Mercenários

2011-01-20T13:09:00.000-08:00

Como o próprio título original já diz, "The Expendables" (Os Descartáveis) personifica no grupo de mercenários (liderado por Stallone) uma das coisas mais descartáveis da ética e da moral humana: assassinar por dinheiro. Mas se até então achávamos que os mercenários eram os fora-da-lei, isso se inverte ao sermos apresentados à máfia que domina uma cidade do México, situação que transforma os anti-éticos/morais mercenários em heróis... ou melhor, anti-heróis. O novo filme estrelado, escrito e dirigido por Silvester Stallone, um dos maiores astros de ação do cinema mundial, denominado "Os Mercenários" reúne uma quantidade rara de atores de ação famosos, alguns veteranos, outros nem tanto. Além de Stallone, vemos Jason Stathan, Jet Li, Mickey Rourke, Bruce Willis e até uma participação especial de Arnold Schwarzenegger, que rende uma boa piada, proferida por Willis, quando diz: "Ele quer ser presidente dos E.U.A!". De fato, todo o elenco está maravilhosamente bem integrado, resultando em cenas muito divertidas. A ação do filme é bem coreografada e possui um ritmo contagiante. Mas em detrimento a estes pontos positivos, "Os Mercenários" erra por tornar a violência muito apelativa e, outro grande erro, ter efeitos especiais muito fracos, revelando constantemente a computadorização do sangue e das explosões do filme. Não somente os efeitos são fracos, mas também o roteiro, escrito a duas mãos, uma delas Stallone, deixa muito a desejar, por possuir inúmeros clichês e uma história sem criatividade alguma, que serve somente de desculpa para a reunião de alguns dos astros de ação mais famosos da atualidade. "Os Mercenários" com certeza possuia capacidade de ser um grande filme, mas isto infelizmente não aconteceu. Stallone interpreta o líder de um grupo de mercenários que é contratado para matar o chefe de uma máfia que governa, de forma tirana, uma cidade no México. Filme onde as atuações do elenco são ruins, mas o carisma e o espírito de camaradagem de todos impressiona e até cativa o público, pena que isso não seja suficiente para salvar o filme!

(Ruim)

Gênero: Ação
Duração: 104 min.
Ano: 2010

290. Cisne Negro

2011-01-13T13:28:00.000-08:00

2011 mal começou, mas já posso afirmar com certeza que "Cisne Negro" é um dos melhores filmes lançados comercialmente este ano, aqui no Brasil, uma vez que esta produção já havia sido lançada no final de 2010, nos E.U.A. "Cisne Negro" possui o perfeito equilíbrio entre realidade, e fantasia macabra, algo já foi realizado por Darren Aronofsky (o diretor), no excelente "Fonte da Vida", mas que alcança, praticamente, a perfeição neste seu mais novo longa, que por sua vez, é o melhor filme do diretor, que possui em sua filmografia filmes muito bons, como "O Lutador" e o já referido acima, "Fonte da Vida". Aronofsky, como de costume, desempenha uma direção magistral, basta notar o absoluto controle do mesmo sobre o filme. Além de ser um dos melhores filmes deste ano, é o melhor filme de Natalie Portman (conseguindo superar até a obra-prima "Closer - Perto Demais"), que está numa de suas melhores interpretações, como Nina, uma bailarina que se vê ameaçada por Lily, outra bailarina que também disputa o papel principal na peça O Lago dos Cisnes. Aos poucos a trama deixa de ser um simples drama, para se tornar um thriller psicológico, abordando cobiça e obsessão, gerada pela busca da perfeição. Interpretando o diretor da peça, vemos Vicent Cassel, que para mim, é um dos atores mais ecléticos da atualidade. Já trabalhou em filmes franceses (sua nacionalidade), inclusive com o diretor Gaspar Noé, em filmes brasileiros, com Heitor Dhalia, em animações, emprestando sua voz ao Sr. Hood, em "Shrek", passando pelas mãos de Steven Soderbergh, em "Doze Homens e Outro Segredo" e "Treze Homens e um Novo Segredo", até cair nas mãos de Aronofsky, neste longa. Como em "Irreversível", sua interpretação é estupenda. Além disso, "Cisne Negro" ainda conta com uma edição soberba e uma fotografia magnífica, que em alguns momentos possui um tom de filme independente, o que aumenta ainda mais a aproximação do público para com o filme. No final das contas, "Cisne Negro" se revela ser melhor que "A Rede Social"(que é um filme muito, muito bom!)!

(Obra-prima)

Gênero: Drama
Duração: 107 min.
Ano: 2010

289. Irreversível

2010-12-26T13:24:00.000-08:00

Sou cinéfilo há vários anos, e até hoje, poucos filmes me chocaram como "Irrversível" me chocou! É um dos filmes mais pesados e sujos que assisti até hoje (se não é o mais). O polêmico diretor Gaspar Noé nos apresenta uma história, que por si só já é angustiante e pesada de maneira completamente explicita, resultando em cenas absurdamente desconfortáveis de se assistir, de tão pesadas que são. Tudo aqui é explícito, desde o linguajar, até o sexo, homo e heterossexual, além de ser absurdamente violento. A cena em que Pierre, o amigo do personagem principal, mata um homem somente desfigurando seu rosto com um extintor de incêndios é uma das cenas mais violentas que vi nos últimos tempos! E, quando a cena mais famosa do filme chega, o estupro de Monicca Bellucci, a mesma se revela uma das cenas de estupro mais viscerais e realistas da história do cinema! Tudo isso, regido por uma direção esplêndida de Gaspar Noé, que, como de praxe, opta por sua habitual câmera tremula, numa fotografia maravilhosa, que além de conferir mais realidade ao filme, ainda trata de expressar os sentimentos e o estado de espírito dos personagens através das imagens vertiginosas. Notem que, quando os personagens estão eufóricos, a câmera treme e gira tanto, que mal conseguimos ver as imagens, já quando os personagens ficam mais calmos, a câmera para de balançar, transparecendo um ar de calma e sossego. Como o filme é apresentado de trás para frente, ele se inicia ágil e acaba muito mais calmo de como se iniciou. Compondo o elenco, temos Vicent Cassel e Monicca Bellucci, ambos fabulosos, em interpretações viscerais, que fazem de "Irreversível" um filme ainda mais realista e angustiante. Ao contrário de "Amnésia", o roteiro de "Irreversível" funcionaria muito bem em ordem narrativa normal, mas de trás para frente foi uma opção muito acertada por Gaspar Noé, pois acabou deixando a trama ainda mais angustiante, uma vez que com este método narrativo, ele acaba prendendo ainda mais nossa atenção. Mérito também do roteiro, é a criação de personagens tão profundos e uma história de vingança muito bem desenvolvida, começando de forma menos raivosa, e acabando como um massacre e uma descarga de violência em todos que cruzarem seu caminho. Em certo momento da trama, Pierre fala algo parecido para Marcus (Vicent Cassel): "Pare! Isso já não é mais humano, isso não se faz nem com animais!". Com este diálogo, você pode prever um pouco da violência que vem pela frente! Não somente a fotografia é incrível na parte técnica, mas também a edição, fabulosa, como o próprio método de contar a história exige. Acertando também em sua trilha sonora claustrofóbica e extremamente tensa, "Irreversível" é um filme para pessoas que tem coração forte, porque imagens absurdamente violentas e explícitas são constantes nesta produção de Gaspar Noé. O filme conta, de trás para frente, a história de Marcus (Cassel) e Pierre, dois amigos que entram numa jornada de vingança contra um homem chamado Solitária, por ele ter estuprado e matado Alex (Bellucci) a namorada de Marcus. A obra-prima da carreira de Gaspar Noé, o melhor filme de Monica Bellucci e o melhor filme de Vicent Cassel!

(Obra-prima)

Gênero: Drama

Duração: 94 min.
Ano: 2002

Cinefilia 08: Natal

2010-12-22T15:15:00.001-08:00

Obs: Ignorem, por favor, a imagem absolutamente clichê acima, fruto da minha falta de criatividade para com este post.

O natal está chegando (mais precisamente: é amanhã!). Esta é uma data de reunir a família, os amigos, as pessoas importantes na sua vida. Porque então, aproveitando-as reunidas, não assistir a um filme? Foi por isso que planejei uma lista de filmes para se ver neste natal. Esta lista foi dividida por gênero. Os gêneros aqui presentes são, como podem notar, mais lights, bem como os filmes, realmente para aproveitar e relaxar em clima de natal.

Dispensando mais apresentações, vamos a lista:

Comédia: "O Show de Truman" (1998): Provavelmente o mais engraçado e divertido da lista! Jim Carrey numa de suas melhores interpretações (o que é difícil de acontecer), um roteiro incrivelmente original e uma direção precisa de Peter Weir, fazem deste, o melhor filme de comédia feito até hoje!

Comédia Romântica: "Noivo Neurótico, Noiva Nervosa" (1977): Mais um filme escrito, dirigido e protagonizado por Woody Allen, na década de 70, década esta, que foi considerada a metade genial da carreira de Allen. Como de praxe nesta época, Woody Allen contracena com Diane Keaton, expondo diálogos e discussões inteligentíssimas, que só um gênio, como ele consegue fazer.

Romance: "Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças" (2004): Basta dizer que foi escrito por Charlie Kaufman que já se pode ter uma boa noção de como é este filme. Psicodélico, esdrúxulo e diferente de muita coisa que você assistiu. Como em "O Show de Truman", Jim Carrey está em uma de suas melhores interpretações. Além disso, é dirigido por Michel Gondry, que também dirigiu outro filme escrito por Kaufman, "A Natureza Quase Humana". Como "Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças" não agrada a qualquer tipo de público, "Um Lugar Chamado Nothing Hill" (1999), com Julia Roberts e Hugh Grant, também pode ser uma boa pedida.

Drama: "Tomates Verdes e Fritos" (1991): Um dos filme mais emocionantes de 1991, com interpretações marcantes de todo o elenco, vale ressaltar a de Kathy Bates. Este é um filme para quem gosta de se emocionar com uma história de amizade que supera barreiras de idade e distância.

Aventura: "Indiana Jones e os Caçadores da Arca Perdida" (1981): Qualquer filme da série Indiana Jones, de Spielberg, é uma boa opção para este natal. Optei por colocar o primeiro exemplar por ser a origem da série, que mais tarde resultaria em 4 filmes. Harrison Ford interpreta um dos mais carismáticos professores da história do cinema!

É isso, escolha um, dois, três... ou até todos os filmes para assistir neste natal com as pessoas que você ama.

Feliz natal a todos!

288. A Rede Social

2010-12-21T05:01:00.000-08:00

2010 foi um ano que rendeu muitos filmes nerds. Tivemos "Kick Ass - Quebrando tudo", "Scott Pilgrim Contra o Mundo", e agora, "A Rede Social". Não assisti "Scott Pilgrim Contra o Mundo", mas comparado a "Kick Ass", "A Rede Social" se sai muito melhor, e levando em conta que o filme do herói sem poderes é muito bom, "A Rede Social" é excelente! Só não chega a ser uma obra-prima por alguns pecadilhos, que praticamente se escondem por trás dos outros muitos méritos do filme. Este mais novo filme de David Fincher tem ritmo. Ritmo este, que é proporcionado por uma série de elementos que, numa perfeita sincronia, se encaixam no filme de maneira brilhante e entusiasmante. Diálogos afinados, que chegam a lembrar Quentin Tarantino, vide a cena inicial, onde Jesse Eisenberg e sua namorada discutem, criando uma das melhores cenas da carreira de Fincher e de Eisenberg, que lembra muito as cenas iniciais de "Pulp Fiction - Tempos de Violência" e "Cães de Aluguel", ambos de Tarantino. Mérito do roteiro que, muito bem amarrado, proporciona agilidade e interesse descomunal em uma história que em mãos erradas poderia se tornar cansativa e desinteressante. Dono de uma filmografia invejável, David Fincher cria mais um trabalho incrível que, para mim, se equipara a "Clube da Luta", embora fique abaixo de "O Curioso Caso de Beijamim Button" e "Seven - Os Sete Crimes Capitais", e acima de todo o resto da filmografia do diretor, que conta ainda com ótimos exemplares, como "Alien 3" e "O Quarto do Pânico", e o péssimo "Zodíaco". No elenco, Jesse Eisenberg protagoniza a melhor interpretação de sua carreira, no segundo melhor filme em que atuou (o 1º é a obra-prima "Zumbilândia"). E Justin Timberlake, que não está nada mal, não deixando muito a desejar. Possuindo uma edição soberba e uma trilha sonora contagiante, "A Rede Social" possui fortes chances de ser indicado a inúmeras categorias do Oscar 2011, incluindo melhor filme, merecidamente. Apesar de não dar 5 estrelas para este filme, o recomendo a todos, porque é excelente! "A Rede Social" conta a história de Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg), o criador do mais famoso site de relacionamentos, o Facebook.

(Excelente)

Gênero: Drama
Duração: 120 min.
Ano: 2010

287. Possessão

2010-12-17T08:57:00.000-08:00

Confesso que o único e exclusivo motivo pelo qual eu assisti "Possessão" foi pela curiosidade de saber como era o tal monstro tentacular prometido nas sinopses que lia sobre este filme. E devo dizer que é um dos monstros mais sem graça que vi nos últimos tempos (sim, somente este ano assisti a este filme). Dirigido por Andrzej Zulawski (ganha um doce quem conseguir ler este nome), "Possessão" conta com um roteiro absolutamente perturbador. Cheio de metáforas, muitos podem até descriminá-lo pelo fato de constantemente vermos os atores sendo expostos ao extremo em interpretações macabras, que confesso, chegaram de certo modo a me incomodarem, mas analisando pelo lado positivo, proporcionaram grandes interpretações de um elenco composto por duas pessoas tão talentosas, que nas cenas em que contracenam e atuam, nos causam um desconforto inexplicável, e levando em conta que eles interpretam os personagens principais, o desconforto se mantém, do início ao fim da projeção. São eles: Sam Neill, em início de carreira, que mais tarde será chamado por Steven Spielberg para interpretar seu personagem mais famoso, o Dr. Alan Grant, no primeiro e no terceiro filme da série "Jurrasic Park". Mas é Isabelle Adjani que se sobressai até mesmo a Neill. E se Neill possui uma ótima atuação, Adjani nos deixa de queixo caído toda vez que entra em cena. Este é o primeiro e único filme que eu assisti, em que ela atuou, mas já foi suficiente para virar fã da mesma. Ela constrói uma personagem tão complexa e intrigante, que é difícil até descrever em palavras. Adjani equilibra entre momentos extremamente tensos, variando, em questão de segundos, para momentos de riso (por parte dela, não do espectador), revelando um conflito psicológico tão extremo que chega a arrepiar! Vale ressaltar a cena em que ela fica possuída no túnel do metrô. Este é o ápice do filme para mim. Esta é uma cena tão perturbadora que mal conseguimos ficar vendo! Na verdade, os personagens e os seus respectivos atores sendo expostos ao extremo é uma constante em "Possessão". Mas, em contrapartida a estes pontos positivos, proporcionados, não só pelo roteiro, mas também pela direção de Zulawski, e pelas atuações de Neill e Adjani, o roteiro peca por começar objetivo, direto, mas, com o decorrer dos minutos, vai se tornando cansativo e arrastado. O corte de uns 10 minutos de filmes cairia muito bem. Além disso, faltou a "Possessão", ser mais ousado, mais polêmico. Cenas que poderiam provocar um grande impacto no público (como a cena de sexo entre o monstro e Isabelle), acabam não chocando como deveriam. Uma exceção ao que acabei de dizer é a cena da possessão no túnel do metrô. Talvez com 10 minutos a menos, e cenas mais chocantes, mais explícitas, "Possessão" se sairia muito melhor. Aqui, Sam Neill interpreta um homem, que decide investigar com quem sua mulher o está traindo, e descobre que a mesma mantém relações amorosas e sexuais com um monstro.

(Mediano)

Gênero: Suspense
Duração: 123 min.
Ano: 1981

286. Machete

2010-12-09T04:39:00.000-08:00

Adoro filmes trash. Adoro também quando a dobradinha Tarantino e Rodriguez homenageiam esse gênero e, consequentemente, nos presenteiam com filmes absolutamente divertidos, vide "À Prova de Morte" e "Planeta Terror". Mas parece que ainda não satisfeito, Robert Rodriguez lança um outro filme trash, baseado em um trailer falso, que constava em "Grindhouse" (a junção dos projetos de Tarantino e Rodriguez, citados acima), chamado "Machete". E se torna um bom filme, embora eu esperasse muito mais dele. Muitos criticam o filme, devido ao fato de Rodriguez estar se repetindo muito nessa sua mais nova produção. E, devo confessar que isto não me incomodou em momento algum da projeção. Somente duas coisas me incomodaram neste filme. O fato de Robert Rodriguez ter criado um personagem (Machete) que mais parece James Bond, em vez de um imigrante ilegal, e a fotografia que, como comentei em minha crítica sobre "À Prova de Morte", decai por começar em tom envelhecido e depois simplesmente o abandonar no decorrer da produção. Mas se em "À Prova de Morte" isto era mais sutil, aqui em "Machete" a mudança é muito mais abrupta. Todavia, se a fotografia é errônea ao mudar do tom envelhecido ao atual, ela acerta em adquirir uma cor amarelada, que, esta sim, dura o filme inteiro, o que permite nos familiarizarmos melhor com o local onde se passa a trama, que no caso é o Texas. O elenco conta com Danny Trejo, no papel principal, interpretando Machete, que aliás, foi uma boa escolha, por ter o estereótipo perfeito para esse personagem. Vemos também Steven Seagal, com sua interpretação estilo "boneco de massinha", cai perfeitamente bem neste filme, simplesmente pelo fato de ser trash, tanto o filme, quanto o ator (embora Seagal não pretenda ser trash). E, para fechar a parte masculina, Robert De Niro está mediano. O lado feminino da produção conta com Jessica Alba e Michelle Rodriguez, exibindo seus corpos esculturais, e Lindsay Lohan, que neste filme, possui aparência e trejeitos de uma prostituta, embora não tenha sido esta a intenção. Em geral, "Machete" é um filme divertido, que conta a história de um imigrante ilegal mexicano (Machete), que se envolve em uma trama, entre um senador, assassinos, e mulheres.

(Bom)

Gênero: Ação
Duração: 104 min.
Ano: 2010

285. Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 1

2010-11-27T04:07:00.001-08:00

Sou fã da franquia "Harry Potter". Mas, como em várias outras franquias, ela deve ser analisada como um todo, não cada filme separadamente. Separados, os filmes não tem a mesma qualidade. Embora sejam, separados, filmes bons, ou muitos bons, juntos na franquia, se tornam geniais! Um filme completa o outro. O que eu mais gosto na série "Harry Potter" é notar a evolução da mesma, tanto em conteúdo, como em técnica. Basta notar que em cada filme da série, um tom mais obscuro vai se consolidando, até culminar, claro, em "Harry Potter 7 - Parte 1". Se em seus primórdios, a série possuía filmes "família", filmes divertidos, que visavam o entretenimento para toda a família, com o passar do tempo, os filmes foram adquirindo um tom mais sombrio, o que foi, para mim, o maior acerto da série, porque os livros, escritos por J.K.Rolling, necessitavam dessa mudança de clima. Sendo assim, a cada filme, quanto mais Harry se aproxima do duelo mortal com Voldemort (que acontecerá na segunda parte, lançada em Julho do ano que vem), mais os filmes vão se obscurecendo, e essa obscuridade se dá através da parte técnica, com a mudança de fotografia, da mudança de diretores, e do roteiro. "Harry Potter 7 - Parte 1" é o mais pesado de todos, o mais obscuro de todos e o mais triste de todos. Neste último exemplar lançado da série, vemos sangue, vemos tortura, vemos até uma cena (claro que muito censurada) de Harry Potter e Hermione se beijando nus! Sim, Harry Potter e Hermione, mas você irá entender o porquê disso assistindo ao filme. A série iniciou sendo dirigida por Chris Columbus, dirigindo os dois primeiros filmes. Depois a direção passou para Alfonso Cuarón, com o terceiro filme, depois Mike Newell, com o quarto filme, e por último, David Yates, a partir do quinto, até o ultimo. Yates foi e está sendo o melhor. É notável sua direção, tanto no controle da produção, quanto no controle dos atores. Atores esses, que também evoluíram durante os sete filmes. Daniel Radcliffe está muito mais convincente e Emma Watson muito mais madura. Além de tudo isso, "Harry Potter 7 - Parte 1" possui uma parte técnica impecável, seja na fotografia, que, como disse acima, passa um tom muito sombrio, escuro, em certos momentos, quase monocromático, ou na edição de som, alternando sons estridentes, com sons calmos, como o de árvores. Aliás, um palpite para o Oscar 2011: "Harry Potter 7 - Parte 1", indicado em melhor edição de som. Agora, Harry, Hermione e Rony precisam encontrar as horcruxes, que contém pedaços da alma de Voldemort, para poder derrotá-lo.

(Excelente)

Gênero: Aventura/Ação

Duração: 147 min.

Ano: 2010

Cinefilia 07: Dublagens X Legendas

2010-11-21T12:52:00.000-08:00

Primeiramente, gostaria de me desculpar pelo tempo que fiquei sem realizar nenhuma postagem neste blog. Isto ocorreu devido a problemas referentes ao meu computador. Dito isso, vamos ao que interessa nesta coluna: dublagens e legendas.

Antes de começar a escrever, vou avisando: sou completamente contra dublagens!

Uma das coisas que mais me irrita na sociedade atual é a falta de interesse e a preguiça mental das pessoas, que preferem assistir um filme em versão dublada, a ouvir o áudio original do filme, sob o pretexto de não conseguir ler e prestar atenção na produção, ao mesmo tempo. Isso se chama preguiça mental! É triste ver uma pessoa com esse tipo de preguiça, e infelizmente, esse mal assola grande parte da população brasileira. Fato que se reflete claramente nos dias atuais. Basta notar o número cada vez mais crescente de cinemas exibindo somente a cópia dublada de um filme live-action.

A quantidade de referências, e até frases que se perdem, e perdem sentido dubladas são incontáveis. Certo que, mesmo na legenda, muitas coisas se perdem dos textos nas linguas originais, mas é muito menos frequente que nas dublagens. Então, se você é um nerd, ou um cinéfilo, ou até mesmo uma pessoa que tenha noções básicas de inglês, ou a lingua de origem do filme, é impressindível que você assista com o áudio original!

Além dos fatos citados acima, filmes legendados treinam a leitura, e como todos sabem, quanto mais leitura você consumir, mais culto você será, e menos influenciável você se tornará! Dublagens tiram a realidade de um filme, acabam com o som do mesmo (destroem a edição e a mixagem de som) e ainda, dizimam as interpretações dos atores! Isso é lastimável! Faça a experiência: assista "Batman - O Cavaleiro das Trevas" dublado e depois legendado. Se você não notar nenhuma diferença é porque você é incapaz de notar o que está diante dos seus olhos!

Então, seja por respeito aos nerds, cinéfilos ou às outras pessoas que assistem filmes legendados, ou por você se conscientizar e querer reverter essa situação lastimável em que você se encontra, ao assistir filmes dublados, mude, assista filmes legendados!

E notem que, ao invés de uma imagem, coloquei uma cena do filme "Kill Bill vol. 2", legendada, para conferirem como o áudio original deixa o filme muito mais emocionante e verossímil!

Mude sua atitude. Até o próximo post!

284. Kick Ass - Quebrando Tudo

2010-11-10T07:58:00.000-08:00

Hoje, vários filmes recebem classificações indicativas muito altas para seu real conteúdo, diminuindo assim, o público alvo da produção, e com "Kick Ass - Quebrando Tudo" não é diferente, sua classificação alcançou a inadequação para menores de 18 anos. Mereceu? Não. Certo que o filme é muito violento e que possui muitos palavrões, mas nada excepcional, para ganhar a classificação citada acima. Todavia, devemos agradecer também que esta produção permaneceu estável, mesmo que com esta classificação. Não foram cortadas nem censuradas cenas, e isso é muito bom! Um dos elementos mais "pesados" neste filme é a presença constante de humor negro, basta vermos uma garota de mais ou menos 12 anos (não lembro exatamente sua idade) matando e decepando partes do corpo de inimigos. Basta perceber também a criação que esta menina possui em casa, com um pai ex-policial, que possui um arsenal completo em seu apartamento. Pai este, interpretado por Nicolas Cage, numa performance muito convincente. Falando em violência, "Kick Ass - Quebrando Tudo" possui cenas de luta incríveis, regidas por musicas animadas, alegres, o que reforça ainda mais o humor negro na produção. A edição, ágil e contagiante, não deixa a desejar, bem como a edição de som, que é digna de aplausos. O roteiro é muito eficaz ao retratar o jovem aspirante a herói. Notem que início do filme, o jovem, quando se veste de herói e se intitula Kick Ass, está incerto, receoso, embora com muita vontade e muita coragem, tanta coragem, que em certos momentos, o transforma em um idiota. Já no final do filme, Kick Ass está decidido, centrado em seu dever e muito mais confiante. Isto é mérito do roteiro, que também nos apresenta a uma história bem amarrada. Não posso avaliar em comparação às HQs, pois ainda não as li, mas pretendo ler. Acima de tudo, "Kick Ass - Quebrando Tudo" é um filme nerd. Basta notar as referências explícitas ao universo dos quadrinhos e dos filmes. E como um nerd, eu não poderia deixar de apreciar uma coisa destas! Um jovem decide comprar uma roupa de super-herói e sair pela noite protegendo a cidade, mas ele vai fundo demais e se envolve numa perigosa trama, envolvendo um mafioso, uma garota mortal, um ex-policial e um outro herói mirim.

(Muito bom)

Gênero: Ação
Duração: 117 min.
Ano: 2010

283. Tropa de Elite 2

2010-10-31T12:22:00.000-07:00

O cinema brasileiro é alvo do preconceito por parte de muitas pessoas. Isso é fato. Mas é um fato absolutamente sem sentido, levando em conta à quantidade de filmes bons brasileiros que são desperdiçados pelo público sob o simples pretexto de serem nacionais! Sim, o cinema brasileiro já passou por um período fraco, em termos cinematográficos, mas este período passou, e atualmente, produções de alto nível estão surgindo, mas infelizmente, elas não tem espaço devido ao preconceito de certas pessoas que preferem recorrer ao cinema norte americano, ao invés de prestigiar a nossa evolução fílmica! Isso é lastimável! Não que o cinema norte americano não possua bons filmes, mas eles não são os únicos que fazem filmes de qualidade. Porém, fico feliz de saber que, mesmo sendo muito poucos, alguns filmes brasileiros conseguem ser reconhecidos e até admirados pelo público, como foi o caso de "Tropa de Elite" e, agora, "Tropa de Elite 2". Então, você aí, que xinga o cinema brasileiro sem ao menos ter assistido à estes dois filmes citados acima, deixe seu preconceito tolo e sem sentido de lado e confira-os, que com certeza, você vai se surpreender! Enfim, vamos ao filme: "Tropa de Elite 2". Tanto o primeiro, como o segundo possuem a mesma qualidade, sendo assim, não sei dizer qual o melhor, os dois se completam. É admirável também o realismo das cenas desta produção, criado a partir da linguagem (sim, é uma linguagem muito chula, repleta de palavrões, mas sem ela, o filme não seria o mesmo), da atuação do elenco, do qual gostaria de felicitar a performance de Wagner Moura, como o icônico Capitão Nascimento, que consegue transparecer a expressão de cansaço, unida com a garra de conseguir o seu objetivo, que é acabar com o "sistema" regido pela polícia e pelo governo brasileiro. Notem que nas cenas em que ele afronta ou é afrontado pelos seus amigos, ou até pela sua família, Moura começa a piscar freneticamente, expressando angústia e tristeza, mas nunca perda de esperança. Isso faz de Wagner Moura um dos melhores atores brasileiros, numa das melhores interpretações do cinema nacional, no personagem mais marcante do mesmo. E tudo isso, como se não bastasse, é regido pela direção soberba de José Padilha que, com seu roteiro e seu estilo de filmagem eficaz, dinâmico e verossímil, nos transporta para o mundo das favelas e dos bastidores da polícia e do governo brasileiro. Nos apresenta à uma verdade que, embora mostrada como uma ficção, retrata o cotidiano do sistema político brasileiro que todos sabemos ser a realidade do nosso país. Agora, Capitão Nascimento foi afastado do BOPE e vai parar na secretaria de segurança pública onde descobre que o "sistema" também envolve os governadores e, a todo custo, tenta acabar com os corruptos e com o tal "sistema" que favorece os mais poderosos. Muito bom!

Gênero: Ação
Duração: 116 min.
Ano: 2010

Cinefilia 06: Clássicos - Star Wars IV, V e VI

2010-10-23T06:23:00.000-07:00

Obs: Este post contém spoilers!

Inicialmente, planejava escrever na coluna Cinefilia de hoje sobre os seis filmes da saga "Star Wars", mas por problemas de tempo, não pude reassistir os episódios I, II e III, então decidi escrever somente sobre os episódios IV, V e VI, que respectivamente são: "Uma Nova Esperança", "O Império Contra-Ataca" e "O Retorno de Jedi".

A franquia foi dividida em duas: A nova e a antiga trilogia. A antiga teve seu início em 1977, com o lançamento de "Star Wars IV: Uma Nova Esperança", enquanto a nova se iniciou com "Star Wars I: A Ameaça Fantasma", em 1999. Os motivos de a série ter sido dividida assim, por George Lucas, seu criador, foi devido à tecnologia que a época proporcionava aos filmes. Sendo assim, a trilogia inicial assumiu o papel de contar a história da guerra entre os rebeldes (entre eles, Luke Skywalker, a princesa Leia, Han Solo e Chewbacca) contra o Império, instituição que comandava a galáxia com punhos de ferro, que tinha como um dos comandantes, Darth Vader.

A franquia revolucionou o cinema, principalmente na indústria dos efeitos visuais, algo que poucos filmes conseguiram fazer, como "2001 - Uma Odisséia no Espaço", levando em conta as suas respectivas datas de lançamento. Não é a toa que esta saga virou cult, símbolo nerd e o motivo pelo qual muitas pessoas se tornam cinéfilas.

Vamos aos filmes:

"Star Wars IV: Uma Nova Esperança" (1977): O primeiro filme da franquia. Somos apresentados aos personagens de uma forma dinâmica, que merece ser ressaltada, mérito do roteiro que, muito bem escrito por George Lucas (no único filme da trilogia clássica que ele escreve e dirige), nos apresenta também à uma história perfeitamente amarrada e interligada, que faz os minutos do filme passarem voando! Notem também que o roteiro constantemente menciona o pai de Luke Skywalker, para logo depois, no episódio V, revelar a verdadeira identidade do pai do mesmo.

"Star Wars V: O Império Contra-Ataca" (1980): O bom roteiro ainda continua, embora não tenha sido escrito por George Lucas. Notem que, enquanto no capítulo anterior da saga, Luke Skywalker estava mais inseguro quanto ao seu destino, neste filme, ele já está muito mais decidido, maduro e focado em seu objetivo. E é neste filme que ocorre a revelação da verdadeira identidade do pai de Luke, que é Darth Vader! E é neste filme também que a icônia frase é pronunciada: "Luke, I'm your father!".

"Star Wars VI: O Retorno de Jedi" (1983): O capítulo final da série, que é muita bem concluída com este filme que possui uma sequência belíssima e muito emocionante para quem é amante da sétima arte, que é a sequência em que a galáxia comemora a derrota do Império, e o filme, bem como a série, termina com fogos de artifício, e todos os personagens principais em frente a câmera como se estivessem posando para uma foto! Fantástico! Além disso, a cena da luta final entre Darth Vader e seu filho, Luke, é memorável!

Enfim, "Star Wars" é uma saga para toda a família, além de ser nerd, cult e de ter eternizado frases e personagens, como Luke Skywalker, Han Solo, princesa Leia, Chewbacca, Jabba, Yoda, C-3PO, R2-D2 e Darth Vader! Até o próximo post!